Jos Beatles-kitaristi George Harrison olisi käyttänyt oudia sitarin sijasta antaakseen ”Norwegian Woodille” sen omaleimaisen soundin, Munir Bashirin nimi saattaisi olla nykyään tunnetumpi kuin Ravi Shankarin nimi.

Niin ei tietenkään käynyt, ja Harrisonin hengelliset pyrkimykset johtivat siihen, että sitarista tuli osa rock-kulttuuria 60-luvulla, kun Beatlesin lisäksi muutkin yhtyeet tutkivat itämaisia soundeja – Yardbirdseistä, The Doorsista ja Pink Floydista The Paul Butterfield Blues Bandiin ja Jefferson Airplaneen jne.

Oudin puolestaan tuntevat vain seikkailunhaluiset muusikot. Ehkä ensimmäinen amerikkalainen albumi, jossa oud soi, oli vuonna 1958 ilmestynyt Jazz Sahara, jonka teki Ahmed Abdul-Malik, joka soitti bassoa ja oudia Thelonius Monkille. Vuonna 65 folk-artisti Sandy Bull soitti oudia Inventions-levyllään. Vuonna -67 The Devil’s Anvil -yhtyeen (tuottajana Felix Pappalardi) Hard Rock From the Middle East -levyllä kuultiin Kareem Issaqin soittamaa oudia. Samana vuonna nubialainen oud-soittaja Hamza el Din soitti Grateful Deadin kanssa Egyptissä, ja Kaleidoscopen A Beacon From Mars -levyllä soitti Solomon Feldthouse. Vaikka oud ei menestynyt 60-luvun popmaailmassa, sillä on syvä, salaperäinen ääni ja värikäs historia.

Vuosisatojen ajan Lähi-idässä, Turkissa, Keski-Aasiassa ja Persiassa (Iranissa) on syntynyt monia nyplättyjä jousisoittimia, joiden yleisnimitys on ”luuttu”; tar, tanbur, dutar, dombra, sehtar, saz, bouzouki, rubab, sarod, sitar, komuz ja monia muita soittimia – joissakin niistä on ollut jouset, toisissa ei. Oud luokitellaan yleensä kulhonmuotoiseksi, lyhytkaulaiseksi luuttuksi, mikä erottaa sen niistä luuttuista, joilla on pidempi kaula ja litteämpi runko (jotka olivat lähempänä kitaran esi-isiä). Nykyään se on kitaraton, mutta aiemmin siinä oli kaulan ympärille sidottuja siirrettäviä suolenpaloja, jotka toimivat kitaroina. Tämän rakenteen ansiosta muusikot pystyivät säätämään kitaroita eri virityksiä varten. Nykyään oudissa on tavallisesti viisi sävelaskelmaa, joissa on matala jousi droneja varten, mutta on olemassa myös seitsen- ja kahdeksankielisiä oudeja.

Toisin kuin muut luuttut, oud on säilynyt näistä muinaisista alkulähteistä, matkustanut muualle maailmaan ja vaikuttanut suuresti sellaisiin soittimiin kuin kiinalainen pipa, japanilainen biwa ja eurooppalainen luuttu. Nykyään oudin soittaminen musiikissa on elpymässä, sillä sitä kuullaan lukuisilla nykyaikaisilla äänitteillä, se on ehdolla Grammy-palkinnon saajaksi ja se sijoittuu kriitikoiden äänestyksissä.

Miten oud matkusti näihin kaukaisiin paikkoihin? Miten sen vaikutus on ulottunut vuosisatojen yli?

Oud kulki itään legendaarista Silkkitietä pitkin, muinaista kauppareittiä, joka ulottui Lähi-idästä Kiinaan ja käsitti Intian, Euroopan, Mongolian ja Japanin. Se kulki myös merireittejä pitkin. Eurooppaan se päätyi ristiretkeläisten ja trubaduurien mukana, jotka epäilemättä käyttivät sitä laulujensa säestämiseen. Tuhansien vuosien ajan kauppiaat kulkivat kulttuurien välillä ja kävivät kauppaa tavaroilla. Ja tietysti soittimet kulkivat mukana. Vaikka alkuperäisiä kiinalaisia luuttua muistuttavia soittimia oli luultavasti olemassa jopa 2 000 vuotta sitten, kiinalainen pipa-virtuoosi Gao Hong sanoi: ”Oud on pipa:n juuri”.

