Hitchcock sagte bekanntlich: „Um einen großen Film zu machen, braucht man drei Dinge – das Drehbuch, das Drehbuch und das Drehbuch!“ Und er hat Recht. Allzu oft wird das Drehbuch nur als Entwurf für einen Film betrachtet, aber in Wirklichkeit ist es der Überbau: die Grundlage und das beständigste Merkmal des Films. Denken Sie an Hitchcocks eigene Filme: Einige der Filmaufnahmen (vor allem die Szenen im Auto mit ihren lächerlichen Fotokulissen) mögen veraltet sein, aber die Geschichten – die Drehbücher – bleiben die wahren Meisterwerke der filmischen Spannung. Und so ist es auch mit all diesen Drehbüchern. Sie mögen sich in Genre und Stil stark unterscheiden, aber sie sind alle hervorragende Beispiele für die rasante Erzählweise, die das Kino besser beherrscht als jede andere erzählende Kunstform.

20. THE DEAD (1987) (BY TONY HUSTON, BASED ON THE SHORT STORY FROM JAMES JOYCE’S THE DUBLINERS)

John Huston war selbst ein großartiger Drehbuchautor, der die Skripte für Klassiker wie The Maltese Falcon schrieb, aber er wurde wohl von der Adaption der großartigen Kurzgeschichte von James Joyce, The Dead, durch seinen Sohn Tony übertroffen. (Es ist eine so großartige Kurzgeschichte, vielleicht die schönste, die je geschrieben wurde, dass manche behaupten, dass sie alles erreicht, was Ulysses erreicht, nur in unendlich weniger Zeit). Huston Jr. hat sich in seiner Adaption zwar treu an die Vorlage gehalten, aber angesichts des unglaublichen Ausgangsmaterials wäre er verrückt gewesen, sich zu weit vom Originaltext zu entfernen. Folglich ist das Drehbuch, wie die Geschichte, ein Meisterwerk der Zurückhaltung – einer Zurückhaltung, die schließlich zusammenbricht, als ein Mann die Wahrheit über die Frau, die er liebt, entdeckt.

19. LE SALAIRE DE LA PEUR (THE WAGES OF FEAR) (1953) (VON HENRI-GEORGES CLOUZOT UND JÉROME GERONIMI, NACH DEM gleichnamigen Roman von GEORGES ARNAUD)

Le Salaire de la Peur (The Wages of Fear) ist vielleicht der beste Actionfilm, der je gedreht wurde, und das liegt daran, dass er auf der Realität beruht: dem echten Leben verzweifelter Männer. In einer gottverlassenen südamerikanischen Wildnis ist eine bunt zusammengewürfelte Gruppe von Europäern, die auf der Suche nach Abenteuer und Reichtum in den Süden gekommen war, letztlich gestrandet und desillusioniert. Ihre einzige Hoffnung, sich das Flugticket nach Hause zu verdienen, besteht darin, sich auf eine Mission einzulassen, die praktisch einem Selbstmord gleichkommt: Sie sollen Nitro-Glycerin über eine Bergkette transportieren, um damit ein Feuer in einer Ölquelle zu löschen. Der Aufbau ist hervorragend, und der Zynismus, ja die Hoffnungslosigkeit der Charaktere (die so typisch für eine Generation sind, die den Zweiten Weltkrieg überlebt hat, um dann den Schrecken von Hiroshima zu erleben) wird schnell deutlich. Aber es sind die Action-Sequenzen, in denen die Männer langsam auf unbefestigten Straßen reisen, wohl wissend, dass die kleinste Unebenheit ihre Auslöschung auslösen kann, die im Kino unübertroffen und vielleicht unerreicht sind.

