中世音楽（1150-1300）
Ars Antiqua
1150 年から1250 年にノートルダム派のポリフォニーで花が開いたとき、ゴシック建築が素晴らしい業績をあげていました。 実際、活動の中心はノートルダム大聖堂そのものであった。 この時代の音楽は、パリ派、あるいはパリ・オルガヌムと呼ばれることもあり、一般に古楽器と呼ばれるものの始まりとなった。 8198>
この時期は、比例、テクスチャー、建築的効果に注意した形式的な構造の概念が発達した時期でもある。 この時代の作曲家は、華麗なオルガヌムとディスカント・オルガヌム（華麗なタイプに見られる、長く保持された音符に対する多くの音符のメリスマの連続に対して、より多くの音符に対する音符）を交互に演奏し、いくつかの新しい音楽形式を作り出しました。クラウスラ（clausulae）はオルガナのメリスマ部分を抽出し、新しい言葉とさらなる音楽の精巧さを取り入れたもの、コンダクトス（conductus）は1人または複数の声部がリズミカルに歌える歌、おそらくある種の行列、そしてトロペは古い聖歌に新しい言葉や時には新しい音楽を追加したものである。 1つのジャンルを除いて、これらのジャンルはすべて聖歌に基づいています。つまり、声部の1つ（通常は3声、時には4声）が、ほとんど常に最も低い声（この時点ではテノール）が、自由に音価を設定した聖歌のメロディーを歌い、他の声部はその上にオルガヌムを歌います。 この方法の例外は、全体が自由に作曲された2声部のコンダクトゥスである。
中世からルネサンスにかけての最も重要な音楽形式のひとつであるモテットは、まずノートルダム時代に、クラウスラ、特にペロタンが考案した多声部を用いた形式から発展した。ペロタンは、前任者（大聖堂のカノン）レオナンの長い華麗なクラウスラの多くを、ディスカン形式の代用曲に置き換えることによってこの形式の道を切り開いた。 この代用歌は、次第に一冊の本となり、様々な聖歌の中に挿入されるようになった。 そのため、ミサ曲の他の部分や個人的な祈りで使われるようになったのでしょう。 こうして実践されたクラウスラは、典礼以外の言葉を用いて表現されるとモテットとなり、14世紀のアルス・ノーヴァの時代には、さらに精巧、洗練、繊細な形式へと発展していったのである。
この時代の現存する写本には、モンペリエ写本、バンベルク写本、ラス・ウエルガス写本などがあります。
この時代の作曲家には、レオナン、ペロタン、W・ド・ウィカム、アダム・ド・サン・ヴィクトル、ペトルス・ド・クルス（ピエール・ド・ラ・クルス）などがいます。 ペトリュスは、ブレーヴの長さに合わせて3つ以上のセミブレーヴを書くという革新を行ったとされる。 不完全テンプスの考案よりも前に、この方法は、現在「ペトロン風」と呼ばれるモテットの時代を切り開いた。 13世紀末の作品で、3部から4部で構成され、複数のテキストが同時に歌われる。 本来は、テノール（ラテン語のtenere「保持する」に由来）が既存の典礼聖歌をラテン語で歌い、その上の1、2、あるいは3声のテキスト（voces organales）は、典礼の主題をラテン語あるいは現地語のフランス語で解説したものであった。 voces organalesのリズムは、テノールよりもデュプラム、デュプラムよりもトリプラムと、パートが増えるにつれて小さくなっていくが、このようなリズムの変化は、ヴォーチェ・オルガーナレスのリズムの特徴である。
ペトロニアン・モテットは、いくつかの半音階とリズム・モードが混在し、時には（頻度を増して）テノールの聖歌が世俗的な歌に置き換えられることから、非常に複雑なジャンルであると言える。 実際、リズムの複雑化は14世紀の基本的な特徴であるが、この間、フランス、イタリア、イギリスの音楽は全く異なる道を歩むことになる。
Cantigas de Santa Maria
Illustration from a Cantigas de Santa Maria manuscript
