Berry Gordy, Jr. weiß etwas über Künstler – zumindest über die musikalische Art. Als der Motown-Gründer die Soul-Legende Marvin Gaye als „den wahrhaftigsten Künstler, den ich je gekannt habe, bezeichnete. Und wahrscheinlich der härteste“, wusste er, wovon er sprach. Gordy verbrachte fast zwei Jahrzehnte damit, mit dem am 2. April 1939 als Marvin Pentz Gay Jr. geborenen Mann zu arbeiten.

Gordy wurde Zeuge, wie er einige der großartigsten Soul-Musiken machte, die jemals auf Band aufgenommen wurden – und einige der aufrührerischsten. Er sah, wie der Sänger auseinanderfiel und sich nach dem Tod seines größten Gesangspartners wieder zusammensetzte, wobei alle Bestandteile vorhanden waren, aber nicht unbedingt in der gleichen Konfiguration. Er erlebte, wie er sein Schwager wurde, dann sah er zu, wie die Ehe von Gaye und Anna Gordy auf einzigartige Weise in die Brüche ging und ein Album ablieferte, das wunderschön und tragisch war und wahrscheinlich das erste echte „Scheidungsalbum“. Er sah zu, wie er Motown verließ und an seiner Sucht litt, vielleicht in der Hoffnung, dass er eines Tages zurückkehren würde, um seine Krone als größter männlicher Künstler von Motown zu tragen – vielleicht der größte überhaupt.

Man könnte erwarten, dass die Beziehung zwischen dem treuesten Künstler und dem umtriebigsten Labelchef leiden würde, und das gab es auch. Aber was dabei herauskam, war im besten Fall echt, unerschrocken, ehrlich – und, ja, hart und wahr. In der Soulmusik geht es um Himmel und Hölle, und genau das hat Marvin Gaye uns gegeben. Mehr von ersterem als von letzterem, aber wenn du die Hölle nicht kennst, wirst du den Himmel nicht erkennen, wenn du ihn siehst.

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In Kontakt mit seiner intimen Natur

Marvin litt für seine Kunst, für seine Seele – und man konnte es hören. Er schämte sich nicht. Er kannte keinen anderen Weg, der funktionierte. Marvin lebte es.

Marvin Gayes „Echtheit“ war hart erarbeitet. Jemand, der so sehr mit seiner intimen Natur und seinen Gefühlen in Berührung kam, hatte wahrscheinlich keinen Platz auf der Bühne. Das Mikrofon war sein Beichtstuhl, die Gesangskabine sein Beichtkasten: So fühle ich mich, genau hier, genau jetzt.

Der Versuch, diesen Moment auf Tournee nachzustellen, war machbar, weil er ein so brillanter Sänger war. Aber das war nicht wirklich Marvin auf seinem Höhepunkt, als er in seiner Seele wühlte und entdeckte, was dort war, um es herauszulassen. Ein Auftritt war ein anderer Prozess. Man musste eine Version von sich selbst rüberbringen. Aber Marvin ging es nicht um Versionen, ihm ging es um den authentischen Moment. Bekanntlich war er kein fabelhafter Tänzer und mochte Auftritte nicht so sehr, dass er unter Lampenfieber litt, obwohl er seine Rolle akzeptierte und seine Auftritte immer noch einen Höhepunkt im Musikerleben seiner Fans darstellten. Im Laufe der Jahre gab es viele echte Marvins, aber die Arbeit als Künstler bedeutete, dass er lernen musste, den wahren in jedem Moment herauszulassen.

Sturköpfiger Typ

Marvin begann seine musikalische Karriere als Doo-Wop-Sänger. Die erste nennenswerte Gruppe, mit der er zusammenarbeitete, war Harvey & The New Moonglows. Anfang 1961 unterschrieb er bei Motown, und seine ersten Veröffentlichungen, die in einem Stil zwischen R&B, Swing und dem aufkommenden Soul-Sound gehalten waren, verkauften sich nicht gut, obwohl Gayes stimmliche Verve von Anfang an offensichtlich war.