18. THE USUAL SUSPECTS (1995) (BY CHRISTOPHER McQUARRIE)

Es ist durchaus möglich, wie viele argumentiert haben, dass es letztlich keinen Sinn ergibt, aber das macht nichts – The Usual Suspects ist immer noch das archetypische moderne Drehbuch. Wie mein bester Freund es ausdrückte, erweckt es all diese postmodernen Theorien über unzuverlässige Erzähler zum Leben und verwandelt sie in einen großartigen Thriller. Allein die Tagline – „Fünf Verbrecher. One Line-Up. No Coincidence“ – ist zu einer Art Kurzschrift für die Bewerbung von Filmen geworden („Fünf Raumfahrer. Ein Raumanzug“ usw.). Wie bei allen großartigen Drehbüchern gibt es viele großartige Zeilen, aber die beste ist vielleicht: „Der größte Trick, den der Teufel je gebracht hat, war, die Welt davon zu überzeugen, dass er nicht existiert.“ Vielleicht trifft das auch auf den Film selbst zu: Vielleicht besteht der größte Trick von Die üblichen Verdächtigen darin, uns von seiner Größe zu überzeugen, auch wenn nicht alles einen Sinn ergibt.

17. TOKYO STORY (1953) (VON KŌGO NODA UND YASUJIRŌ OZU)

„Simple Story“ hätte ein alternativer Titel sein können, denn Tokyo Story ist fast schockierend einfach: Ein älteres japanisches Ehepaar reist von seiner Kleinstadt in die Großstadt, um seine Kinder zu besuchen, nur um festzustellen, dass sie sich sowohl von ihnen als auch vom modernen Leben im Allgemeinen zunehmend entfremden. Vielleicht ist dies wirklich die älteste Geschichte von allen: die Geschichte des Lebens selbst, oder die Reise von der Jugend zum Alter, die tragischerweise allzu oft die Reise von der Hoffnung zur Verzweiflung ist. Aber die Hoffnung ist nur die Kehrseite der Verzweiflung, und am Ende findet das alte Ehepaar Trost in der einfachen Liebe und Achtung der Witwe ihres Sohnes, die beweist, dass „Blut“ (einfache Biologie) nicht immer dicker ist als „Wasser“ (unsere gemeinsame Menschlichkeit).

16. À BOUT DE SOUFFLE (ATMUNGSLOS) (1960) (VON JEAN-LUC GODARD)

À Bout De Souffle (Atemlos, oder genauer gesagt: Außer Atem) wurde von vielen, darunter Martin Scorsese, als die Achse des Kinos bezeichnet: der Wendepunkt oder Drehpunkt, an dem das gesamte Kino von den 1890er Jahren bis heute hängt. Normalerweise wird er wegen seiner revolutionären Kameraführung und seines Schnitts so hoch geschätzt, aber auch seine Handlung ist bemerkenswert: Es ist eine Handlung, die keine Handlung ist, zumindest im traditionellen Sinne. Es passiert sehr wenig, aber alles ist wichtig. Und es gibt auch einige explizit philosophische Dialoge, die von Jean-Pierre Melville (selbst ein großer Regisseur, der hier in einer Nebenrolle in einem Film eines anderen großen Regisseurs zu sehen ist) mit den Worten „Wir sind alle tote Männer auf Urlaub“ verkörpert werden. À Bout De Souffle erinnert uns daran, dass uns allen am Ende die Puste ausgeht und wir das Beste aus jedem Atemzug machen müssen, bevor wir unseren letzten nehmen.

