Ellsworth Kelly, considéré comme l’un des grands artistes américains du XXe siècle pour son travail de pionnier dans la peinture et la sculpture minimalistes, est décédé dimanche dans sa maison de Spencertown, à New York, à l’âge de 92 ans. Reconnu pour son utilisation vive de blocs géométriques et de couleurs intenses, Kelly a construit pendant sept décennies une réputation pour l’abstraction colorée et les œuvres qui explorent l’essence de leurs sujets.

Ses premières œuvres d’art ont été créées au service des États-Unis, dans le cadre d’une unité spéciale de camouflage en France pendant la Seconde Guerre mondiale. Kelly et ses collègues soldats-artistes avaient pour mission de tromper les Allemands – en utilisant du caoutchouc et du bois pour construire de faux chars et camions – en leur faisant croire que les multitudes de troupes alliées sur le champ de bataille étaient beaucoup plus grandes que la réalité. Si cette formation précoce semble peu conventionnelle pour un artiste, elle s’est avérée appropriée pour Kelly.

« Il était capable de comprendre qu’il y avait ces réalités qui, pour la plupart d’entre nous, sont camouflées », explique Virginia Mecklenburg, conservatrice en chef au Smithsonian American Art Museum. « Il évoquait ces réalités – une sensation distincte de gravité, ou la physique du poids et de l’élan auxquels nous pensons rarement en termes tangibles. Il était capable de faire passer cela. »

Après son service, Kelly s’inscrit à l’école du Museum of Fine Arts de Boston et retourne à Paris en 1948, absorbant un éventail d’influences, notamment Picasso et Matisse, l’art asiatique et les églises romanes. Il revient aux États-Unis et présente sa première exposition personnelle en 1956. Trois ans plus tard, l’œuvre de Kelly est incluse dans l’exposition 16 Americans du Museum of Modern Art (MoMA). Ses œuvres abstraites géométriques, ainsi que celles d’autres peintres américains, dont Ad Reinhardt et Brice Marden, ont été surnommées « hard-edge painting » par l’historien de l’art Jules Langsner en 1959.

Tout au long des années 1960, il s’est taillé une niche distincte des mondes artistiques de New York et de Paris. Mecklenburg dit que ce qu’elle trouve remarquable dans son travail, c’est la façon dont il épure l’architecture, les images et autres visuels qu’il voit dans le monde et dans l’art, les transformant en abstractions directes et viscérales. En utilisant des couleurs de base – bleu, vert, blanc, noir – et des toiles uniques (il s’est ensuite tourné vers les toiles multiples et la sculpture), il a créé des déclarations qui étaient « moins descriptives qu’évocatrices », comme elle le dit.

« Il faut du temps pour les regarder, mais une fois que vous prenez du recul, vous réalisez que vous regardez quelque chose que vous avez vu maintes et maintes fois », dit Mecklenburg, en donnant l’exemple de la peinture de 1961 « Bleu sur blanc » exposée à l’American Art Museum, qui évoque selon elle une feuille qui se déploie. « Tout à coup, vous commencez à comprendre, si vous dissociez les idées narratives, à quel point l’impulsion visuelle est forte chez chaque être humain. »

Il a exposé à la Biennale de Venise en 1966 (et en exposera trois autres les années suivantes), a eu sa première rétrospective américaine au MoMA en 1973, et sa première grande rétrospective européenne au Stedelijk Museum d’Amsterdam six ans après.

« Ellsworth Kelly a fait la transition entre l’abstraction géométrique d’après-guerre et le mouvement minimaliste qui a débuté au début des années 1970 », explique Valerie Fletcher, conservatrice principale au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, qui possède 22 œuvres de Kelly, dont « White Relief over Dark Blue » de 2002, exposé au troisième étage du musée, et une sculpture sans titre de 1986 exposée dans le jardin. « Si vous regardez ses peintures par rapport à d’autres de sa génération, elles sont beaucoup plus simples. »

Certaines de ces œuvres prennent une qualité « totémique », comme le décrit Mecklenburg, pointant du doigt « Memorial », sa sculpture murale de quatre panneaux blancs au United States Holocaust Memorial Museum. « Comment parler d’une chose de cette ampleur ? » demande-t-elle. « Il y a soit un million de mots, soit aucun mot, et il n’a choisi aucun mot. »

Son approche simple et géométrique a eu un impact sur la prochaine génération de minimalistes-Frank Stella, Donald Judd et d’autres-avec des œuvres qui exploraient l’essence des idées ou des émotions de manière tangible et tactile.

« Il a eu un impact énorme sur le monde de l’art, mais l’œuvre parle de manière viscérale à quiconque la regarde », ajoute Mecklenburg. « Je dois dire qu’il y a un sentiment de joie et d’énergie dans la plupart de ses œuvres. Vous revenez en quelque sorte au centre lorsque vous le regardez ».