Siglo XVIIIEditar
Durante el siglo XVI, la commedia dell’arte se extendió desde Italia por toda Europa, y en el siglo XVII las adaptaciones de sus personajes eran familiares en las obras de teatro inglesas. En las versiones inglesas, las arlequinadas diferían en dos aspectos importantes del original de la Commedia. En primer lugar, en lugar de ser un pícaro, Arlequín se convertía en la figura central y el protagonista romántico. En segundo lugar, los personajes no hablaban; esto se debía al gran número de intérpretes franceses que actuaban en Londres, tras la supresión de los teatros sin licencia en París. Aunque esta limitación fue sólo temporal, las arlequinadas inglesas siguieron siendo principalmente visuales, aunque más tarde se admitieron algunos diálogos.
A principios del siglo XVIII, las «escenas nocturnas italianas» presentaban versiones de las tradiciones de la Commedia en escenarios familiares de Londres. A partir de ellas, se desarrolló la arlequinada inglesa estándar, que representaba a los amantes fugitivos Arlequín y Colombina, perseguidos por el insensato padre de la chica, Pantaloon, y sus cómicos sirvientes. La trama básica se mantuvo esencialmente igual durante más de 150 años. En las dos primeras décadas del siglo, dos teatros londinenses rivales, el Lincoln’s Inn Fields Theatre y el Theatre Royal, Drury Lane, presentaban producciones que comenzaban seriamente con historias clásicas con elementos de ópera y ballet y terminaban con una «escena nocturna» cómica. En 1716, John Weaver, el maestro de baile de Drury Lane, presentó «Los amores de Marte y Venus – un nuevo espectáculo de baile a la manera de las antiguas pantomimas». En Lincoln’s Inn, John Rich presentó y actuó como Arlequín en producciones similares. El historiador teatral David Mayer explica el uso del «batte» o slapstick y la «escena de transformación»:
Rich dio a su Arlequín el poder de crear magia escénica en alianza con artesanos fuera del escenario que operaban escenografías trucadas. Armado con una espada mágica o un bate (en realidad un slapstick), el Arlequín de Rich trataba su arma como una varita, golpeando el escenario para mantener la ilusión de cambiar el escenario de un lugar a otro. Los objetos también eran transformados por el bate mágico de Arlequín.
Las producciones de Rich fueron un éxito, y otros productores, como David Garrick, comenzaron a producir sus propias pantomimas. Durante el resto del siglo, este patrón persistió en los teatros de Londres. Cuando los productores se quedaban sin argumentos de la mitología griega o romana, recurrían a los cuentos populares británicos, a la literatura popular y, hacia 1800, a los cuentos infantiles. Pero sea cual sea la historia representada en la primera parte del espectáculo, la arlequinada seguía siendo esencialmente la misma. Al final de la primera parte, se empleaban ilusiones escénicas en una espectacular escena de transformación, iniciada por un hada, que convertía a los personajes de la pantomima en Arlequín, Colombina y sus compañeros.
Siglo XIX y posterioresEditar
A principios del siglo XIX, el popular intérprete cómico Joseph Grimaldi hizo que el papel de payaso pasara de ser «un rústico bobo a la estrella de la pantomima metropolitana». Dos desarrollos en 1800, ambos con Grimaldi, cambiaron en gran medida los personajes de la pantomima: Para la pantomima Peter Wilkins: o Arlequín en el Mundo Volador, se introdujeron nuevos diseños de trajes. El payaso cambió su destartalado traje de sirviente por uno extravagante y colorido. En Harlequin Amulet; or, The Magick of Mona, a finales del mismo año, Arlequín se modificó, convirtiéndose en un personaje romántico cada vez más estilizado, dejando las travesuras y el caos al Clown de Grimaldi.
El Clown aparecía ahora en una serie de papeles, desde el pretendiente rival hasta la cocinera o la enfermera de la casa. La popularidad de Grimaldi cambió el equilibrio del entretenimiento de la noche, y la primera sección, relativamente seria, pronto se redujo a lo que Mayer llama «poco más que un pretexto para determinar los personajes que iban a transformarse en los de la arlequinada». En el siglo XIX, las representaciones teatrales solían durar cuatro horas o más, y la pantomima y la arlequinada concluían la velada tras un largo drama. Las pantomimas tenían títulos dobles, que describían las dos historias inconexas, como «Little Miss Muffet y Little Boy Blue, o Harlequin y Old Daddy Long-Legs.»
En una elaborada escena iniciada por el «slapstick» de Arlequín, una Reina Hada o Hada Madrina transformaba a los personajes de la pantomima en los personajes de la arlequinada, que luego representaban la arlequinada. A lo largo del siglo XIX, a medida que la maquinaria escénica y la tecnología mejoraban, la transformación del decorado era cada vez más espectacular. Una vez completada la transformación, el payaso anunciaba: «Aquí estamos de nuevo». El escenario solía ser una escena callejera que contenía varias trampas escénicas, puertas y ventanas trucadas. El payaso saltaba por las ventanas y reaparecía por las trampillas. Robaba salchichas, pollos y otros objetos de atrezzo que se metía en los bolsillos, para luego repartirlos injustamente con un cómplice. Para burlar a sus perseguidores, engrasaba la puerta de una carnicería con mantequilla. Por lo general, no había mucho diálogo hablado, sino mucho negocio con un «atizador al rojo vivo». Arlequín utilizaba su varita mágica o su bastón para convertir un perro en salchichas y una cama en un abrevadero de caballos, para sorpresa de la víctima dormida. El payaso se zambullía en la esfera de un reloj, que no mostraba ninguna señal de entrada.
La arlequinada perdió popularidad en la década de 1880, cuando el music hall, el burlesque victoriano, la ópera cómica y otros entretenimientos cómicos dominaron el escenario de la comedia británica. En la pantomima, las escenas de amor entre Arlequín y Columbine se redujeron a breves demostraciones de baile y acrobacias, la apertura del cuento de hadas recuperó su preeminencia original y, a finales del siglo XIX, la arlequinada se había convertido en un simple epílogo de la pantomima. Se mantuvo durante algunas décadas más, pero finalmente desapareció por completo a mediados del siglo XX. La última arlequinada se representó en el Lyceum Theatre en 1939.