Ellsworth Kelly, der betragtes som en af de store amerikanske kunstnere i det 20. århundrede for sit banebrydende arbejde inden for minimalistisk maleri og skulptur, døde søndag i sit hjem i Spencertown, New York, i en alder af 92 år. Kelly, der er kendt for sin levende brug af geometriske blokke og intense farver, opbyggede i løbet af syv årtier et ry for farverig abstraktion og værker, der udforskede essensen af deres emner.

Hans tidligste kunstværker blev skabt i tjeneste for USA, som en del af en særlig camouflageenhed i Frankrig under Anden Verdenskrig. Kelly og hans kunstneriske soldaterkammerater havde til opgave at narre tyskerne – ved hjælp af gummi og træ til at konstruere falske kampvogne og lastbiler – til at tro, at de mange allierede tropper på slagmarken var meget større end virkeligheden. Selv om dette synes at være en ukonventionel tidlig træning for en kunstner, viste det sig at være en passende træning for Kelly.

“Han var i stand til at forstå, at der var disse realiteter, som for de fleste af os er camouflerede”, siger Virginia Mecklenburg, chefkurator på Smithsonian American Art Museum. “Han kunne fremkalde disse realiteter – en tydelig fornemmelse af tyngdekraften eller fysikken i vægt og momentum, som vi sjældent tænker på i håndgribelige termer. Han var i stand til at få det overført.”

Efter sin tjenestetid meldte Kelly sig ind på School of the Museum of Fine Arts i Boston og vendte tilbage til Paris i 1948, hvor han absorberede en række påvirkninger, herunder Picasso og Matisse, asiatisk kunst og romanske kirker. Han vendte tilbage til USA og præsenterede sin første soloudstilling i 1956. Tre år efter blev Kellys værker medtaget i Museum of Modern Art’s (MoMA) udstilling 16 Americans. Hans geometrisk abstrakte værker blev sammen med værker af andre amerikanske malere, herunder Ad Reinhardt og Brice Marden, kaldt “hard-edge painting” af kunsthistorikeren Jules Langsner i 1959.

Igennem 1960’erne skabte han sig sin egen niche, adskilt fra kunstverdenen i New York og Paris. Mecklenburg siger, at det, hun finder bemærkelsesværdigt ved hans arbejde, var den måde, hvorpå han reducerede den arkitektur, de billeder og andre visuelle elementer, han så i verden og i kunsten, og omdannede dem til direkte, viscerale abstraktioner. Ved hjælp af grundfarver – blå, grøn, hvid, sort – og enkelte lærreder (senere gik han over til flere lærreder og skulpturer) skabte han udsagn, der var “mindre beskrivende end suggestive”, som hun udtrykker det.

“Det tager tid at se på dem, men når man træder et skridt tilbage, indser man, at man ser på noget, man har set igen og igen,” siger Mecklenburg og giver et eksempel på maleriet “Blue on White” fra 1961, der er udstillet på American Art Museum, og som hun siger minder om et blad, der folder sig ud. “Pludselig begynder man at forstå, at hvis man adskiller de narrative idéer fra hinanden, hvor stærk den visuelle impuls er i ethvert menneske.”

Han udstillede på Venedigbiennalen i 1966 (og ville udstille på yderligere tre i de følgende år), fik sin første amerikanske retrospektiv på MoMA i 1973 og sin første store europæiske retrospektiv på Stedelijk Museum i Amsterdam seks år efter.

“Ellsworth Kelly lavede overgangen fra efterkrigstidens geometriske abstraktion til den minimalistiske bevægelse, der begyndte i begyndelsen af 1970’erne”, siger Valerie Fletcher, seniorkurator på Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, som har 22 af Kellys værker, herunder “White Relief over Dark Blue” fra 2002, der er udstillet på museets tredje sal, og en skulptur uden titel fra 1986, der er udstillet i haven. “Hvis man ser på hans malerier sammenlignet med andre i hans generation, er de langt mere enkle.”

Nogle af disse værker har en “totemisk” kvalitet, som Mecklenburg beskriver det, og peger på “Memorial”, hans vægskulptur af fire hvide paneler på United States Holocaust Memorial Museum. “Hvordan taler man om noget af den størrelsesorden?” spørger hun. “Der er enten en million ord eller ingen ord, og han valgte ingen ord.”

Hans enkle, geometriske tilgang havde en indflydelse på den næste generation af minimalistiske kunstnere – Frank Stella, Donald Judd og andre – med værker, der udforskede essensen af idéer eller følelser på håndgribelige og taktile måder.

“Han havde en enorm indflydelse på kunstverdenen, men værket taler på en visceral måde til den, der ser det,” tilføjer Mecklenburg. “Jeg må sige, at der er en følelse af glæde og en følelse af energi i så meget af hans arbejde. Man kommer ligesom tilbage til centrum, når man ser på det.”