15. IN THE BEDROOM (2001) (BY TODD FIELD AND ROBERT FESTINGER, BASED ON THE SHORT STORY, KILLINGS, BY ANDRE DUBUS)

Es gibt viele berühmtere und auffälligere moderne Drehbücher als In The Bedroom (viele von Tarantino, zum Beispiel), aber keines, das so einfach und überwältigend ist. Angeblich auf der wahren Geschichte eines Mordes in einer Kleinstadt beruhend, schildert In The Bedroom die Erschießung des einzigen Kindes eines Paares mittleren Alters, nachdem es sich auf eine Beziehung mit einer Geschiedenen eingelassen hat: Ihr Ex-Mann nimmt brutale Rache an dem jungen Mann, der ihn in der Zuneigung seiner ehemaligen Frau ersetzt hat. Das Drehbuch ist so einfach, so wahrheitsgetreu, dass es sich wie ein Sachbuch anfühlt, aber es hat auch die sorgfältige literarische Verarbeitung eines Cheever oder Carver. Vor allem ist es eine Geschichte über Trauer und die Unmöglichkeit, sie zu überleben, vor allem, wenn der geliebte Mensch, der verloren wurde, ein Kind ist. Shakespeare, dessen einziger Sohn von der Pest dahingerafft wurde, schrieb: „Wenn Kinder vor ihren Eltern sterben, sind wir ihre Nachkommen und sie sind nicht die unseren“, und das ist nie wahrer als hier, wo die beiden Eltern versuchen, ihr Leben nach der ultimativen Tragödie wieder aufzubauen.

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14. CHINATOWN (1974) (VON ROBERT TOWNE)

Chinatown ist vielleicht das formal perfekteste Drehbuch, das je geschrieben wurde, und wird daher (u.a. von Drehbuch-Gurus) immer wieder als klassisches Hollywood-Drehbuch bezeichnet. Aber das Interessanteste daran ist vielleicht, wie sich alles an der Geschichte nahtlos aus der zentralen Idee ergibt, die buchstäblich im Titel enthalten ist. Der Drehbuchautor Robert Towne sagte, dass sein Drehbuch durch ein Gespräch mit einem Polizisten der Sitte, der in Chinatown in Los Angeles verdeckt gearbeitet hatte, ins Leben gerufen wurde. Was den Polizisten letztlich desillusioniert hatte, war die Erkenntnis, dass er zwar glaubte, Gutes zu tun, aber in den meisten Fällen die Dinge nur noch schlimmer machte, indem er beispielsweise ein missbrauchtes Kind aus einer Familie herausholte, das dann noch verlorener war als zuvor. Diese Vorstellung von der Unmöglichkeit, in einer schmutzigen Welt Gutes zu tun, steht im Mittelpunkt von Chinatown.

13. DER DRITTE MANN (1950) (VON GRAHAM GREENE)

So viele von Graham Greenes großartigen Romanen (leider, wie so viele großartige Romane) ließen sich nicht gut auf die Leinwand übertragen, aber Der dritte Mann tat es – unvergesslich. Vielleicht liegt das daran, dass es gar kein Roman war, zumindest nicht ursprünglich: Greene veröffentlichte Der dritte Mann erst nach dem Erfolg des Films als Roman, nachdem er ihn ursprünglich nur als Vorlage für ein Drehbuch vorgesehen hatte. In diesem Fall hat Greene, ein wirklich großer Schriftsteller, direkt für die Leinwand geschrieben, und das merkt man. Er war im Wien der Nachkriegszeit gewesen und schien die Geräusche, Sehenswürdigkeiten und sogar die Gerüche aufzusaugen, vor allem die des labyrinthischen Kanalisationsnetzes, das zum Schauplatz (buchstäblich und metaphorisch) für einen Großteil des Films wurde. Greene war auf der Suche nach einer Geschichte nach Österreich gereist, und am Ende erzählte er die Geschichte eines Schriftstellers (eher ein Schreiberling wie Holly Martins als ein Genie wie Greene selbst), der nach einem alten Freund sucht, der sich als der Mann entpuppt, den er zu kennen glaubte.

