Si el guitarrista de los Beatles George Harrison hubiera utilizado un oud en lugar de un sitar para dar a «Norwegian Wood» su sonido distintivo, el nombre de Munir Bashir podría ser más reconocido hoy que el de Ravi Shankar.

Eso no sucedió, por supuesto, y las búsquedas espirituales de Harrison llevaron a que el sitar se convirtiera en parte de la cultura del rock en los años 60, ya que las bandas, además de los Beatles, exploraron los sonidos orientales, desde los Yardbirds, The Doors y Pink Floyd, hasta The Paul Butterfield Blues Band y Jefferson Airplane, etc.

El oud, mientras tanto, sólo es conocido por los músicos más aventureros. Tal vez el primer álbum estadounidense que incluyó un oud fue el Jazz Sahara, de 1958, de Ahmed Abdul-Malik, que tocaba el bajo y el oud para Thelonius Monk. En el 65, el artista folk Sandy Bull tocó uno en su LP Inventions. En el 67, Hard Rock From the Middle East, de The Devil’s Anvil (producido por Felix Pappalardi), contó con el oud de Kareem Issaq. Ese mismo año, el laudista nubio Hamza el Din tocó con los Grateful Dead en Egipto, y A Beacon From Mars, de Kaleidoscope, incluyó el laúd de Solomon Feldthouse. Aunque el laúd no se puso de moda en el mundo del pop de los años 60, es un instrumento con un sonido profundo y misterioso y una historia colorida.

Durante siglos, Oriente Medio, Turquía, Asia Central y Persia (Irán) han sido la cuna de muchos instrumentos de cuerda pulsada con el título general de «laúd»; el tar, el tanbur, el dutar, la dombra, el sehtar, el saz, el bouzouki, el rubab, el sarod, el sitar, el komuz y otros más, algunos con trastes y otros sin ellos. El laúd se clasifica generalmente como un laúd con forma de cuenco y cuello corto, lo que lo distingue de los que tienen cuellos más largos y cuerpos más planos (que eran más parecidos a los ancestros de la guitarra). Hoy en día, no tiene trastes, pero en el pasado tenía piezas móviles de tripa atadas alrededor del cuello, que hacían las veces de trastes. Con este diseño, los músicos podían ajustar los trastes para adaptarse a varias afinaciones. Hoy en día, los laúdes suelen tener cinco cursos, con una cuerda baja para los bordones, pero también hay laúdes de siete y ocho cuerdas.

A diferencia de otros laúdes, el oud ha sobrevivido a estos antiguos orígenes, ha viajado a otras partes del mundo y ha tenido una gran influencia en instrumentos como la pipa china, la biwa japonesa y el laúd europeo. Hoy en día, hay un resurgimiento de la música con el oud, ya que se está escuchando en numerosas grabaciones modernas, siendo nominado para los premios Grammy, y situándose en las encuestas de los críticos.

¿Cómo llegó el laúd a estos lugares tan lejanos? ¿Cómo se ha extendido su influencia a lo largo de los siglos?

El laúd llegó a Oriente a través de la legendaria Ruta de la Seda, una antigua ruta comercial que se extendía desde Oriente Medio hasta China y que incluía la India, Europa, Mongolia y Japón. También recorrió las rutas marítimas. Llegó a Europa de la mano de los cruzados que regresaban y de los trovadores, que sin duda lo utilizaban para acompañar sus canciones. Durante miles de años, los mercaderes viajaron entre culturas, intercambiando mercancías. Y, por supuesto, los instrumentos musicales iban con ellos. Aunque los instrumentos autóctonos chinos parecidos al laúd existieron probablemente hasta hace 2.000 años, el virtuoso chino de la pipa Gao Hong dijo: «El laúd es la raíz de la pipa».

«El segundo tipo de laúd que llegó a China, el laúd de cuatro cuerdas/forma de pera, es el más directamente relacionado con la pipa moderna en cuanto a su forma y el número de cuerdas», escribió John E. Myers en su libro The Way of the Pipa. «Las primeras ilustraciones de la pipa en forma de pera se encuentran en la escultura de Gandhara, un reino que existió aproximadamente en la misma época que la dinastía Han». Gandhara estaba en la zona del actual Afganistán. Desde China, la pipa llegó a Japón, donde se convirtió en la biwa; en Vietnam se llamó tyba, y en Corea, bipa.