Seine Neigung zur Selbstbeobachtung während der Arbeit führte dazu, dass man ihm sagte, er solle auf der Bühne mit offenen Augen singen. Aufgrund seiner eigensinnigen Art dauerte es eine Weile, bis er begriff, dass dies ein guter Rat war, und im Gegensatz zu anderen Motown-Künstlern weigerte er sich, Unterricht in Bühnenkunst und Selbstdarstellung zu nehmen. Seine vierte Single und sein erster Hit, ʻStubborn Kind Of Fellow‘ aus dem Jahr 1962, hatte ein Element der Wahrheit in seinem Titel. Vielleicht sah er seinen Hitstatus als Zeichen dafür, dass Authentizität für ihn funktionierte.

Eine gewisse Magie lag von Anfang an in Gaye. Sein Gesangsstil wirkte auf den frühen Hits wie ʻHitch-Hike‘, ʻPride And Joy‘ und ʻCan I Get A Witness‘ sofort ausgereift, und obwohl sich seine Stimme etwas weiterentwickelte, würde ein Fan des älteren Marvin Gaye diese Platten niemals mit jemand anderem verwechseln. Im Duett klang er genauso strahlend, ob es sich nun um ʻOnce Upon A Time‘ an der Seite von Mary Wells oder um ʻWhat Good Am I Without You‘ mit Kim Weston handelte.

Sich selbst finden, mehr wollen

Aber während die Singles verführerisch blieben und in den USA fast automatisch in die Charts kamen, offenbarten Marvins Alben einen Sänger, der mit dem Leben als junger Soul-Star nicht ganz zufrieden war. Marvin wollte mehr – Marvin wollte immer mehr – und er versuchte, sich selbst auf einer Reihe von Alben zu finden, die, wenn sie nicht völlig unpassend waren, nicht seine Stärken ausspielten. When I’m Alone I Cry und Hello Broadway (1964) sowie A Tribute To The Great Nat „King“ Cole (1965) zeigten den Sänger auf der Suche nach einer Nische als Jazzsänger – wenn auch eher in der Mitte – und obwohl sie nicht ohne Reiz sind, lag Gayes Weg woanders.

Keines dieser Alben erreichte die Charts, wohingegen sich sein Soul-Album aus der gleichen Zeit, How Sweet It Is To Be Loved By You, gut verkaufte und mit erheiternden Stücken wie ʻTry It Baby‘, ʻBaby Don’t You Do It‘, ʻYou’re A Wonderful One‘ und dem Titelsong gespickt war.

Heute mag es offensichtlich erscheinen, wohin Marvin hätte gehen sollen, aber in Wahrheit kamen diese fehlgeleiteten Alben nicht ganz unerwartet: Soul war eine vergleichsweise neue Musik und niemand wusste, wie lange sie Bestand haben würde. Viele Sänger vertraten die Ansicht, dass sie in den Nachtclubs arbeiten müssten, um ihren Lebensunterhalt zu verdienen, und dass Vielseitigkeit von Vorteil sein würde. Motown unterstützte diese Sichtweise und war vielleicht erleichtert, dass der kompromisslose Marvin seine Zukunft sicherte, wo er doch schon dagegen ankämpfte, ein weiterer ausgebildeter Showbusiness-Star zu werden.

Eine Karriere, die ihn zur Legende machen sollte

Der Gesang war nicht die einzige Saite am Bogen des jungen Marvin. Er konnte mehrere Instrumente spielen und trommelte bei erfolgreichen Motown-Sessions. Er erwies sich schnell als begabter – wenn auch nicht produktiver – Songschreiber: Er war Mitautor von „Dancing In The Street“ und „Beechwood 4-5789“, großen Hits für Martha & The Vandellas bzw. The Marvelettes, sowie seiner eigenen Songs „Wherever I Lay My Hat (That’s My Home)“, „Pride And Joy“ und „Stubborn Kind Of Fellow“. Ab 1965 wurde er auch als Produzent anerkannt und produzierte 1966 eine Seite der Debütsingle von Gladys Knight & The Pips bei Motown, gefolgt von der Arbeit mit Chris Clark und The Originals. Hier wurde der Grundstein für eine Karriere gelegt, die ihn zu einer Legende machen sollte.