”Kiinaan saapunut toinen luuttutyyppi, nelikielinen/päärynänmuotoinen luuttu, on muodoltaan ja kielten lukumäärältään suorimmin sukua nykyaikaiselle pipalle”, John E. Myers kirjoitti kirjassaan The Way of the Pipa. ”Varhaisimmat kuvat päärynänmuotoisesta pipasta löytyvät veistoksista Gandharasta, kuningaskunnasta, joka oli olemassa suunnilleen samaan aikaan Han-dynastian kanssa.” Gandhara sijaitsi nykyisen Afganistanin alueella. Kiinasta pipa löysi tiensä Japaniin, jossa siitä tuli biwa; Vietnamissa sitä kutsuttiin tybaksi ja Koreassa bipaksi.

AL-ANDALUS JA EUROOPPA

Läntisessä maailmassa oud oli eurooppalaisen luuttun suora esi-isä; leveämpää sormilautaa lukuun ottamatta luuttu näyttää täsmälleen oudilta. ”Länsi-Eurooppa on sekä soittimen että sen nimen velkaa arabialaiselle al-udille, kuten näemme portugalilaisessa alaudissa, espanjalaisessa laudissa, saksalaisessa Lauteissa, hollantilaisessa Luitissa, tanskalaisessa Lutissa, italialaisessa liutossa, englantilaisessa luuttussa ja ranskalaisessa luthissa”, kirjoitti maineikas brittiläinen musiikkitieteilijä Henry George Farmer, joka on tunnettu siitä, että hän on maininnut arabiankielisen musiikin vaikutuksen Euroopan musiikillisiin perinteisiin. Luuttu oli aikoinaan erittäin suosittu ja tärkeä soitin eurooppalaisessa musiikissa. Englantilainen John Dowland oli loistava luuttusäveltäjä, samoin saksalainen Sylvius Leopold Weiss, Bachin aikalainen. Bach itse kirjoitti useita mestariteoksia luuttulle.

Profeetta Muhammedin kuoleman jälkeen islam levisi kauas Keski-Aasiasta Espanjaan, ja oud kulki mukana. Bagdadista tuli idässä pääkaupunki, ja Espanjassa, jota arabit kutsuivat Al-Andalukseksi, Cordobasta tuli suuri kulttuurin ja koulutuksen keskus kahdeksannen vuosisadan puolivälissä.

Farmer totesi, että monet eurooppalaiset muusikot opiskelivat musiikkia Cordoban yliopistossa. Epäilemättä jotkut heistä veivät oudit mukanaan kotimaahansa. Yksi legendaarisimmista oudin soittajista, Ziryab, muutti Bagdadista Cordobaan vuonna 822 riideltyään opettajansa Ishaq Al-Mawsilin kanssa, jota oppilaansa loistokkuus uhkasi syvästi. Ziryab (Mustarastas) perusti musiikkikoulun, jossa opetettiin sekä miehiä että naisia. Hän myös lisäsi oudiin viidennen sävelen ja alkoi käyttää soittimena kotkan sulkia. Hänen luomansa musiikkimuodot vaikuttivat vuosia Espanjassa ja Pohjois-Afrikassa. Hän oli aikanaan erittäin suosittu hahmo, ja hän oli innovaattori myös muodin ja hyvän ruokailun aloilla.

Arabit käänsivät monien kreikkalaisten kirjailijoiden, kuten Homeroksen, Platonin, Aristoteleen ja muiden, teoksia vuosia ennen kuin eurooppalaiset käänsivät ne latinaksi. Mitä tulee varhaisiin asteikkoja, intervalleja ja virityksiä koskeviin teorioihin, kreikkalainen filosofi/matemaatikko Pythagoras Samoslainen oli ylivoimainen hahmo, sillä hänen ajatuksensa vaikuttivat arabeihin, eurooppalaisiin, intialaisiin ja muihin aina tähän päivään asti. Periaatteessa Pythagoras otti harmonisen sarjan neljä ensimmäistä säveltä (C-C-G-C) ja loi suhteiden 2:1, 3:2 ja 4:3 (oktaavi, täydellinen viidesosa ja täydellinen neljäsosa) muodostamista väleistä asteikkojärjestelmän, joka muokkasi tapaa, jolla arabialaiset ja eurooppalaiset muusikot virittivät soittimensa. Siitä pääsemmekin…

