Photographier des œuvres d’art – Dallas Center for Photography

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Il est important pour les artistes d’obtenir des photos excellentes et précises de leurs pièces finies pour leurs sites Web ou leurs portefeuilles. Jo Mattison, membre du conseil d’administration du DCP et peintre des beaux-arts, partage son parcours dans la photographie comme moyen de documenter ses peintures.

La photographie est un intérêt pour moi depuis l’enfance. Quand j’étais très jeune, je devais avoir le dernier appareil photo à portée de main et beaucoup de pellicules. Au lycée, j’étais le photographe officieux de l’annuaire. Beaucoup de mes photos ont été publiées dans l’annuaire pendant mes années de collège et de lycée. Puis je suis allé à l’université et j’ai étudié l’art, la peinture en particulier, mais pas la photographie. Sigh.

Il y a plusieurs années, alors que mon inventaire de peintures augmentait, j’en ai eu vraiment assez que des photographes viennent dans mon studio ou que je traîne mes grandes peintures jusqu’à eux. Mais l’art doit être photographié ! Et il faut que ce soit bien fait pour que les œuvres aient fière allure sur un site Web, une brochure ou des cartes de visite. De plus, les photos doivent avoir la bonne taille de fichier pour les différentes expositions auxquelles vous participez. Et la couleur doit être correcte. La dernière chose que vous voulez, c’est que quelqu’un voit l’une de vos peintures en ligne et que, lorsqu’il la voit en personne, elle lui semble différente. Cela m’est arrivé une fois. J’ai perdu une vente. Jusqu’à présent, cela ne s’est pas reproduit.

Jo Mattison dans son studio d’art de Dallas

Lorsque j’ai décidé de prendre les choses en main et de photographier mon art moi-même, je suis allée chez Competitive Cameras à Dallas et j’ai acheté l’équipement qu’ils recommandaient. J’ai obtenu un appareil photo reflex numérique d’entrée de gamme, un trépied et des lumières stroboscopiques. J’ai ensuite travaillé avec quelqu’un du Dallas Center for Photography pour apprendre à installer les lampes stroboscopiques à la bonne distance les unes des autres et de l’œuvre d’art. Vous pouvez placer un crayon perpendiculairement à la surface du tableau pour vous assurer que l’éclairage tombe de manière égale sur la surface à partir des deux lumières. Un éclairage correct est extrêmement important. J’ai entendu dire que certains artistes sortaient leurs œuvres à l’extérieur et utilisaient la lumière naturelle, mais ce n’est pas très fiable et la couleur peut changer. Les lumières stroboscopiques sont cohérentes ; et une fois que vous avez réglé votre installation, vos photos sortiront de la même façon à chaque fois.

Une bonne photographie d’art commence par le fait que tout soit carré et de niveau. Commencez par mesurer la distance entre le milieu de l’art et le sol. Placez le centre des lumières à la même hauteur que le centre de l’art.

Placez le centre de l’objectif à cette même hauteur que le centre de l’art.

J’ai fini par utiliser une paire de monolampe Versalight 360 de JTL qui me donne beaucoup de puissance et est facile à utiliser. Avec vos lumières installées, mettez votre reflex numérique sur un trépied et obtenez les bons réglages de votre appareil photo. Si vous n’avez pas de flashmètre à main (ce qui n’est pas mon cas), il faut parfois procéder par essais et erreurs. Tout d’abord, mettez votre appareil photo en mode manuel et assurez-vous que votre ISO n’est pas en mode automatique. Je mets généralement mon ISO sur 100 ou 200. La vitesse d’obturation doit être réglée sur 1/125, car si vous allez plus vite, vous risquez d’avoir des ombres des lames de l’obturateur ; si vous allez plus lentement, vous finirez par mélanger la lumière ambiante. Je règle mon ouverture à environ f11, ce qui permet d’éliminer le vignettage et d’obtenir une image nette d’un bord à l’autre. À mesure que vous vous approchez des valeurs plus élevées de f-stop (16 et 22), vous pouvez commencer à limiter la diffraction, ce qui rend la photo floue. Je prends plusieurs photos et j’ajuste la puissance du stroboscope selon les besoins.