Doch Mitte der 60er Jahre war dies keineswegs sicher. Die Soulmusik war voll von Talenten, und obwohl seine Starqualitäten offensichtlich waren, war Marvin weit davon entfernt, der größte Name zu sein. Aber er wurde im Ausland gehört und erlangte im Vereinigten Königreich, in Frankreich und in Deutschland eine beträchtliche Kultanhängerschaft. Es war eine Auszeichnung für britische Mods, „Can I Get A Witness“, „Ain’t That Peculiar“ (1965) und „One More Heartache“ (1966) zu besitzen, Singles, die nicht nur zum Tanzen einluden, sondern einen praktisch dorthin schleppten, schreiend und zuckend.

Es braucht zwei

Aber es war Marvins Arbeit als Duettist, die seinen Status als etablierter Star zu festigen begann. Das Duett mit Kim Weston auf ʻIt Takes Two‘ lieferte 1966 einen großen Hit, aber als Weston im folgenden Jahr Motown verließ, fand die Firma für ihn eine neue Gesangspartnerin, die sich als geniale Wahl erwies.

Tammi Terrell, ein ehemaliges Mitglied von James Browns Revue, hatte einige weitgehend unterbewertete Singles auf Motown veröffentlicht, aber sie blühte auf, als sie mit Marvin zusammenarbeitete. Ihr erstes Album, United (1967), wurde von Harvey Fuqua (dem Harvey von The Moonglows, mit dem Marvin in seinen Jahren vor Motown zusammengearbeitet hatte) und Johnny Bristol produziert. Marvin schrieb die mäßig erfolgreiche Single ʻIf This World Were Mine‘, die Tammi besonders gut gefiel, und die Produzenten gaben ihnen ʻIf I Could Build My Whole World Around You‘ mit auf den Weg, aber die wirklichen Knaller des Albums stammten aus der Feder von Motowns heißem neuen Kreativteam, Nick Ashford und Valerie Simpson. Ihr ʻYour Precious Love‘ war der größte Hit von United, aber eine andere Single erwies sich als atemberaubender Höhepunkt für die Soul-Musik: ʻAin’t No Mountain High Enough‘.

Praktisch die Definition von Soul mit Ambitionen, ʻAin’t No Mountain High Enough‘ nimmt Gospel-Wurzeln und verschmilzt sie mit einer Uptown-Attitüde zu einem symphonischen Ganzen. Wenn man davon nicht berührt wird, ist etwas in einem selbst gestorben. Als Markierung für die Ankunft von Ashford und Simpson bei Motown war es perfekt. Als Beweis dafür, dass Marvin und Tammi eine besondere Magie besaßen, ist sie unbestreitbar. Als ein Album, das dazu beitrug, Marvin in den höchsten Rängen der künstlerischen Leistung zu etablieren, war es historisch.

Anfänglich hatte Marvin mit der Tatsache, dass er mit einer dritten weiblichen Gesangspartnerin gepaart wurde, nur mit einem Achselzucken reagiert, da er es eher als repräsentativ für Motowns kommerziellen Fokus als für seine eigene künstlerische Notwendigkeit ansah. Zunächst lernten und nahmen Marvin und Tammi die Songs getrennt voneinander auf. Erst als sie begannen, gemeinsam an den Stücken zu arbeiten, erkannte Marvin, wie magisch ihre Partnerschaft sein konnte. Die beiden verstanden sich wie Zwillinge. Tammi, die bereits mehrere Auftritte pro Abend mit James Browns Band absolviert hatte, war eine entspanntere und erfahrenere Bühnenkünstlerin als ihr neuer musikalischer Partner. Marvin musste das Publikum nun nicht mehr allein mitreißen und fühlte sich zum ersten Mal im Rampenlicht wohl. Der Erfolg mit Tammi befreite ihn als Künstler, und seine Soloplatten begannen, eine andere, tiefere Richtung einzuschlagen.

You’re all I need to get by

Mit Tammi verbrachte Marvin einen Großteil des Jahres 1968 in den Charts, dank des herzerwärmenden ʻAin’t Nothing Like The Real Thing‘, dem glühenden und gefühlvollen ʻYou’re All I Need To Get By‘ und dem beschwingten ʻKeep On Lovin‘ Me Honey‘, die alle aus der Feder von Ashford & Simpson stammten, der nun auch die Produktion übernahm. „Oh Tammi“, jammert Marvin auf letzterem und fügt hinzu: „Ain’t no good without ya, darlin'“. Bald würde er wissen, wie sich das anfühlen würde, und der Verlust von Tammi würde Marvin zutiefst treffen.