MIKROTONIT JA OUD

Yksi merkittävimmistä eroista itäisen ja länsimaisen musiikin välillä on niiden asteikkojen intervallirakenteet. Länsimaisessa järjestelmässä käytetään niin sanottua 12-sävelistä ekvivalenttitemperamenttia, mikä tarkoittaa, että jokaisella nuotilla on täsmälleen sama matemaattinen etäisyys toisistaan (toisin sanoen 12 puoliaskelta oktaavin sisällä). Yhtäläinen temperamentti kehittyi aikaisemmista järjestelmistä, alkaen pythagoralaisesta, jossa intervalleja ei ole temperoitu alkuperäisestä tilastaan, meantone- ja well-temperamenttien kautta (J.S. Bach kirjoitti ”Well Tempered Clavierin” well-temperamentilla, ei yhtäläisellä temperamentilla, kuten usein luullaan – ja ero on olemassa). Intervallien ”temperointi” tarkoittaa intervallien välisten etäisyyksien hienovaraista muuttamista, jolloin soinnut kuulostavat paremmin soinnutetuilta kaikissa sävellajeissa. Eurooppalaiset loivat vuosien varrella satoja erilaisia temperoituja järjestelmiä, joista monissa ei ollut tasavälisiä intervalleja. Nykyään länsimaiset soittimet on viritetty 12-äänikertaisella tai tasatemperoidulla asteikolla. Uskotaan, että luuttut olivat ensimmäisiä soittimia, joissa käytettiin 12-sävelistä tasaäänijärjestelmää, koska oli melko yksinkertaista sijoittaa bundit samoille etäisyyksille.

Pythagoraanisessa virityksessä asteikot muodostetaan 5. sävelen intervallien pinoamisella. Alkaen C:stä, ylöspäin mentäessä se olisi C-G-D-A-E-B-F#, jatkuen niin pitkälle kuin halutaan mennä. Arabit menivät myös alaspäin 5. asteilla, C-F-Bb-Eb-Ab, Db, Gb ja alempana. Länsimaisessa musiikissa tämä tunnetaan ”viidesosien kehänä”, mutta luonnollisessa tilassaan se on itse asiassa viidesosien ”spiraali”; kun soittimet perustavat asteikkonsa luonnollisesti esiintyviin yliaaltosarjojen suhteisiin, ne eivät ole tasaisin välein – niissä on pienempiä välejä kuin tavallisessa länsimaisessa 12-sävelisessä systeemissä, ja tästä ovat saaneet alkunsa sellaiset termit kuin ”mikrotonus” ja ”varttitoni”.

Koska arabialaisessa ja intialaisessa musiikissa ei perinteisesti käytetty sointuja, näitä mikrotonaalisia intervalleja käytettiin niiden asteikoissa hienovaraisempien melodisten vivahteiden aikaansaamiseksi kuin länsimaisessa musiikissa. Arabialaiset teoreetikot, kuten Ishaq al Kindi (k. 874) ja Abu Nasr al Farabi (k. 950), käyttivät sormitettua oudia monien erilaisten asteikkojen luomiseen, joissakin jopa 22 sävelen asteikolla oktaavia kohti. Oudilla käytetyn arabialaisen perussävyjärjestelmän ajatellaan usein olevan 17-äänikertainen ja epäsymmetrinen asteikko. Viritykset voivat kuitenkin olla vieläkin monimutkaisempia. The Music of The Arabs -teoksessa kirjailija Habib Hassan Touma sanoo: ”Erityisesti syyrialaiset jakoivat oktaavin 53 vastaavaan askeleeseen.” On elintärkeää muistaa tämä, kun tutkii ja kuuntelee oudilla soitettua musiikkia… Intervallit eivät yleensä ole samat kuin länsimaisessa temperoidussa asteikossa.

Mikä on siis suuren osan arabialaisen, turkkilaisen ja keskiaasialaisen musiikin vastaava perusta?

MAQAM-KONSEPTI

Maqam on samankaltainen kuin intialaisessa musiikissa esiintyvä raga siinä mielessä, että esitykset perustuvat asteikkoihin/moodeihin, joilla on nimiä, kuten rast, ajam, nahawand, kurd jne. Nämä liittyvät erilaisiin länsimaisiin asteikkoihin, kuten duuriin ja harmoniseen molliin, mutta intervallit eivät ole tasavälisiä. Maqamin soittaminen on kuitenkin paljon muutakin kuin pelkkää asteikon yli improvisointia. Jokaiseen maqamiin liittyy melodisia fraaseja, ensisijaisia ja toissijaisia nuotteja sekä erityisiä tapoja moduloida pois ensisijaisesta maqamista (ja palata siihen). Ja tietysti monet mikrotonaaliset taivutukset maqamien välillä lisäävät syvyyttä ja väriä. Esimerkiksi persialainen säveltäjä Safi Al-Din luetteloi 800 vuotta sitten 84 melodista moodia. Iranissa he kutsuvat modaalista asteikkojärjestelmäänsä ”dastgahiksi”. Keski-Aasiassa termiä ”Shashmaqam” käytetään kuvaamaan modaalijärjestelmää, ja sillä voi olla myös syviä hengellisiä merkityksiä.