AL-ANDALUS Y EUROPA

En el mundo occidental, el oud fue el antepasado directo del laúd europeo; salvo por un diapasón más ancho, el laúd es exactamente igual al oud. «Europa occidental debe tanto el instrumento como su nombre al alud árabe, como vemos en el alaud portugués, el laud español, el laute alemán, el luit holandés, el lut danés, el liuto italiano, el laúd inglés y el luth francés», escribió Henry George Farmer, el famoso musicólogo británico conocido por citar la influencia de la música árabe en las tradiciones musicales de Europa. En una época, el laúd era un instrumento extremadamente popular e importante en la música europea. El inglés John Dowland fue un brillante compositor para el laúd, al igual que el alemán Sylvius Leopold Weiss, contemporáneo de Bach. El propio Bach escribió varias obras maestras para el laúd.

Después de la muerte del profeta Mahoma, el Islam se extendió por todas partes, desde Asia Central hasta España, y el laúd lo acompañó. Bagdad se convirtió en la capital en Oriente, y en España, que los árabes llamaron Al-Andalus, Córdoba se convirtió en un gran centro de cultura y educación a mediados del siglo VIII.

Farmer señaló que muchos músicos europeos estudiaron música en la Universidad de Córdoba. Sin duda, algunos de ellos llevaron oud a sus países de origen. Uno de los más legendarios intérpretes de laúd, Ziryab, se trasladó de Bagdad a Córdoba en el año 822, tras una disputa con su maestro, Ishaq Al-Mawsili, que se sentía profundamente amenazado por la brillantez de su alumno. Ziryab creó una escuela de música en la que enseñaba tanto a hombres como a mujeres. También añadió una quinta cuerda al laúd y empezó a utilizar una pluma de águila como púa. Durante años, las formas musicales que creó fueron influyentes en España y el norte de África. Muy popular en su época, fue también un innovador en los ámbitos de la moda y la gastronomía.

Los árabes tradujeron las obras de muchos escritores griegos, como Homero, Platón, Aristóteles y otros, años antes de que los europeos las tradujeran al latín. En cuanto a las primeras teorías sobre las escalas, los intervalos y la afinación, el filósofo/matemático griego Pitágoras de Samos fue una figura destacada, ya que sus ideas influyeron en los árabes, los europeos, los indios y otros, hasta nuestros días. Básicamente, Pitágoras tomó las cuatro primeras notas de la serie armónica (Do-C-G-C) y, a partir de los intervalos formados por las proporciones de 2:1, 3:2 y 4:3 (la octava, la quinta perfecta y la cuarta perfecta), creó un sistema de escalas que dio forma a la manera en que los músicos árabes y europeos afinaban sus instrumentos. Lo que nos lleva a…

Microtones y el Oud

Una de las diferencias más significativas entre la música oriental y la occidental son las estructuras de intervalos de sus escalas. El sistema occidental utiliza lo que se llama temperamento igual de 12 tonos, lo que significa que cada nota tiene exactamente la misma distancia matemática entre ellas (en otras palabras, 12 medios pasos dentro de una octava). El temperamento igual se desarrolló a partir de sistemas anteriores, empezando por el pitagórico, en el que los intervalos no se atemperan respecto a su estado original, pasando por los temperamentos de «meantone» y de «well temper» (J.S. Bach escribió el «Clave bien temperado» en un temperamento de «well temper», no de «equal temp», como se suele creer -y hay una diferencia-). Templar» los intervalos significa alterar sutilmente las distancias entre ellos, lo que permite que los acordes suenen más afinados en todas las tonalidades. Los europeos crearon cientos de sistemas de temperamento diferentes a lo largo de los años, muchos de los cuales no tenían intervalos igualmente espaciados. Hoy en día, los instrumentos occidentales se afinan en la escala de 12 tonos/templos iguales. Se cree que los laúdes fueron de los primeros instrumentos en utilizar el sistema de 12 tonos iguales, ya que era bastante sencillo poner los trastes a distancias iguales.

La afinación pitagórica consiste en apilar intervalos de 5ª para formar las escalas. Empezando por C, subiendo, sería C-G-D-A-E-B-F#, continuando hasta donde se quiera llegar. Los árabes también bajaban en 5ª, C-F-Bb-Eb-Ab, Db, Gb, y más abajo. En la música occidental, esto se conoce como el «círculo de quintas», pero en su estado natural, es en realidad una «espiral» de quintas; cuando los instrumentos basan sus escalas en las proporciones naturales de la serie de sobretonos, no van a estar igualmente espaciadas -habrá intervalos más pequeños que el sistema occidental habitual de 12 tonos, y aquí es donde se originaron términos como «microtono» y «cuarto de tono».