Im Oktober ’67 war Tammi in seinen Armen zusammengebrochen, während sie in Virginia auftraten. Bei ihr wurde ein bösartiger Hirntumor diagnostiziert, aber sie kämpfte weiter und kehrte von der ersten von mehreren Operationen zurück, um diese mächtigen Duette von 1968 aufzunehmen. Ihr glorreiches zweites Album, You’re All I Need, erschien im selben Jahr, aber 69 zog sich die kränkelnde Tammi von ihren Live-Auftritten zurück.

Die Konstruktion der dritten und letzten gemeinsamen LP des Duos, Easy, war alles andere als einfach, denn Valerie Simpson half am Gesang aus, als Tammi zu krank war, um zu singen. Der poppige „The Onion Song“ und das beschwingte „California Soul“ wurden Marvins und Tammis letzte gemeinsame Hits. Tammi verstarb im März 1970 und ließ Marvin zurück.

Soul auf der Suche durch dunkle Tage

Die Verbindung mit Tammi hatte ihm einen stetigen Erfolg beschert, der den Druck von Marvin in seiner Solokarriere nahm – er musste sich nicht mehr so sehr anstrengen, um erfolgreich zu sein. Aber seine Singles, die nun von Norman Whitfield produziert wurden, wurden düsterer, da seine Stimmung durch Tammis Krankheit beeinträchtigt wurde.

Seine Version von ʻI Heard It Through the Grapevine‘, die 1968 veröffentlicht wurde, war weitaus ernster als die vorherigen Versionen von Smokey Robinson & The Miracles, Gladys Knight & The Pips und Bobby Taylor & The Vancouvers und war auf beiden Seiten des Atlantiks eine Nr. 1. Bei ʻToo Busy Thinking About My Baby‘ klang Marvin in seiner Sehnsucht regelrecht hypnotisiert. ʻThat’s The Way Love Is‘ knüpfte an die unruhige Stimmung von ʻGrapevine‘ an, und seine Version von Dick Hollers Protestgesang ʻAbraham, Martin And John‘ war wunderschön nachdenklich. Dies war nicht mehr der Schnellfeuer-Marvin von Mitte der 60er Jahre, der die Seele zum Schwingen brachte; dies war ein Mann, der seine Seele auf Vinyl suchte. Eine einmalige Gospel-Single, ʻHis Eye Is On The Sparrow‘, die 1968 für ein Tribut-Album, In Loving Memory, aufgenommen wurde, hatte eine Sehnsucht nach Erlösung, die die Musik vorwegnahm, die Marvin in den frühen 70er Jahren machen würde.

Es waren dunkle Tage für Marvin, trotz seines Erfolgs. Kein Wunder, dass er mit einem von Rodger Penzabene geschriebenen Song, ʻThe End Of Our Road‘, einer Single aus dem Jahr 1970, so gut zurechtkam; er könnte sich auf den Verlust seines Gesangspartners beziehen. Penzabene schrieb den Song 1967, als er sich von seiner Frau trennte, und nahm sich leider noch im selben Jahr das Leben. Gaye hätte das gewusst. Aber er ging nicht denselben Weg, als Tammi starb. Stattdessen verlor er sich in der Musik.

Was ist hier los?

Marvin war dabei, seine Musik neu zu erfinden, und es dauerte einige Zeit, bis dieser neue Sound zustande kam. Das Album, das nach langen Sessions – und noch längeren Debatten mit Motown-Chef Berry Gordy darüber, ob es sich lohnen würde, es zu veröffentlichen – entstand, wurde als ein Bruch mit dem, was vorher war, angesehen, aber es gab schon seit einiger Zeit Hinweise auf What’s Going On. Marvins Solosingles ab 1968 waren zunehmend introspektiv, auch wenn er sie nicht selbst geschrieben hatte. Sein Bruder Frankie kämpfte im Vietnamkrieg, was den Sänger natürlich beunruhigte; Marvin nahm die Proteste der Hippie-Bewegung gegen den Konflikt zur Kenntnis, bei denen „Mahnwachen und böse Schilder“ auf brutale Niederschlagung stießen. Sein Gesang auf ʻAbraham, Martin And John‘ war offensichtlich aufrichtig, und sein Auftritt auf ʻHis Eye Is On The Sparrow‘ zeigte, dass er so viel Leidenschaft auf Plastik bringen konnte, wenn er es sich erlaubte.