12. VERTIGO (1958) (VON ALEC COPPEL UND SAMUEL A. TAYLOR, AUF DER GRUNDLAGE DES NOVELS D’ENTRE LES MORTS VON PIERRE BOILEAU UND THOMAS NARCEJAC)

Noch mehr als Chinatown ist Vertigo der ultimative Detektivfilm: die Geschichte eines Mannes auf der Suche nach der verlorenen Liebe. Der Anfang ist einer der großartigsten des gesamten Kinos, ein atemloses Rennen über die Dächer von San Francisco, das in einer Tragödie endet, als Jimmy Stewarts Polizist Scottie, weil er unter Höhenangst leidet, einen Polizisten in Uniform nicht vor dem Sturz in den Tod retten kann. Dann verlangsamt sich das Tempo, und Stewart wird auf die Rolle eines Privatdetektivs reduziert, der von einem alten Studienfreund angeheuert wird, um das Geheimnis des täglichen Verschwindens seiner Frau zu lösen. Er beobachtet sie so genau, so treu (wie ein alter Scottie-Hund), dass er sich unweigerlich in sie verliebt, nur um festzustellen, dass sich die Geschichte tragischerweise wiederholt, als auch sie in den Tod stürzt. Und dann beginnt für Scottie sein eigener Abstieg in den Wahnsinn und in die Besessenheit, als er versucht, das verlorene Mädchen in Form eines neuen nachzubilden, nur um im Nachhinein zu erkennen, dass die beiden Frauen sich ähnlicher sind, als er es sich je hätte vorstellen können… Das Drehbuch von Vertigo ist selbst schwindelerregend, schwindelerregend, da wir, die Zuschauer, Scottie folgen, während er dem Mädchen folgt, und schließlich fallen wir wie Scottie – erst in die Liebe und dann in die Verzweiflung.

11. LES ENFANTS DU PARADIS (DIE KINDER DES PARADIES) (1945) (VON JACQUES PRÉVERT)

Les Enfants Du Paradis wird oft als der beste französische Film angesehen, der je gedreht wurde (z.B. von Francois Truffaut), und nimmt einen bleibenden Platz im französischen Kino ein, weil er der große französische Film über die Besatzungszeit ist: Obwohl es sich vordergründig um ein Historiendrama handelt, wurde sein Bericht über den Überlebenskampf von Schauspielern als Metapher für den französischen Widerstand gegen die Nazis gesehen. Die Geschichte ist weniger eine Dreiecksbeziehung als vielmehr ein Liebesviereck, in dem vier sehr unterschiedliche Männer (ein Mime, ein Schauspieler, ein Krimineller und ein Aristokrat) um die Zuneigung einer schönen Frau buhlen. Das Drehbuch ist sowohl poetisch als auch surreal (wie es sich für ein Werk eines großen surrealistischen Dichters gehört), aber bei all seinen Wortspielen ist es vielleicht am einprägsamsten für die wortlosen Liebessequenzen des Pantomimen.

10. GREGORY’S GIRL (1981) (BY BILL FORSYTH)

Nicht so sehr ein Film über das Erwachsenwerden als vielmehr ein Film über das Erwachsenwerden, ist Gregory’s Girl der beste Film über die erste Liebe, der je gemacht wurde. Er ist auch ein Beweis für die Vorrangstellung des Drehbuchs bei der Filmproduktion. Während vieles andere an dem Film furchtbar veraltet ist (vor allem die schreckliche Musik), ist das Drehbuch immer noch so frisch und stachelig wie eine schottische Distel. Viele klassische Sequenzen kommen einem in den Sinn, aber die fabelhafteste ist die Szene „Tanzen im Liegen“, in der Gregory Susan ermahnt, sich an der Oberfläche des sich drehenden Planeten unter ihr festzuhalten. In dieser einen Szene wird die buchstäblich erdbewegende Qualität der taumelnden ersten Liebe schöner dargestellt als in jedem anderen Film, der mir einfällt.

9. BRIEF ENCOUNTER (1945) (BY NOEL COWARD , BASED ON HIS PLAY STILL LIFE, AND ANTHONY HAVELOCK-ALLAN, DAVID LEAN AND RONALD NEAME)

Der typischste englische Film, der je gedreht wurde, ist der Beweis dafür, dass Zurückhaltung immer reizvoller ist als Hingabe, und dass das Ungesagte fast immer wichtiger ist als das Gesagte. Das liegt in der Natur des Dialogs (dem Hauptbestandteil eines Drehbuchs): Wir können alles denken, aber in der Regel nur sehr wenig sagen, und es ist die Distanz, die Diskrepanz, zwischen den beiden, die so aufschlussreich ist. Und so geht es in der wohl größten Liebesgeschichte des Kinos um eine Liebe, die letztlich unvollendet bleibt.