Como la música árabe e india no utilizaba tradicionalmente acordes, estos intervalos microtonales se utilizaban en sus escalas para lograr inflexiones melódicas más sutiles que las que se encuentran en la música occidental. Teóricos árabes como Ishaq al Kindi (m. 874) y Abu Nasr al Farabi (m. 950) utilizaban el laúd con trastes para crear muchas escalas diferentes, algunas con hasta 22 notas por octava. A menudo se considera que el sistema tonal árabe básico utilizado en el laúd es una escala de 17 tonos con un espaciado desigual. Sin embargo, las afinaciones pueden ser aún más complejas. En The Music of The Arabs, el autor Habib Hassan Touma dice: «Los sirios, en particular, subdividían la octava en 53 pasos equivalentes». Es vital recordar esto cuando uno estudia y escucha la música que se toca con el oud… los intervalos generalmente no son los mismos que los de la escala templada occidental.

Entonces, ¿cuál es el fundamento equivalente de gran parte de la música árabe, turca y de Asia Central?

EL CONCEPTO DE MAQAM

Un maqam es similar a un raga en la música india, en el sentido de que las interpretaciones se basan en escalas/modos con nombres como rast, ajam, nahawand, kurd, y más. Éstas se relacionan con diferentes escalas occidentales, como la mayor y la menor armónica, pero los intervalos no están igualmente espaciados. Sin embargo, tocar un maqam es mucho más que improvisar sobre una escala. Hay frases melódicas que se identifican con cada maqam, notas primarias y secundarias, formas específicas de modular fuera del maqam primario (y de volver a él). Y, por supuesto, las numerosas inflexiones microtonales entre maqams añaden profundidad y color. Por ejemplo, el compositor persa Safi Al-Din catalogó 84 modos melódicos hace 800 años. En Irán, se refieren a su sistema modal de escalas como «dastgahs». En Asia Central, el término «Shashmaqam» se utiliza para describir el sistema modal, y también puede tener profundos significados espirituales.

Algunos de los maestros del laúd del siglo XX, como Yorgo Bacanos y Udi Hrant (también cantante de alma), hicieron su carrera en Turquía, al igual que el egipcio George Michel. Los armenios John Berberian y George Mgrdichian vivieron y actuaron en Estados Unidos. Uno de los maestros más influyentes es Munir Bashir, un iraquí al que se suele atribuir el mérito de haber llevado el laúd a un público más amplio en el siglo XX. El autor Hassan Touma califica las interpretaciones de maqam de Bashir como «meditaciones profundas, filosofías en el laúd con contenido expresivo místico». El joven Bashir se inspiró en Sharif Muhyiddin Haydar, que en 1934 fundó la Academia de Música de Bagdad. También estudió música occidental en Budapest (obteniendo un doctorado), «…con la esperanza de crear un puente entre el oyente occidental y nuestra propia música», dijo. Bashir y su hermano, Jamil, pasaron a enseñar en la Academia de Bagdad, donde el estudio de la música occidental forma parte del plan de estudios, y sus alumnos también están activos en la escena del oud en la actualidad.

Uno de esos alumnos es Rahim Alhaj, que en 1989 se licenció en composición en la Academia; debido a los problemas con el régimen de Saddam Hussein, abandonó Irak en el 91 y ahora vive en Albuquerque mientras actúa por todo el mundo. Alhaj tiene un profundo conocimiento de la música tradicional del maqam.

«La intención musical y estética de la tradición es asentar el alma», dijo. «Cuando tu alma está asentada, sólo entonces estás realmente dentro del maqam». En 2009 recibió una beca de la Fundación Ford para Artistas Estadounidenses, ha interpretado sus composiciones para oud y cuerdas en el Kennedy Center y ha tenido dos álbumes nominados a los premios Grammy, uno de ellos un disco de dúos con el maestro indio del sarod Amjad Ali Khan. Su último disco, Little Earth, presenta el laúd en muchos escenarios, entre ellos con el guitarrista de jazz Bill Frisell, Peter Buck de REM, el virtuoso de la pipa Liu Fang, y dúos con sitar, kora, ney, didjeridu y acordeón. Alhaj es un puente único entre el pasado y el futuro, y está muy activo en la escena musical mundial actual.

Naseer Shamma es también un graduado de la Academia de Bagdad. Alhaj lo llama «uno de los mejores intérpretes de laúd del mundo». Una escucha de su pieza «Al-‘Amiriyya», de su Le luth de Bagdad, refuerza el sentimiento. El homenaje de Shamma a los niños que murieron en un ataque aéreo en la Operación Tormenta del Desierto puede ser lo más cerca que estará un instrumento acústico de sonar como Hendrix. Dirige una escuela en El Cairo, Beit el Oud (Casa del Oud), y entre sus alumnos se encuentran prodigios como Muhammed Abozekry y Yousif Abbas, que sacuden las cosas tocando Mozart y hip hop con sus ouds.