Jotkut 1900-luvun oud-mestareista, kuten Yorgo Bacanos ja Udi Hrant (myös sielukas laulaja), viettivät uransa Turkissa, kuten myös Egyptistä kotoisin oleva George Michel. Armenialaiset John Berberian ja George Mgrdichian asuivat ja esiintyivät Yhdysvalloissa. Yksi vaikutusvaltaisimmista mestareista on irakilainen Munir Bashir, jonka katsotaan usein tuoneen oudin laajemmalle yleisölle 1900-luvulla. Kirjailija Hassan Touma kutsuu Bashirin maqam-esityksiä ”syvällisiksi meditaatioiksi, jotka filosofoivat luuttulla ja joilla on mystinen ilmaisullinen sisältö”. Nuori Bashir sai vaikutteita Sharif Muhyiddin Haydarilta, joka perusti vuonna 1934 Bagdadin musiikkiakatemian. Hän opiskeli myös länsimaista musiikkia Budapestissa (ja väitteli tohtoriksi) ”…toivoen voivansa luoda sillan länsimaisen kuulijan ja oman musiikkimme välille”, hän sanoi. Bashir ja hänen veljensä Jamil jatkoivat opettamista Bagdadin akatemiassa, jossa länsimaisen musiikin opiskelu on osa opetussuunnitelmaa, ja heidän oppilaansa ovat nykyään myös aktiivisia oud-taiteilijoita.

Yksi näistä oppilaista on Rahim Alhaj, joka suoritti vuonna 1989 sävellysopinnot akatemiassa; Saddam Husseinin hallinnon kanssa ilmenneiden ongelmien vuoksi hän lähti Irakista vuonna 1991 ja asuu nykyään Albuquerquessa esiintyen eri puolilla maailmaa. Alhajilla on syvä ymmärrys perinteisestä maqam-musiikista.

”Perinteen musiikillinen ja esteettinen tarkoitus on rauhoittaa sielua”, hän sanoi. ”Kun sielu on rauhoittunut, vasta sitten olet todella sisällä maqamissa.” Vuonna 2009 hänelle myönnettiin Yhdysvaltain taiteilijoiden Ford-säätiön apuraha, hän on esittänyt sävellyksiään oudille ja jousille Kennedy Centerissä, ja hänellä on ollut kaksi Grammy-ehdokkaana olevaa albumia – toinen niistä on duettoja sisältävä levy intialaisen sarod-mestarin Amjad Ali Khanin kanssa. Hänen viimeisimmällä levyllään Little Earth oud soi monissa yhteyksissä, muun muassa jazzkitaristi Bill Frisellin, REM:n Peter Buckin ja pipa-virtuoosi Liu Fangin kanssa sekä duettoja sitarin, koran, neyn, didjeridun ja harmonikan kanssa. Alhaj on ainutlaatuinen silta menneisyyden ja tulevaisuuden välillä, ja hän on hyvin aktiivinen nykypäivän maailmanmusiikkikentällä.

Naseer Shamma on myös valmistunut Bagdadin akatemiasta. Alhaj kutsuu häntä ”yhdeksi maailman parhaista oudin soittajista”. Kuuntelu hänen kappaleestaan ”Al-’Amiriyya” Le luth de Bagdad -teoksesta vahvistaa tunnetta. Shamman kunnianosoitus Operaatio Aavikkomyrskyn ilmahyökkäyksessä menehtyneille lapsille on ehkä lähimpänä sitä, että akustinen soitin pääsee koskaan kuulostamaan Hendrixiltä. Hän pitää Kairossa Beit el Oud (Oudin talo) -nimistä koulua, ja hänen oppilaidensa joukossa on Muhammed Abozekryn ja Yousif Abbasin kaltaisia ihmelapsia, jotka ravistelevat maailmaa soittamalla oudillaan Mozartia ja hip hopia.

Palestiinalaissyntyinen Simon Shaheen on toinen maestro, jolla on syvät juuret perinteisessä musiikissa, mutta joka on tehnyt yhteistyötä sellaisten taiteilijoiden kuin intialaisen slidekitaran mestarin Vishwa Mohan Bhattin ja basisti-ässäilijä Bill Laswellin kaltaisten artistien kanssa. Hän on kirjoittanut sinfonioita oudille, ja hän on suorittanut tutkinnot Manhattan School of Musicissa ja Columbian yliopistossa. Hän on myös viuluvirtuoosi ja opettaa Berkleen jousiosastolla. Yurdal Tokcan on palkittu turkkilainen soittaja, jolla on upea tekniikka ja joka on kiertänyt laajalti, suorittanut tutkinnon Istanbulin teknillisessä yliopistossa ja säestänyt turkkilaista ney-mestaria Kudsi Erguneria. Ja vaikka marokkolainen Hassan Erraji on perehtynyt hyvin perinteisiin, hänen trionsa Arabesque on niin lähellä oudin voimatrioa kuin voit todennäköisesti kuulla, ja heidän CD-levyllään Nikriz esiintyy Ralph Mizrakin erinomainen fretless-bassonsoitto.