Marvin begann, einige seiner musikalischen Ideen auszuarbeiten, während er eine der unverdientermaßen zweitklassigen Motown-Gruppen produzierte. Die Originals hatten bei zahlreichen Motown-Sessions als Backgroundsänger mitgewirkt, darunter auch bei einigen von Marvin, und waren trotz des Mangels an eigenen Hits eine wirklich erstklassige Gesangsgruppe mit mehr als einem Hauch von Doo-Wop in ihrer DNA. Marvin hatte ihre 1968er-Single ʻYou’re The One“ mitgeschrieben, und die subtile, leicht mäandernde Melodie gab einen Vorgeschmack auf die Musik, die er drei Jahre später kreieren sollte. Marvin übernahm die Produktion der 1969er-Single „Baby I’m For Real“ von The Originals und der 1970er-Songs „The Bells“/“I’ll Wait For You“ und „We Can Make It Baby“. Alle sind wunderschön, und viele Elemente von What’s Going On finden sich in dem vielschichtigen Gesang, der träumerischen Atmosphäre, den gemächlichen Grooves, der „get-there-eventually“-Melodie und den aufgewühlten Gitarren wieder. Bei diesen Aufnahmen arbeitete Marvin mit einigen der Persönlichkeiten zusammen, die schon bald an seinen definitiven Alben der frühen 70er Jahre mitwirken sollten, darunter Co-Autor James Nyx und Arrangeur David Van DePitte.

Ein weiterer, vielleicht weniger wahrscheinlicher Einfluss auf Marvins neue Richtung war Renaldo ʻObie‘ Benson, einer der Four Tops, dessen 1970er Single ʻStill Water (Love)‘, die von Smokey Robinson und seinem Produzenten Frank Wilson mitgeschrieben wurde, viele der akustischen und sogar textlichen Merkmale von What’s Going On trug. Benson, der bis zu diesem Zeitpunkt nicht als Autor bekannt war, wandte sich an Marvin mit Ideen, aus denen in Zusammenarbeit mit ihm der Titelsong von What’s Going On und zwei weitere wichtige Songs, ʻSave The Children‘ und ʻWholy Holy‘, entstanden.

Marvins bahnbrechendes Album kam langsam zusammen, und trotz Berry Gordys Zweifeln – er hielt es für zu jazzig, ausschweifend und unkommerziell – erschien es im Mai 1971. What’s Going On fand anhaltenden Beifall bei den Kritikern, zeitgenössische Zustimmung in zahlreichen Coverversionen einiger seiner Songs, und, was für Marvin wichtig war, da es bewies, dass seine Vision vermarktet werden konnte, das Album erreichte die Top 10 in den USA.

Er hatte endlich sein volles, unverfälschtes Statement abgegeben, geschrieben, produziert und sich als ernsthafter Künstler etabliert, der immer noch Platten verkaufte. What’s Going On lieferte drei beachtliche Hit-Singles. Zweifeln? Gordy war froh, dass er eines Besseren belehrt wurde.

Du bist der Mann

Aber der Weg eines wahren Talents verläuft nie glatt. Marvins erste Single aus seinem nächsten Projekt, ʻYou’re The Man‘, war fabelhaft – aber nicht kommerziell, und sie verharrte auf Platz 50 der Billboard Hot 100. Er fühlte sich unter Druck gesetzt, ein Album abzuliefern, das seinem Meisterwerk ebenbürtig war, und so wurde das hochpolitische Album mit demselben Titel eingestellt. (47 Jahre später erschien You’re The Man, ein „verlorenes“ Album mit Outtakes und verstreuten Sessions, das das Jahr 1972 als eine faszinierende Übergangsphase in Gayes Karriere enthüllte.)