Je fais quelques grandes peintures qui ont un revêtement brillant clair sur elles. Pour éviter un éblouissement sur les photos de la couche brillante, j’utilise un filtre polarisant sur mon appareil photo et une grande feuille polarisée en plastique sur le devant de chacune des lumières stroboscopiques. J’ai commandé des feuilles de filtre polarisant linéaire Rosco 17 « x 20 » chez B&H Photo. Il est très important que les polariseurs soient alignés de la même manière sur chaque lampe en termes de direction de polarisation. Le polariseur de votre objectif doit être aligné dans l’orientation opposée. Il faut juste un peu d’essai et d’erreur, mais cela fonctionne comme un charme et vous vous retrouvez sans éblouissement ou vous pouvez régler le filtre sur la caméra un peu pour permettre un peu d’éblouissement qui peut montrer la profondeur de la surface de la peinture.

Détail des feuilles de polarisation scotchées sur les boîtes à lumière stroboscopique. Orientez l’axe de polarisation du filtre de l’appareil photo à angle droit avec les polariseurs de lumière.

Il est important que votre moniteur soit correctement calibré, de sorte que lorsque vous éditez dans Lightroom ou Photoshop, vous savez que vous voyez les bonnes couleurs. Un bon vérificateur de couleurs est Datacolor Spydercheckr. Ensuite, vous devez calibrer l’appareil photo à l’aide du système Xrite Passport. Il s’agit d’une petite carte de test avec plusieurs couleurs qui sont la norme dans l’industrie. En branchant le logiciel dans Lightroom, vous pouvez être sûr que toutes les couleurs sont représentées correctement, en particulier les teintes difficiles comme le bleu/vert et le bordeaux. Vous pouvez vous procurer ces outils sur Amazon, B&H, ou dans votre magasin d’appareils photo local. Il existe de nombreuses vidéos YouTube qui vous montrent comment les utiliser.

Jo travaille dans Lightroom pour finaliser son image.

Lorsque j’obtiens plusieurs photos qui semblent bonnes, je les télécharge dans Lightroom. J’ai suivi des cours sur Lightroom afin de pouvoir m’y retrouver. Et ça en vaut vraiment la peine ! Dans Lightroom, vous pouvez régler l’exposition, le contraste, la texture, la teinte, la vibration, la nuance, etc. Même si la Xrite Passport vous donne les meilleures couleurs possibles, il y a souvent des couleurs pigmentaires sur une toile qui ne se traduisent pas correctement sur la palette plus limitée d’un écran d’ordinateur. Vous pouvez vous assurer que les couleurs de vos œuvres d’art sont correctes afin d’éviter toute déformation de l’œuvre sur votre site Web et sur les médias sociaux. Vous pouvez également faire en sorte que la taille du fichier de votre image soit adaptée à la situation. C’est-à-dire, petit pour un téléchargement rapide sur certains sites, ou plus grand pour une publication, etc. Lightroom est un outil indispensable pour montrer votre art avec précision en ligne ou en impression.

Depuis que j’ai acheté l’appareil photo et le matériel d’éclairage pour photographier mon art, j’ai retrouvé le virus de la photographie ! Maintenant, j’utilise aussi mon appareil photo pour m’amuser, et c’est devenu mon autre art ! J’ai suivi plusieurs cours et ateliers de photographie et j’ai même commencé à apprendre Photoshop ! Il existe un tout autre monde pour la poursuite artistique de la photographie. J’ai beaucoup de plaisir à apprendre et à créer un art différent de la peinture. Je participe occasionnellement à des concours et je ne me soucie pas de vendre mes photographies. Ahhhhh!

Jo Mattison

Instagram : @jmattison

Site web : www.jomattison.com

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