Kara Walker er en moderne amerikansk billedkunstner, der er kendt for sine modige kreative undersøgelser af race, stereotyper, køn, ulighed og identitet gennem sin nations historie, og som har været tvunget til at bekæmpe kritikere og deres verbale angreb gennem hele sin lange karriere. Ved at hæve sig over den rasende storm, som hendes kunstværker plejede at skabe, stimulerede Walkers arbejde i sidste ende en større bevidsthed og skubbede samtaler om racisme i den visuelle kultur fremad. Kara insisterede hele tiden på, at hendes opgave var at chokere seerne lige ud af deres komfortzoner og endda gå så langt som til at gøre dem vrede, idet hun engang bemærkede følgende: Jeg laver kunst for alle, der har glemt, hvordan det føles at kæmpe imod. Dette alene er en stærk nok indikation af, hvad hendes kunst handler om og selve den natur, der er dybt forankret i Karas værker – en oprørsk ånd, et skarpt sprog og en kompromisløs ubarmhjertighed i forhold til at sige det rigtige.

Det tidlige liv

Kara Elizabeth Walker blev født den 26. november i løbet af året 1969, i Stockton, den nordlige by i den amerikanske stat Californien. Under ledelse af sin far Larry Walker, der selv var maler, var der aldrig nogen tvetydighed i Walkers hjerte – lige siden hun var tre år gammel, vidste hun, hvad hun kunne forvente af fremtiden, da hun længtes efter en dag at blive kunstner selv. I første omgang drømte hun dog om at skabe kunstværker, hvilket måske kan komme som en overraskelse, når man ved, hvordan hendes portefølje viste sig at være – i takt med at hun tilpassede sig til sin personlighed, ændrede Walkers ambitioner og kunstneriske mål sig, efterhånden som hun blev ældre. I løbet af sin ungdom begyndte Kara at eksperimentere med forskellige avantgardistiske stilarter og skabte værker med henblik på at fortælle en historie eller gøre et statement snarere end at opnå skønhed eller perfektion – i den forstand var hendes arbejde meget tættere på de tidligste avantgardebevægelser i Europa end hendes samtidige kunstnerkolleger som Jasper Johns, der også forsøgte sig med udforskninger af kunsten fra det tidlige 20. århundrede. Da Walker i 1999 blev bedt om at forklare forløbet af sin kunstneriske udvikling, udtalte hun: Jeg tror, at der var en lille smule af et lille oprør, måske en lille smule af et oprørsk ønske, der fik mig til at indse på et tidspunkt i min ungdom, at jeg virkelig kunne lide billeder, der fortalte historier om ting – genremalerier, historiske malerier – den slags derivater, som vi får i det moderne samfund. Midt i sin kreative udvikling flyttede Walker med sin familie til Atlanta, Georgia, hvor hun skulle tilbringe resten af sine teenageår og senere gå på Atlanta College of Art. I løbet af 1991 opnåede Kara en Bachelor of Fine Arts-grad i maleri og grafik på denne prestigefyldte institution. Desuden fik Walker en Master of Fine Arts-eksamen i maleri og grafik, som hun afsluttede på Rhode Island School of Design i 1994.