Bevor das Jahr zu Ende ging, begann Marvin stattdessen mit der Arbeit an einem feinen Blaxploitation-Film-Soundtrack, Trouble Man, der im November veröffentlicht wurde. Als ein komplettes Gesangsalbum von Marvin Gaye erschien, hatte sich die Atmosphäre im Soul etwas verschoben, und der Sänger konzentrierte sich nun darauf, intime Angelegenheiten so intensiv zu beleuchten, wie er es zuvor mit dem Zustand der Welt getan hatte.

Let’s get it on

Let’s Get It On (1973) war ein weiteres Meisterwerk, üppig, persönlich, entzückend – sogar schmutzig – und verkaufte sich anfangs sogar besser als What’s Going On und hielt sich zwei Jahre lang in den US-Charts. Zwei klassische Alben in drei Jahren, dazu ein höchst glaubwürdiger Soundtrack: Marvins Krone blieb aufrecht.

Doch er wurde abgelenkt. Zwei Monate nach der Veröffentlichung von Let’s Get It On im August ’73 erschien ein weiteres Album, das seinen Namen trug: Diana & Marvin, ein Treffen der kommerziellen Motown-Giganten der frühen 70er Jahre und Marvins letztes Duett-Album. Nach dem Tod von Tammi Terrell hatte er gezögert, mit einer anderen Partnerin ein Album aufzunehmen, da er solche Projekte für verhext hielt, da zwei seiner früheren Partnerinnen die Firma kurz nach der Zusammenarbeit verlassen hatten und Terrell das irdische Reich verlassen hatte. Marvin ließ sich jedoch darauf ein, weil er glaubte, dass sein Bekanntheitsgrad dadurch steigen würde. Das Ergebnis war eine warme, sehr gefühlvolle Platte. Es hätte kaum anders sein können.

Bis 1976 gab es keine weiteren Studioalben von Marvin. Er war sich nicht sicher, in welche Richtung er gehen sollte, eine Einstellung, die durch die Menge an Marihuana, die er rauchte, und das Zerbrechen seiner Ehe mit Anna Gordy Gaye nicht besser wurde, beschleunigt durch die Ankunft einer neuen Liebe in seinem Leben, Janis Hunter, die noch in ihren Teenagerjahren war. Eine Lücke füllte das 1974 erschienene Album Marvin Gaye Live! (was vielleicht überraschend war, da der Sänger nach Terrells Tod unter Lampenfieber litt), das den vielsagenden Titel „Jan“ und eine atemberaubende Version von „Let’s Get It On“, „Distant Lover“, enthielt, die in den USA ein Top-20-Hit wurde. Seine Einstellung zu seiner Vergangenheit zeigte sich in einer aneinandergereihten Version einiger seiner Hits aus den 60er Jahren, die er ʻFossil Medley‘ nannte.

Gaye kam endlich dazu, ein neues Album aufzunehmen, das von Leon Ware produzierte I Want You, ein schmieriges Songbuch mit Oden an Janis, die ebenso Teil von Wares Hingabe an explizit erotischen Soul waren wie ein Schritt auf Gayes künstlerischem Weg. Mit seinem funkigen Disco-Feeling klingt das Album immer noch großartig, auch wenn seine tiefen und downbeatigen Boudoir-Grooves nie an die Radikalität seiner beiden vorherigen Studioalben heranreichen würden. Man kann eine direkte Linie von der zweiten Single des Albums, ʻAfter The Dance‘, und der aufgemotzten Electronica von Gayes 80er-Jahre-Rückkehr ʻSexual Healing‘ ziehen.

Got to give it up

Im Jahr 1978 brachte Marvin Here, My Dear heraus, die Kehrseite von I Want You, denn es war seiner entfremdeten Frau gewidmet, mit der er in einen komplizierten Streit über Unterhaltszahlungen verwickelt war, die er sich offenbar nicht leisten konnte. Er erklärte sich bereit, die Hälfte seiner Tantiemen für Here, My Dear an die Frau abzutreten, die nun die ehemalige Mrs. Gaye war. Zu ihrem Pech verkaufte sich das Album nicht besonders gut. Marvin beschloss zunächst, sich nicht allzu sehr darum zu bemühen, da er es als vertragliche Verpflichtung ansah, aber der wahre Künstler in ihm kam wieder zum Vorschein, und das, was zu einem Doppelalbum wurde, entpuppte sich als eine Art Tour de Force, da er sich die Qualen und Freuden der Beziehung von der Seele redete – vom ersten Treffen bis zur persönlichen Katastrophe. Marvin klingt stellenweise etwas unkonzentriert, aber seine Stimme ist in bester Verfassung und der sanfte, funkige Vibe funktioniert gut. Sogar die eskapistische Fantasie ʻA Funky Space Reincarnation‘ erwies sich als ein Juwel.

