On olemassa ja on edelleen monia musiikkikappaleita, joissa laulajan ei tarvitse laulaa sanoja lainkaan. Sen sijaan säveltäjät voivat ohjata esiintyjiä tuottamaan kaikenlaisia ääniä hyräilystä huutoon ja mielettömään lörpöttelyyn. Tätä ääripäätä pidettäisiin ”laajennettuna tekniikkana” kenelle tahansa laulajalle, mutta italialainen säveltäjä Luciano Berio kirjoitti erittäin lahjakkaalle vaimolleen Cathy Berberianille täysin hämmästyttävän sävellyksen nimeltä ”Sequenza III for Voice” (1966).

Tässä sävellyksessä sopraanosolistia pyydetään kirjaimellisesti esittämään mitä tahansa tavanomaisesta laulamisesta nauramiseen, hengityksen alle mutisemiseen ja huokaamiseen. Voit kuunnella teoksen esityksen täältä ja seurata myös partituuria.

Välittömämmin ajatellen mieti, kuinka monta laulua tai kuorokappaletta kuulet, joissa laulajat vain hyräilevät tai kenties tuottavat ”ah”-, ”ooh”- tai ”ee”-äänen säestykseksi päääänille. Populaarimusiikin ”taustalaulajien” käytäntö lisää kappaleeseen paitsi tukisointuja myös lämpimän taustaääniseinän, joka täyttää miksauksen tavalla, joka on täysin inhimillisempi. 1950-luku näytti erikoistuneen siihen, että taustalaulajia pyydettiin esittämään monenlaisia outouksia, kuten ”do-wop”, ”sho-be-do” ja muita ajattomia lisäyksiä, joita voi kuulla monilla tuon ajan populaarimusiikin hittilevyillä. Hiljattain poikabändi Hanson teki listahitin kappaleellaan ”MMMBop”. Vaikka tässäkin kappaleessa oli sanoja, kertosäe oli pääosin sanaton.

Sanaton laulu on yleistä jazzissa. Täällä tekniikalla on nimi, joka on ’scat-laulaminen’. Scat-laulamisen ideana on, että jazzlaulaja matkii bändin soittajien soittamia ääniä. Sen lisäksi, että he voivat matkia instrumentalistien ääniä, he usein myös improvisoivat aivan samalla tavalla kuin instrumentalistit. Yksi merkittävimmistä jazz-scat-laulajista on Ella Fitzgerald, jonka lähestymistapa improvisointiin on erittäin hiottu ja hienostunut. Tässä versiossa kappaleesta ”Flying Home” Ella Fitzgerald esittää huikean hyvän esityksen.

Scat ei ole jazzlaulajattarien erikoisalaa. Kuuluisa Mel Tormé tekee loistavan esimerkin siitä, miten scatataan klassisen jazz-kappaleen ’Autumn Leaves’ kohdalla.

Klassisen musiikin maailmassa sanat voidaan usein laajentaa niin sanotuiksi melismeiksi. Muista, että konsonanttia on mahdotonta laulaa, joten on sekä musiikillisesti että fyysisesti järkevää pidentää sanan laulettavaa osaa: vokaalia. Säveltäjät käyttävät näitä melismeja usein kiinnittääkseen huomiota tiettyyn sanaan ja/tai korostaakseen sen merkitystä. Sen sijaan, että jokainen tavu asetettaisiin yhdelle sävelelle, melisma ottaa yksittäisen vokaalin ja venyttää sitä usean sävelen verran. Esimerkiksi William Byrd käyttää tätä tekniikkaa hyvin monissa pyhissä messuissaan. Kolmiäänisen messunsa loppuosassa Byrd venyttää viimeisen ”aamenin” usean tahdin mittaiseksi.

Kun tarkastellaan musiikkia, jota lauletaan ilman sanoja, tämä tekniikka tekee tiettyjen sanojen ja musiikin osien ymmärtämisestä enemmänkin äänestä kuin tietystä sanasta. Tällöin musiikista tulee melkeinpä tärkeämpää kuin sävelletyistä sanoista, vaikka Byrdin tapauksessa tämä ei olisi voinut olla kauempana hänen mielestään.

Klassisessa musiikissa termi ”vokalisointi” viittaa lauluun, jossa käytetään säännöllisesti yhtä vokaalia kehittämään jotakin vokaalitekniikan osa-aluetta tai jopa pelkkiä ääniä sanojen sijasta. Ehkä tunnetuin tämän tyylilajin lauluista on Rahmaninovin ”Vocalise” Op. 34 vuodelta 1912.

Tämä on neljäntoista laulun sarja, jossa säveltäjä ei pyydä erityisiä sanoja. Sen sijaan Rahmaninov ohjeistaa laulajaa valitsemaan oman vokaalinsa, jolla hän laulaa koko kappaleen. Tässä on lämmin ja ilmeikäs esitys numerosta 14, kuuluisasta ”Vocalise”-laulusta, tässä alkuperäisen pianosäestyksen sijaan orkesterisoitossa.

Rachmaninov ei ole ainoa säveltäjä, joka on tutkinut sanattoman laulun käyttöä. Stravinsky sävelsi vielä Rimski-Korsakovin valvovan katseen alaisena ihastuttavan ja ytimekkään ”Pastoraalin” sopraanolle, oboelle, käyrätorvelle, klarinetille ja fagotille.

Laajemmassa mittakaavassa ranskalainen impressionistinen säveltäjä Claude Debussy käyttää sanatonta naiskuoroa herättävässä orkesterisävellyksessään ”Sirenes” (Nocturne No.3).).

Sanattomien laulajien käyttäminen on nykyäänkin innostava haaste säveltäjille. Amerikkalainen säveltäjä Stephen Montague kirjoitti teoksen nimeltä ’Tigida Pipa’ (1993), joka on sävelletty vokaaliyhtyeelle ja esinauhoitetulle nauhalle.

Käyttämällä sekoitusta luonnossa esiintyviä orgaanisia ääniä nauha luo tekstuuritaustan, jota vasten laulajat esittävät laajan valikoiman ääniä, naksahduksia, poksahduksia ja monia muita vokaalisesti tuotettuja ääniä. Kyseessä on erittäin mukaansatempaava, rytmikäs teos, jota on hauska esittää ja yhtä lailla nautittavaa kuunnella.

Kuoron teksturaalinen vaikutus lisää syvyyttä ja salaperäisyyttä jo ennestään värikkääseen ja luovaan partituuriin. Se tekee myös kappaleen otsikon entistä ilmeisemmäksi.

Elokuvissa sanaton laulu on esiintynyt monesti. Yksi tunnetuimmista elokuvasävellyksistä tässä yhteydessä on Ennio Morriconen alkuteema elokuvasta ”Olipa kerran lännessä”.

Mikäli todennäköistä, Morricone sai inspiraationsa Rachmaninovin vokaalista, mutta tämä laulu antaa sävyn yhdelle Sergio Leonen loistavimmista länkkäreistä.

Palatakseni populaarimusiikin maailmaan haluaisin jättää teille vielä pari muuta sanatonta kappaletta, jotka tekivät kuuntelevaan yleisöön pysyvän vaikutuksen. Ensinnäkin My Chemical Romance -yhtye ja heidän kappaleensa ”Na, Na, Na”.

Todellakin tässä kappaleessa on sanat säkeistössä, mutta kertosäe ja taustalaulu koostuvat vain otsikon sanoista. Samoin Police-yhtyeen kappaleessa ’Do, do, do’ omaksutaan samanlainen asenne kertosäkeistön osalta, ja siinä on myös enemmän kuin ripaus kuivaa huumoria.