Kunstnerisk lancering uden megen støtte

Med Walkers egen tilkendegivelse har hun udpege det præcise tema for sin kunsts optagethed som et svar på pres og forventninger fra sine instruktører – hvad enten det er med vilje eller ved et uheld, begyndte Walker at fokusere på racespecifikke emner, emner, der snart bliver hendes genkendelige varemærke. Samme år, som hun fik en mastergrad på Rhode Island School of Design, debuterede Walker med et vægmaleri på Drawing Center i New York City med titlen as Gone: A Historical Romance of a Civil War as It Occurred Between the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart (væk: en historisk roman om en borgerkrig, som den udspillede sig mellem en ung negers lår og hendes hjerte). Sjældent var der en situation, hvor en studerende er i stand til at tiltrække så meget opmærksomhed med sit værk, som det var tilfældet med Kara og hendes mundfuld af et vægmaleri – det var ikke kun værkets tema, der fangede kritikernes opmærksomhed, men også dets berygtede form, hvor der blev placeret silhuetfigurer af sort papir mod en hvid væg. I bund og grund gjorde Gone det muligt for Walkers karriere at blive lanceret med et udråbstegn og forvandlede hende øjeblikkeligt til en fremtrædende kunstnerisk stemme om emnet race og racisme. Derudover udvidede Karas interesser sig til at omfatte seksuelle temaer og kombinerede dem med racemæssige spørgsmål, og alt hendes materiale var baseret på portrætter af afroamerikanere i kunst, litteratur og historiske fortællinger. For at gøre sit arbejde så historisk præcist og dermed mere substantielt i sin betydning blev Walker en ekspertforsker, der trækker sit materiale fra en bred vifte af kilder, lige fra malede portrætstykker til pornografiske romaner. Kare støttede sig også til andre kunstnere, der behandlede racestereotyper gennem deres værker, idet hun henviste til dem og gav dem en vigtig rolle, samtidig med at hun sørgede for, at den afroamerikanske kunstscene forbliver så sammenhængende som muligt. Ved at stole en smule på andres værker i disse tidlige dage af sin karriere gav Walker en vigtig fordel, som gjorde det muligt for hende at forenkle det vanvid, hun arbejdede sig ind i.

Efter at have nydt, hvad man roligt kan betragte som en kritisk succes for hendes Gone: A Historical Romance of a Civil War as It Occurred Between the Dusky Thighs of One Young Negress of One Young Negress and Her Heart, blev Kara Walker tilbudt en repræsentation hos et stort galleri, Wooster Gardens – nu kendt under navnet Sikkema Jenkins & Co. En række efterfølgende soloudstillinger styrkede hendes status, og blot fire år senere, i 1998, modtog Kara Walker MacArthur Foundation Achievement Award – hun var faktisk den yngste modtager nogensinde af MacArthur-prisen. Walker mødte dog jævnligt betydelig modstand mod hendes brug af racestereotypen, idet mange kritikere hævdede, at hun var tilbøjelig til at gå unødigt meget over gevind med sin kunst. Blandt de mest åbenmundede kritikere af Karas arbejde på det tidspunkt var Betye Saar, kunstneren, der er berømt for at have udstyret tante Jemima med et gevær i The Liberation of Aunt Jemima, et værk fra 1972, der ofte betragtes som en af de mest effektive og ikoniske anvendelser af racestereotyper i det 20. århundredes kunst. Saar hævdede, at hun mente, at Walker tog sin kunst et skridt videre end nødvendigt og stod endda i spidsen for en kampagne, der satte spørgsmålstegn ved Karas brug af racistiske billeder ved at spørge om følgende: Bliver afroamerikanere forrådt under dække af kunst? Walker blev endnu mere kritiseret for sit akvarelprojekt fra 1996-1997 med titlen Negress Notes – værket blev mødt med et væld af negative anmeldelser, der protesterede mod det brutale og seksuelt grafiske indhold, som Walker valgte at indarbejde. Saar stod endnu en gang i spidsen for det kritiske angreb på Kara og udtrykte bekymring for, at værket ikke gjorde meget mere end at videreføre negative stereotyper, og gik så vidt som til at sige, at Walker satte uret tilbage i forhold til repræsentationer af forskellige racer i USA. Det skal bemærkes, at der var mange eksperter, der stod op i forsvaret for Walker og hendes kunst, idet de troede på ærligheden i de motiver og mål, som den unge kunstner brugte, og bifaldt villigheden til at afsløre det latterlige i disse stereotyper.

Selv med sit første storskala værk, kom Kara Walker med en hård udtalelse til både publikum og kunstnerkolleger