Vor diesem Album war 1977 Live At The London Palladium eine anständige Platte, ein Doppelset, das durch einen Studiotrack aufgepeppt wurde, das 11-minütige ʻGot To Give It Up‘, das in den USA auf Platz 1 ging und so viel Disco war, wie Gaye jemals hatte. Der Song ist immer noch ein Hit für die Tanzfläche. Eine andere Single, ʻEgo Tripping Out‘ aus dem Jahr 1979, war weder ganz Funk noch ganz Disco und war ein relativer Flop; Marvin feilte monatelang daran, ließ dann aber das Album, auf dem es erscheinen sollte, zum Leidwesen von Motown fallen. Seine letzte LP für die Firma, In Our Lifetime, enthielt weiteres Material, das von einer gescheiterten Beziehung inspiriert war, dieses Mal von seiner Ehe mit Janis. Motown war verärgert über Marvs Versagen bei der Lieferung seines letzten Albums und überarbeitete einige Titel auf In Our Lifetime, bevor Marvin es fertiggestellt hatte. Aber gehen Sie nicht davon aus, dass es unterdurchschnittlich ist: Wir sprechen hier von einem Marvin Gaye-Album. Zumindest teilweise als philosophische und religiöse Abhandlung gedacht, ist es eine fesselnde, funkige und gefühlvolle Angelegenheit. Besonders ʻPraise‘ und ʻHeavy Love Affair‘ sind erstklassige Songs.

Marvin Gaye war Soul Music

Auf persönlicher Ebene ging es für Marvin bergab. Er wurde wegen Millionen von Dollar an unbezahlten Steuern verfolgt. Er hatte ein Drogenproblem und war nach Hawaii, London und Ostende in Belgien gezogen, um seine finanziellen Verfolger und seine Dämonen abzuschütteln. Nachdem er bei Motown gekündigt hatte, unterschrieb er bei Columbia, brachte sich einigermaßen in Ordnung und begann in seiner Wohnung in Ostende mit dem Keyboarder Odell Brown, der sechs Alben als Jazz-Organist eingespielt hatte, an Songs zu arbeiten. Das Ergebnis war die vollelektronische Single Sexual Healing“, die im September 1982 veröffentlicht wurde und ein weltweiter Erfolg war. Ein Album, Midnight Love, wurde gut aufgenommen, und Marvin ging auf Tournee. Als er wieder mittendrin war, nahm sein Kokainkonsum zu und der kranke, müde Sänger zog am Ende der Tournee zu seinen Eltern nach Los Angeles.

Am 1. April 1984 wurde Marvin nach einem Familienstreit von seinem Vater erschossen, ein schockierendes Ende für jeden, aber besonders für einen Sänger, der immer von Liebe, oft von Frieden, von Spiritualität und Sinnlichkeit sang und der sein Bestes gab, um seiner künstlerischen Mission treu zu bleiben, selbst wenn er wusste, dass er den Idealen, die er für sich selbst ersehnte, nicht gerecht wurde.

Der wahrhaftigste Künstler? Diese Dinge sind unmöglich zu quantifizieren. Aber wenn man die besten seiner Werke hört, weiß man, dass es Marvin Gaye ernst war mit dem, was er tat, und dass der Ausdruck seiner wahren Gefühle und seiner Natur die einzige Möglichkeit war, als Künstler zu funktionieren. Mehr noch, selbst bei den schlechtesten seiner Werke wird einem klar, dass er immer noch versuchte, das auszudrücken, was im Kern seines Wesens lag. Das ist wahre Kunstfertigkeit. Das ist Soul-Musik. Marvin Gaye war Soul-Musik.

Das verschollene Marvin Gaye-Album You’re The Man kann man hier kaufen.