The Cantigas de Santa Maria (“Canticles of Holy Mary”) is four20 poems with musical notation.The Mixed by the Cantigas de Santa Maria, “Canti” de Canti, “Cantigas de Santa Maria”, “Canti” de “Cantigas de Santa Maria “は、譜面付きの詩。 Alfonso X El Sabio (1221-1284)の時代にガリシア語・ポルトガル語で書かれ、しばしば彼の作とされる。
中世のモノフォニック（独唱）歌曲集としては最大級のもので、すべての歌に聖母マリアが登場し、10曲目が賛美歌であることが特徴。
Troubadours and Trouvères
The music of the troubadours and trouvères was avernacular tradition of monophonic secular song, probably accompanied by instruments, sung by professional, sometimes itinerant, musicians they were skilled as poets as a singers and instrumentalists.The troubadours and trouvèresは単旋律俗謡の伝統で、楽器演奏もあり。 トルバドゥールの言語はオック語（langue d’oc、プロヴァンス語とも）、トルヴェールの言語は古フランス語（langue d’oilとも）であった。 トルバドゥールの時代は、12世紀から13世紀前半まで続いたプロヴァンスの文化的生活の開花期に相当する。 トルバドゥールの歌の典型的な題材は、戦争、騎士道精神、宮廷の愛であった。 トルバドゥールの時代は、異端者カタールを排除するために教皇イノセント3世が行ったアルビジェンヌ十字軍（北部の男爵が南部の富を収奪しようとした）の後に終わりを告げました。 トルバドゥールの生き残りは、ポルトガル、スペイン、北イタリア、北フランス（トルベールの伝統が残る）へと渡り、その技術と技能は、それらの地における後の世俗的な音楽文化の発展に貢献しました。
グルベールの音楽はトルバドゥールのそれと似ていますが、アルビゲンシアン・クルセードの影響を受けずに13世紀まで生き残ることができたとされています。
ミンネゼンガーの伝統は、西側のトルバドゥールやトルベールの活動に対応するゲルマン人の活動であった。 残念ながら、当時の資料はほとんど残っていません。ミンネザングの資料は、運動のピークから2～3世紀後のものがほとんどで、その正確さをめぐって論争が起きています。 現存するミンネ派の作曲家としては、ヴォルフラム・フォン・エッシェンバッハ、ワルター・フォン・デア・フォーゲルヴァイデ、ニーダハルト・フォン・ロイエンタールなどが挙げられる。
Trovadorismo
Troubador Peire Raimon de Toulouse
中世のイベリアではほぼすべての場所でガリシア語とポルトガル語が叙情詩に使われました。 この言語から、現代のガリシア語とポルトガル語が生まれました。
この流派の現存する最古の作品は、ポルトガル人João Soares de PaivaのOra faz ost’ o senhor de Navarraで、通常1200年の直前か直後のものと合意されています。 この流派のトルバドゥールは、オック地方のトルバドゥール(LeónやCastileの宮廷に出入りしていた)と混同されないように、ほとんどカンティガしか書きません。 13世紀の中頃から、カンターレやトロヴァとも呼ばれるこれらの歌は、カンシオーネイロ（歌集）として編集されるようになりました。 カンシオーネイロ・ダ・アジューダ』、『カンシオーネイロ・コロッチ＝ブランキューティ』（または『カンシオーネイロ・ダ・ナシオナル・デ・リスボア』）、『カンシオーネイロ・ダ・バチカナ』という3冊の歌集が知られている。 これらに加えて、400曲以上のガリシア語・ポルトガル語のカンティガが収められた「サンタ・マリアのカンティガ」は、アルフォンソ10世のものとする伝承がある。