Mature Popular Artworks and New Related Concepts

Med tiden blev Kara Walker hovedsageligt værdsat for sine store tableauer af collagerede silhuetter i midten af sort/hvide pastorale landskaber, fyldt med brutale og rystende billeder, der illustrerer slaveriets oprindelse i Syden. Walker søgte konstant en perfekt balance mellem humoristisk og provokerende og konfronterede i sin praksis sociale og politiske temaer gennem maleri, illustrationer, film og tekst. På trods af de mange verbale angreb på hendes arbejde i 1990’erne fortsatte Kara med at skabe utrætteligt og støt. Hvad der er endnu mere interessant er det faktum, at hun formåede at holde en ekstremt lav profil på trods af, at hun siden begyndelsen af tyverne har været betragtet som en nøglefigur på kunstscenen. I 1996 blev hun gift med den tyskfødte smykkedesigner og RISD-professor Klaus Burgel, som hun fik datteren Octavia med – parret blev skilt kort efter hendes fødsel. Walkers datter viste sig at være endnu en grænseløs kilde til inspiration, da Kara ikke viste tegn på at sætte farten ned, når det gjaldt om at skabe kunst. Efter Octavia blev født, er det muligt at bemærke en voksende personlig varme og humor i hendes værker, som man ikke nødvendigvis ville forvente at finde midt i sådanne temaer – Kara indrømmede engang, at hendes datter fortalte hende, at hun laver ond kunst, da hun var omkring fire år gammel, og det havde tydeligvis en lille indflydelse på Walkers metoder.

Det skal bemærkes, at Walker ikke tror på, at hendes kunst vil have en forløsende effekt på publikum, hvilket betyder, at hendes værker ikke kan tolkes som et redskab til at reparere, men snarere som et nyttesløst råb om hjælp. Kara udtalte engang følgende: Jeg ved ikke, hvor meget jeg tror på forløsende historier, selv om folk ønsker dem og stræber efter dem. Dette efterlader en stærk note af surhed i hendes kunst og viser os, at vi måske er for langt fra enhver form for chane til at forløse os selv. Kara har fokuseret mest på installationer siden det øjeblik hun blev mor og har i sine projekter ofte haft lys- og projektionsbaserede værker, der integrerer beskuerens skygge i selve billedet og gør ham til en dynamisk del af selve installationen. Walkers mest formidable projekt til dato var en massiv skulpturel installation, der blev udstillet i flere måneder på den tidligere Domino Sugar Factory i sommeren 2014. Dette imponerende værk tiltrak sig megen opmærksomhed og var et af de mest mediedækkede kunstværker det år. I sin fritid var Kara ansat som professor på Columbia University, hvor hun underviste håbefulde kunstnere i at tænke og skabe på deres egne præmisser og samtidig var en engageret mentor for nye kunstnere. Efterfølgende arbejdede Walker som formand for Visual Arts-programmet på Rutgers University. I løbet af sin usædvanlige karriere havde Walker soloudstillinger på en række institutioner, bl.a. San Francisco Museum of Modern Art, Tate Liverpool i Liverpool, Metropolitan Museum of Art of i New York og Walker Art Museum i Minneapolis.

Walker ændrede sine udtryksmidler i løbet af den modne periode af sin karriere, men kunstneren mistede aldrig sin karakteristiske skarphed

An Endless Legacy

Når man bliver spurgt, hvad der kan have spillet den afgørende rolle i udformningen af Kara Walkers kunst, kan man støde på flere svar. Nogle vil hævde, at hendes far, Larry Walker, havde størst indflydelse på, hvad hans datter blev til i kunstnerisk forstand. Andre vil hævde, at den stærkeste ros må gå til omstændighederne og selve den modstand, Walker mødte, da hun forsøgte at præsentere sit værk, da denne modstand helt sikkert må have tændt en ild under Karas ambitioner. Vi må imidlertid give det ultimative nik til Kara Walkers rene mod – at hun er modig nok til at provokere aspekter af den amerikanske historie, som ingen ønsker at få flyttet væk under gulvtæppet. Hun marcherede modigt fremad med større styrke, når alle sagde til hende, at hun skulle slappe af og holde sig tilbage, da hendes kompromisløse natur gjorde det muligt for hende at tilføre sin kunst den nødvendige skarphed og styrke, uden hvilken hendes arbejde simpelthen ikke ville være det samme. Det er disse aspekter af Kara Walker, der har gjort hendes plads i kunsthistoriens berygtede kapitel fastlåst og sikret, at hendes arv aldrig vil blive glemt eller ignoreret.

Kara Walker bor og arbejder i New York City, USA.

Featured Image: Kara Walker – Foto af kunstneren foran sit værk – Billede via Tina Fineberg
Alle billeder via wikiart.org