8. SUNSET BOULEVARD (1950) (BY BILLY WILDER, CHARLES BRACKETT AND D. M. MARSHMAN, JNR.)

Die größten Filme definieren ihr Genre: Eine frühe Tagline für Sunset Boulevard lautete „A Hollywood Story“, aber in Wirklichkeit ist es die Hollywood Story, die die Geschichte von Hollywoods größtem Wandel – von der Stille zum Ton – durch die Geschichte eines verblassenden Filmstars erzählt, der verzweifelt versucht, seinen Ruhm (und seine Jugend) durch die Ausbeutung eines jungen Drehbuchautors wiederzuerlangen. Aber da wir in Hollywood sind, beutet er auch sie aus… Der erzählerische Trick, den das Drehbuch anwendet, ist bemerkenswert, aber das gilt auch für den Rest: Gleichzeitig zynisch und idealistisch, glamourös und abgestumpft, fängt Sunset den ganzen fatalen Reiz Hollywoods in einer dunklen Fabel ein.

7. EWIGES SONNENGLÜCK DES BLICKLOSEN GEHIRNS (2004) (VON CHARLIE KAUFMAN)

In den Nullerjahren gelang Charlie Kaufman für einige Jahre das, was man für einen Drehbuchautor für unmöglich gehalten hatte: Sein Name, nicht der der Schauspieler oder Regisseure, zog das Publikum an. Der „Charlie-Kaufman-Film“ war in der Tat ein eigenes Genre: fast unmöglich phantasievolle Geschichten über unsere eigene Vorstellungskraft. Und Eternal Sunshine (der Kurztitel, unter dem er bekannt wurde) war mit Abstand der beste. Im Mittelpunkt stand ein Paar, das die Erinnerung an den jeweils anderen aus seinem Gedächtnis löschen wollte, so schmerzhaft hatte sich ihre Beziehung letztlich erwiesen, doch als dieser Wunsch durch eine Gedankenlöschmaschine Wirklichkeit wurde, stellten sie fest, dass selbst die schmerzhaftesten Erinnerungen besser sind als gar keine Erinnerungen. Und so machen sie sich auf die Flucht, durch ihre eigene Psyche.

6. ANNIE HALL (1977) (BY WOODY ALLEN AND MARSHALL BRICKMAN)

Ich hätte fast jedes von Woodys wundersamen Drehbüchern (von Manhattan bis Midnight In Paris) für diese Liste wählen können, aber letztendlich muss ich mich für Annie entscheiden. Der Originaltitel „Anhedonia“ (die Unfähigkeit, glücklich zu sein) fasst zusammen, worum es in dem Film geht: die menschliche Unfähigkeit, das zu schätzen, was wir haben, bis es weg ist. Interessanterweise nahm der Film bei aller Brillanz des Drehbuchs erst im Schneideraum Gestalt an, wie sein Cutter Ralph Rosenblum in seinem bahnbrechenden Buch über Filmschnitt, When the Shooting Stops, the Cutting Begins, berichtet. Das ist der Beweis dafür, dass jede Kunst letztlich ein Schnitt ist: So wie Michelangelo seinen David in einer Marmorplatte fand, finden Schriftsteller ihre Geschichten, indem sie immer weiter zurückschneiden, bis nur noch das Wesentliche übrig bleibt.