Ei ole yllättävää, että oud on esiintynyt myös flamencomaailmassa. Flamencossa on aina ollut vahva arabivaikutus, joten oud sopii siihen luonnollisesti. Kitaristit Chris Carnes, Carlos Lomas ja edesmennyt Paco de Lucia levyttivät kaikki oudin kanssa vuonna 1976. Kitaristi Juan Martin soitti ja levytti oud-soittaja Abdul Salam Kheirin kanssa, joka työskenteli myös Jimmy Pagen ja Robert Plantin kanssa. Mitä tulee bluesiin, ei näytä siltä, että oud olisi vaikuttanut paljon sen varhaisiin afrikkalaisiin juuriin, vaikka sudanilaiset oudin soittajat/laulajat, kuten Muhamed el Amin ja Abdel Gadir Salim, voivat molli-pentatonisine asteikkoineen ja droning-rytmeineen hyvinkin muistuttaa kuulijaa Lightnin’ Hopkinsista ja Son Housesta. Pentatonisia asteikkoja esiintyy kaikkialla Afrikassa, samoin kuin useita luuttuja, kuten ngoni, xalam ja ekonting. Ekonting näyttäisi olevan hapsuttoman banjon esi-isä, joka alkoi esiintyä Karibialla 1600-luvun alussa. Tutkija Sylvaine Dioufin mukaan on myös mahdollista, että muslimiorjat muuttivat islamilaisen rukouskutsun kenttähuudoiksi, mikä viittaisi yhteyteen arabialaisiin musiikkikäytäntöihin. Tämä on tietysti laaja alue, jota on syytä tutkia lisää, ja Gerhard Kubikin kirja Africa and the Blues on suositeltavaa luettavaa.

THE OUD: STILL TRAVELING

Kuusiatuhatta vuotta myöhemmin oud pääsee yhä uusiin paikkoihin, kuten Downbeat-lehden 61. vuotuiseen Critic’s Poll -kriitikkokilpailuun vuonna 2013, jossa Rabih Abou-Khalil, Anouar Brahem ja Omer Avital sijoittuivat eri soittimien kategoriassa. Egyptiläissyntyinen Joseph Tawadros asuu Sydneyssä, Australiassa, ja hän on levyttänyt Mike Sternin, Bela Fleckin, John Abercrombien ja Richard Bonan kanssa. Kitaristi/oud-soittaja Beau Bledsoe esiintyy Kansas Cityn alueella; hänen Alaturka-yhtyeensä soittaa turkkilaisia rytmejä ja jazz-improvisaatioita. Yoshiko Matsuda asuu Japanissa ja opiskeli Tunisiassa oud-maestro Ali Sritin johdolla. Hänen trionsa Le Club Bachraf esittää perinteistä pohjoisafrikkalaista musiikkia. Mustafa Stefan Dill asuu Santa Fessä ja soittaa oudillaan maqam-pohjaisia alkuperäissävellyksiä. Ehkä kauimmalla vaelluksellaan oud löysi tiensä suomalaisen oudin soittajan ja fretless-kitaristin Jussi Rejoisen käsiin, joka on opiskellut Simon Shaheenin johdolla ja asuu nykyisin Bostonissa.

Ehkä fretless-kitara liittyy nyt pipan, biwan ja luuttun seuraan, kun muinainen oud ottaa paikkansa 2000-luvulla jälleen uudessa muodossa, joka voi tavoittaa potentiaalisesti valtavan määrän uutta yleisöä. Erkan Ogurin, Jon Catlerin, Ned Evettin ja Jack Mazzengan kaltaiset fretless-virtuoosit raivaavat uusia musiikillisia polkuja. Jeff Beckin uusimmassa yhtyeessä soittaa sveitsiläissyntyinen fretless-kitaristi Nicolas Meier. Beckin arabialaiselta kuulostava kitara Yardbirdin ”Over Under Sideways Down” -kappaleessa toi itämaiset soundit rockyleisölle vuonna 1966.

Sumerista nykyaikaisiin rock-konsertteihin, oud on edelleen vaikuttava ääni musiikissa ympäri maailmaa.