El palestino Simon Shaheen es otro maestro con profundas raíces en la música tradicional, pero que ha colaborado con artistas como el maestro indio de la guitarra deslizante Vishwa Mohan Bhatt y el bajista Bill Laswell. Ha escrito sinfonías para el oud y se ha licenciado en la Manhattan School of Music y en la Universidad de Columbia. También es un virtuoso del violín y enseña en el departamento de cuerda de Berklee. Yurdal Tokcan es un galardonado intérprete turco con una técnica asombrosa que ha realizado numerosas giras, es licenciado por la Universidad Técnica de Estambul y ha acompañado al maestro turco de ney Kudsi Erguner. Y aunque el marroquí Hassan Erraji es un gran conocedor de la tradición, su trío, Arabesque, es lo más parecido a un power trio de laúd que se puede escuchar, con el excepcional toque de bajo sin trastes de Ralph Mizraki en su CD, Nikriz.

No es de extrañar que el laúd también haya aparecido en el mundo del flamenco. El flamenco siempre ha tenido una fuerte influencia árabe, por lo que el laúd encaja de forma natural. Los guitarristas Chris Carnes, Carlos Lomas y el difunto Paco de Lucía grabaron con el oud en 1976. El guitarrista Juan Martín tocó y grabó con el oudista Abdul Salam Kheir, que también trabajó con Jimmy Page y Robert Plant. En cuanto al blues, no parece que el laúd haya contribuido mucho a sus primeras raíces africanas, aunque intérpretes y cantantes sudaneses de laúd como Muhamed el Amin y Abdel Gadir Salim, con sus escalas pentatónicas menores y sus ritmos zumbantes, pueden recordar a Lightnin’ Hopkins y Son House. Las escalas pentatónicas se encuentran en toda África, al igual que una serie de laúdes, como el ngoni, el xalam y el ekonting. El ekonting parece ser un ancestro del banjo sin trastes, que empezó a aparecer en el Caribe a principios del siglo XVII. También es posible que los esclavos musulmanes transformaran la llamada a la oración islámica en gritos de campo, lo que indicaría un vínculo con las prácticas musicales árabes, según la investigadora Sylvaine Diouf. Por supuesto, este es un vasto campo para seguir explorando, y el libro de Gerhard Kubik Africa and the Blues es una lectura recomendada.

EL OUD: SIGUE VIAJANDO

Después de 6.000 años, el oud sigue abriéndose camino en nuevos lugares, como en la 61ª Encuesta Anual de la Crítica de la revista Downbeat en 2013, donde Rabih Abou-Khalil, Anouar Brahem y Omer Avital quedaron en la categoría de instrumentos diversos. El egipcio Joseph Tawadros vive en Sidney (Australia) y ha grabado con Mike Stern, Bela Fleck, John Abercrombie y Richard Bona. El guitarrista/tocador Beau Bledsoe actúa en la zona de Kansas City; su grupo, Alaturka, toca una mezcla de ritmos turcos e improvisaciones de jazz. Yoshiko Matsuda vive en Japón y estudió en Túnez con el maestro del laúd Ali Sriti. Su trío, Le Club Bachraf, interpreta música tradicional norteafricana. Mustafa Stefan Dill vive en Santa Fe y toca con su oud composiciones originales basadas en el maqam. En su viaje más lejano, el laúd ha llegado a manos del oudista y guitarrista sin trastes finlandés Jussi Rejoinen, que ha estudiado con Simon Shaheen y vive actualmente en Boston.

Quizás la guitarra sin trastes se una ahora a la pipa, la biwa y el laúd, ya que el antiguo laúd ocupa su lugar en el siglo XXI bajo otra forma, que podría llegar a un público potencialmente nuevo. Virtuosos sin trastes como Erkan Ogur, Jon Catler, Ned Evett y Jack Mazzenga están abriendo nuevos caminos musicales. La última banda de Jeff Beck cuenta con el guitarrista sin trastes de origen suizo Nicolas Meier. La guitarra de Beck que suena a árabe en «Over Under Sideways Down» de Yardbird llevó los sonidos orientales al público del rock en 1966.

Desde Sumeria hasta los conciertos de rock modernos, el laúd sigue siendo una voz influyente en la música de todo el mundo.