5. SOME LIKE IT HOT (1959) (BY BILLY WILDER AND I. A. L. DIAMOND)

Bei so vielen wirklich großartigen Drehbüchern, aus denen man wählen kann, hatte ich versucht, jeden Autor auf einen Eintrag zu beschränken, aber ich musste für Billy Wilder eine Ausnahme machen: Er verdient es, sowohl für sein dramatisches als auch für sein komisches Schreiben aufgenommen zu werden. Und Manche mögen’s heiß ist der witzigste Film, der je gedreht wurde (wobei Life of Brian von den Pythons meiner Meinung nach knapp dahinter liegt). Die letzte Zeile ist die witzigste, aber ihr gehen hundert Sprüche voraus, nicht zuletzt Jack Lemmons Bemerkung, als er Marilyn Monroe zum ersten Mal sieht, dass sie wie „Wackelpudding auf Federn“ sei. Es ist ein gutes Bild für den Film selbst, der buchstäblich von Chicago nach Florida hüpft und den Helden (und der Heldin) folgt, wie sie versuchen, sowohl der Mafia als auch der Tristesse zu entkommen, arme, unbeachtete Spieler zu sein.

4. CITIZEN KANE (1941) (VON HERMAN J. MANKIEWICZ UND ORSON WELLES)

Die Geschichte, wie Citizen Kane geschrieben wurde, ist so gut, dass sie zum Stoff von Mythen und Legenden geworden ist. Der Film wurde von RKO 281 verfilmt, und die große Filmkritikerin des New Yorker, Pauline Kael, vertrat die Ansicht, dass der Drehbuchautor Mankiewicz den größten Teil des Erfolgs des Films verdient habe. Was auch immer der Wahrheit entspricht, es ist auf jeden Fall schön zu sehen, dass ein Drehbuchautor gefeiert wird, und das zu Recht für dieses immer noch bemerkenswerte Drehbuch. Es beginnt mit der einfachen Frage „Was ist Rosebud?“ und ist sowohl episch als auch experimentell, da der namensgebende Kane aus allen Blickwinkeln betrachtet wird, von Freunden, ehemaligen Ehefrauen und schließlich sogar von seinen Mitarbeitern. Citizen Kane ist in jeder Hinsicht ein Pflichttext für jeden Drehbuchautor, denn er erzählt eine große Geschichte, die nur das Kino erzählen kann. Welles mag in anderen Medien triumphiert haben (mit einem Voodoo Macbeth am Broadway und einem erschreckenden Krieg der Welten im Radio), aber Citizen Kane konnte immer nur ein Film sein.

3. DER PATEN (TEIL II) (VON FRANCIS FORD COPPOLA UND MARIO PUZO)

Der Pate (Teil II) ist strukturell das bemerkenswerteste Drehbuch, weil es, wie schon oft gesagt wurde, sowohl ein Prequel als auch eine Fortsetzung des ursprünglichen Paten ist, indem es gleichzeitig die Geschichte von Michael Corleone und dem jungen Vito Corleone erzählt und buchstäblich zeigt, wie die Sünden des Vaters oft den Sohn heimsuchen (und dann von ihm nachgespielt werden). Wie eine Schlange (eine besonders gewundene und unheimliche Schlange) bewegt sich die Geschichte zwischen verschiedenen Epochen und Kontinenten hin und her. Für jeden Drehbuchautor, der eine wirklich epische Geschichte schreiben will (eine, die sich über einen längeren Zeitraum, ja sogar über Generationen hinweg entfaltet), ist das Drehbuch zu Der Pate (Teil II) der große Leitfaden.

