18ème siècleEdit
Au cours du 16ème siècle, la commedia dell’arte s’est répandue de l’Italie à travers l’Europe, et au 17ème siècle, les adaptations de ses personnages étaient familières dans les pièces anglaises. Dans les versions anglaises, les arlequinades différaient sur deux points importants de l’original de la Commedia. Tout d’abord, au lieu d’être un voyou, Arlequin devenait le personnage central et le leader romantique. Deuxièmement, les personnages ne parlaient pas ; ceci était dû au grand nombre d’interprètes français qui jouaient à Londres, suite à la suppression des théâtres sans licence à Paris. Bien que cette contrainte n’ait été que temporaire, les arlequinades anglaises sont restées principalement visuelles, bien que certains dialogues aient été admis par la suite.
Au début du 18ème siècle, les « scènes nocturnes italiennes » présentaient des versions des traditions de la Commedia dans des décors londoniens familiers. C’est à partir de là que s’est développée l’arlequinade anglaise standard, mettant en scène les amoureux en fuite Arlequin et Colombine, poursuivis par le père stupide de la jeune fille, Pantaloon, et ses serviteurs comiques. L’intrigue de base est restée essentiellement la même pendant plus de 150 ans. Dans les deux premières décennies du siècle, deux théâtres londoniens rivaux, le Lincoln’s Inn Fields Theatre et le Theatre Royal, Drury Lane, présentaient des productions qui commençaient sérieusement par des histoires classiques avec des éléments d’opéra et de ballet et se terminaient par une « scène de nuit » comique. En 1716, John Weaver, le maître de danse de Drury Lane, présente « The Loves of Mars and Venus – a new Entertainment in Dancing after the manner of the Antient Pantomimes ». À Lincoln’s Inn, John Rich a présenté et joué le rôle d’Arlequin dans des productions similaires. L’historien du théâtre David Mayer explique l’utilisation du « batte » ou slapstick et de la « scène de transformation »:
Rich a donné à son Arlequin le pouvoir de créer de la magie scénique en ligue avec des artisans hors-scène qui opéraient des décors de trucage. Armé d’une épée ou d’une batte magique (en fait un bâton à claques), l’Arlequin de Rich traitait son arme comme une baguette, frappant le décor pour entretenir l’illusion d’un changement de décor d’un lieu à un autre. Les objets, eux aussi, étaient transformés par la batte magique d’Arlequin.
Les productions de Rich étaient un succès, et d’autres producteurs, comme David Garrick, ont commencé à produire leurs propres pantomimes. Pendant le reste du siècle, ce schéma a persisté dans les théâtres londoniens. Lorsque les producteurs manquaient d’intrigues issues de la mythologie grecque ou romaine, ils se tournaient vers les histoires populaires britanniques, la littérature populaire et, vers 1800, les contes pour enfants. Mais quelle que soit l’histoire présentée dans la première partie du spectacle, l’arlequinade restait essentiellement la même. A la fin de la première partie, des illusions scéniques étaient employées dans une scène de transformation spectaculaire, initiée par une fée, transformant les personnages de la pantomime en Arlequin, Colombine et leurs congénères.
Le 19e siècle et plus tardModifié
Au début du 19e siècle, l’artiste comique populaire Joseph Grimaldi a transformé le rôle du Clown d' »un rustique nigaud en vedette de la pantomime métropolitaine ». Deux développements en 1800, impliquant tous deux Grimaldi, ont considérablement modifié les personnages de la pantomime : Pour la pantomime Peter Wilkins : or Harlequin in the Flying World, de nouveaux modèles de costumes ont été introduits. Le clown troque son costume de domestique miteux contre un costume flamboyant et coloré. Dans Harlequin Amulet ; or, The Magick of Mona, plus tard la même année, Harlequin a été modifié, devenant un personnage romantique de plus en plus stylisé laissant l’espièglerie et le chaos au Clown de Grimaldi.
Le Clown apparaissait maintenant dans une gamme de rôles, du soupirant rival à la cuisinière de la maison ou à l’infirmière. La popularité de Grimaldi a modifié l’équilibre des divertissements de la soirée, la première section, relativement sérieuse, s’est rapidement réduite à ce que Mayer appelle « guère plus qu’un prétexte pour déterminer les personnages qui devaient se transformer en ceux de l’arlequinade. » Au XIXe siècle, les représentations théâtrales duraient généralement quatre heures ou plus, la pantomime et l’arlequinade concluant la soirée après un long drame. Les pantomimes avaient des titres doubles, décrivant les deux histoires sans lien entre elles, comme « Little Miss Muffet et Little Boy Blue, ou Arlequin et Old Daddy Long-Legs. »
Dans une scène élaborée initiée par le « slapstick » d’Arlequin, une Reine des Fées ou une Marraine des Fées transformait les personnages de la pantomime en personnages de l’arlequinade, qui jouaient alors l’arlequinade. Tout au long du XIXe siècle, à mesure que les machines et la technologie de la scène s’améliorent, la transformation du décor devient de plus en plus spectaculaire. Une fois la transformation terminée, Clown annonçait : « Nous revoilà ». Le décor était généralement une scène de rue contenant plusieurs pièges scéniques, des portes et des fenêtres truquées. Le Clown sautait par les fenêtres et réapparaissait par les trappes. Il volait des saucisses, des poulets et d’autres accessoires qu’il fourrait dans ses poches, qu’il partageait ensuite injustement avec un complice. Il graissait le seuil d’une boucherie avec du beurre pour déjouer ses poursuivants. En général, il n’y a pas beaucoup de dialogues parlés, mais beaucoup d’affaires avec un « tisonnier brûlant ». Arlequin utilisait sa baguette ou son bâton magique pour transformer un chien en saucisses et un lit en abreuvoir à chevaux, à la surprise de la victime endormie. Le clown plongerait dans le cadran d’une horloge, qui ne montrerait aucun signe d’entrée.
L’arlequinade a perdu de sa popularité dans les années 1880, lorsque le music-hall, le burlesque victorien, l’opéra-comique et d’autres divertissements comiques ont dominé la scène comique britannique. Dans la pantomime, les scènes d’amour entre Arlequin et Colombine se sont réduites à de brèves démonstrations de danse et d’acrobatie, l’ouverture féerique a retrouvé sa prééminence d’origine, et à la fin du 19ème siècle, l’arlequinade était devenue simplement un bref épilogue de la pantomime. Elle a subsisté pendant quelques décennies encore, mais a finalement disparu complètement au milieu du XXe siècle. La dernière arlequinade a été jouée au Lyceum Theatre en 1939.