Ellsworth Kelly, considerato uno dei grandi artisti americani del XX secolo per il suo lavoro pionieristico nella pittura e scultura minimalista, è morto domenica nella sua casa di Spencertown, New York, all’età di 92 anni. Riconosciuto per il suo uso vivido di blocchi geometrici e colori intensi, Kelly ha costruito nel corso di sette decenni una reputazione per l’astrazione colorata e le opere che esploravano l’essenza dei loro soggetti.

Le sue prime opere d’arte sono state create al servizio degli Stati Uniti, come parte di una speciale unità mimetica in Francia durante la seconda guerra mondiale. Kelly e i suoi compagni artisti-soldati avevano il compito di ingannare i tedeschi – usando gomma e legno per costruire falsi carri armati e camion – facendogli credere che le moltitudini di truppe alleate sul campo di battaglia fossero molto più grandi della realtà. Anche se questa sembra una formazione precoce non convenzionale per un artista, si è dimostrata adatta a Kelly.

“Era in grado di capire che c’erano queste realtà che per la maggior parte di noi sono camuffate”, dice Virginia Mecklenburg, capo curatore allo Smithsonian American Art Museum. “Evocava queste realtà – una sensazione distinta di gravità, o la fisica del peso e della quantità di moto a cui raramente pensiamo in termini tangibili. Dopo il suo servizio, Kelly si iscrisse alla School of the Museum of Fine Arts di Boston e tornò a Parigi nel 1948, assorbendo una serie di influenze, tra cui Picasso e Matisse, arte asiatica e chiese romaniche. Tornò negli Stati Uniti e presentò la sua prima mostra personale nel 1956. Tre anni dopo, il lavoro di Kelly fu incluso nella mostra 16 Americans del Museum of Modern Art (MoMA). Le sue opere geometriche astratte, insieme a quelle di altri pittori americani tra cui Ad Reinhardt e Brice Marden, furono soprannominate “hard-edge painting” dallo storico dell’arte Jules Langsner nel 1959.

Per tutti gli anni ’60, si ritagliò una sua nicchia separata dal mondo dell’arte di New York City e Parigi. Mecklenburg dice che ciò che trova notevole nel suo lavoro era il modo in cui riduceva l’architettura, le immagini e altre immagini che vedeva nel mondo e nell’arte, trasformandole in astrazioni dirette e viscerali. Usando colori di base – blu, verde, bianco, nero – e tele singole (più tardi si spostò in tele multiple e scultura) creò dichiarazioni che erano “meno descrittive che evocative”, come lei dice.

“Ci vuole tempo per guardarli, ma una volta che fai un passo indietro, ti rendi conto che stai guardando qualcosa che hai visto più e più volte”, dice Mecklenburg, dando l’esempio del dipinto del 1961 “Blue on White” in mostra all’American Art Museum, che lei dice evoca una foglia che si apre. “All’improvviso si comincia a capire, se si dissociano le idee narrative, quanto sia forte l’impulso visivo in ogni essere umano”.

Ha esposto alla Biennale di Venezia nel 1966 (e ne avrebbe esposte altre tre negli anni successivi), ha avuto la sua prima retrospettiva americana al MoMA nel 1973 e la sua prima grande retrospettiva europea allo Stedelijk Museum di Amsterdam sei anni dopo.

“Ellsworth Kelly ha fatto la transizione dall’astrazione geometrica del dopoguerra al movimento minimalista iniziato nei primi anni ’70”, dice Valerie Fletcher, curatore senior dell’Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, che possiede 22 opere di Kelly, tra cui “White Relief over Dark Blue” del 2002, esposto al terzo piano del museo, e una scultura senza titolo del 1986 esposta nel giardino. “Se si guardano i suoi dipinti rispetto ad altri della sua generazione, sono molto più semplici”

Alcune di queste opere assumono una qualità “totemica”, come la descrive Mecklenburg, indicando “Memorial”, la sua scultura murale di quattro pannelli bianchi al Museo dell’Olocausto degli Stati Uniti. “Come si fa a parlare di qualcosa di quella grandezza? “

Il suo approccio semplice e geometrico ha avuto un impatto sulla successiva generazione di minimalisti – Frank Stella, Donald Judd e altri – con opere che esploravano l’essenza delle idee o delle emozioni in modo tangibile e tattile.

“Ha avuto un enorme impatto sul mondo dell’arte, ma il lavoro parla in modo viscerale a chiunque lo guardi”, aggiunge Mecklenburg. “Devo dire che c’è un senso di gioia e un senso di energia in gran parte del suo lavoro. In un certo senso si ritorna al centro quando lo si guarda.”

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