2. WITHNAIL AND I (1987) (BY BRUCE ROBINSON)

Was meine beiden besten Drehbücher aller Zeiten vereint (und ich fand es fast unmöglich, sie aufzuteilen), ist ihre schiere Zitierfähigkeit: Fast jede einzelne Zeile in jedem von ihnen ist einprägsam. Während ich dies schreibe, habe ich beide neben mir liegen, und um das zu beweisen, werde ich eine zufällige Seite aufschlagen (versprochen!). Bei Withnail ist der Zufallsfund die Zeile „Wir sind aus Versehen in den Urlaub gefahren“, und selbst diese scheinbar beiläufige Zeile ist sowohl symptomatisch für Withnails Weltanschauung (er weigert sich, Verantwortung zu übernehmen, nicht einmal dafür, dass er in den Urlaub fährt) als auch universell. (Sind wir nicht alle irgendwann einmal „aus Versehen in den Urlaub gefahren“?) Withnail zitiert zwar am Ende Hamlet, aber in mancher Hinsicht ist er Macbeth noch ähnlicher: „Ein armer Spieler, der seine Stunde auf der Bühne verbringt und dann nicht mehr gehört wird, / Es ist eine Geschichte, die ein Idiot erzählt, voller Lärm und Wut, / die nichts bedeutet.“ Withnail ist oberflächlich betrachtet eine scheinbar unbedeutende Geschichte, die „nichts bedeutet“, aber natürlich bedeutet sie, wie alle guten Geschichten, in Wirklichkeit alles.

1.CASABLANCA (1942) (BY JULIUS J. EPSTEIN, PHILIP G. EPSTEIN, HOWARD E. KOCH AND CASEY ROBINSON, BASED ON THE PLAY EVERYBODY COMES TO RICK’S BY MURRAY BURNETT AND JOAN ALISON)

Die Zeile, auf die ich in meinem Exemplar von Casablanca stieß, war eine, die ich vorher nie in Betracht gezogen (oder sogar wirklich bemerkt) hatte. Als Ingrid Bergmans Elsa Laszlo fragt, warum er sie nie verlassen hat, trotz aller Schwierigkeiten, die sie zusammen hatten, antwortet er: „Ich wollte es, aber irgendetwas Ernstes hat mich immer aufgehalten. Meine Wäsche kam zu spät zurück – oder es gab ein Kino, das ich sehen wollte…“ Wie immer bei einem großartigen Drehbuch ist jede Zeile aufschlussreich: „Es gab ein Kino, das ich sehen wollte.“ Laszlos Englisch ist normalerweise tadellos, aber in diesem spannungsgeladenen Moment unterläuft ihm ein winziger, fast unmerklicher Fehler, der ihn sowohl als Nicht-Muttersprachler als auch als Mann verrät, der völlig unfähig ist, die Frau, die er liebt, im Stich zu lassen, selbst um die freie Welt zu retten. Und genau das ist der Punkt. Als Drehbuchautoren wird uns immer wieder gesagt, wir sollen „den Einsatz erhöhen“… Nun, man kann ihn nicht höher ansetzen, als es Casablanca tut, denn der „Einsatz“ ist das Überleben der freien Welt (das zur Zeit der Entstehung des Films noch sehr in Frage stand). Casablanca mag das ewig gefeierte Drehbuch sein, aber das hat seinen Grund: Es ist ein Beispiel dafür, dass die wirklich große Kunst sowohl kommerziell erfolgreich ist als auch von der Kritik gelobt wird. Andere Beispiele finden Sie bei Shakespeare, den Beatles oder Picasso… und das Drehbuch von Casablanca gehört in solch erhabene Gesellschaft.

Bonus

Ich möchte diese Liste großartiger Drehbücher mit einem Vorbehalt abschließen, und zwar mit folgendem: Die wohl größte Leistung, die jemals im Bereich des Drehbuchschreibens vollbracht wurde (größer noch als Withnail und Casablanca), kommt für diese Liste nicht in Frage, weil es sich um eine Fernsehserie handelt, nicht um einen Film. Ich denke dabei an The Wire mit seiner „Mörderreihe“ großer Drehbuchautoren (Dennis Lehane, Richard Price und George Pelecanos), die vom „Shakespeare des Fernsehens“ (wie David Simon sicherlich einmal genannt werden wird) betreut wird. Mit den komplexen, scheinbar unendlichen Geschichten, die das Fernsehen des 21. Jahrhunderts jetzt erzählt, tritt das Drehbuchschreiben wirklich in ein neues Zeitalter ein.

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