ガリシア語・ポルトガル語のカンティガは、基本的に3つのジャンルに分けられます。男性の声で歌う愛の詩、cantigas de amor（またはcantigas d’amor）、女性の声で歌う愛の詩、cantigas de amigo（cantigas d’amigo） そして侮辱やあざけりの詩、cantigas d’escarnho e de mal dizer（カンティガス・デルカーニョ・エ・デ・マル・ダイザー）です。 この3つはいずれも、弦楽器による伴奏か序奏のあるストロフティックな歌であるという技術的な意味での抒情詩のジャンルである。 8198>
カンテイガス・ダモールの起源は、通常プロヴァンスや古フランスの抒情詩に遡るが、形式的にも修辞的にも全く異なっている。 カンティガ・ダーミゴはおそらく土着の歌の伝統に根ざしていると思われますが、この見解には異論もあるようです。 cantigas d’escarnho e maldizerも（ラングによれば）その土地に深く根ざしている可能性があります。 後者の2つのジャンル（合計約900テキスト）は、中世ロマンス詩のパノラマ全体において、ガリシア語・ポルトガル語の抒情詩をユニークなものにしています
現存するメロディーを持つトルバドゥール。
|
|
|
|
高・中世末期の作曲家たち。
中世後期の音楽（1300-1400）
フランス。 Ars Nova
Ars novaの始まりは、1310年と1314年の詩と音楽の巨大な編纂物であるRoman de Fauvelの出版に対応するため、中世音楽における少数のきれいな年代区分の1つである。 フォヴェル・ローマンは、中世の教会における虐待を風刺したもので、中世のモテット、レイス、ロンドー、その他の新しい世俗的形式が満載である。 ほとんどの楽曲は無名だが、14世紀を特徴づけるアイソリズミック・モテットの最初の作曲家の一人であるフィリップ・ド・ヴィトリの作品がいくつか含まれている。
のページ 「アルス・ノヴァ音楽の最初の実用的資料」とされるフランスの写本Livres de Fauvel, Paris（約1318年）のページ。「
アルス・ノヴァの時代、世俗音楽は、かつて聖楽にのみ見られたポリフォニックな洗練さを獲得し、それは初期ルネサンスの世俗的性格を考えれば驚くべきことではありませんでした（この音楽は一般に「中世」と考えられていますが、それを生み出した社会勢力は、イタリアの文学・芸術ルネサンスの始まりに関係しています-特に音楽と絵画という異なる芸術について、中世とルネサンスの区分は曖昧なものなのです）。 アルス・ノヴァ（新しい芸術、新しい技法）」という言葉は、フィリップ・ド・ヴィトリがその名の論文（おそらく1322年に書かれた）の中で、直前の時代の音楽と区別するために作った造語です
フランスでその後2世紀にわたって続いたように、アルス・ノヴァの世俗的ジャンルはシャンソンが主流となりました。 これらのシャンソンは、詩の内容に応じた音楽形式で作曲され、ロンドー、バラード、ヴィレライといったいわゆるフィクス形式であった。 これらの形式は、今日でも感じられるように、音楽構造の発展に大きな影響を与えた。例えば、3つの形式に共通するoutvert-closの韻律は、現代の先行詞と後続詞の概念に直接貢献する音楽的実現が要求されたのである。 ミサ曲を普通に歌うという長い伝統が始まったのもこの時代である。 この伝統は、世紀半ば頃から、キリエやグロリアなどの単独または対の設定によって始まったが、マショーは、初めて一つの楽曲として構想された完全なミサ曲を作曲している。 アルス・ノヴァの音楽の音世界は、線形の優位性とリズムの複雑さを非常に重視したものである。 「休符は第5音とオクターブで、第3音と第6音は不協和とみなされる。
フランスの写本には、Ivrea CodexとApt Codexが残されています。
イタリア：トレチェント
アルス・ノヴァの音楽のほとんどはフランスに由来しますが、この言葉はしばしば14世紀の音楽全体、特にイタリアにおける世俗音楽を含むものとして緩やかに適用されることがあります。 8198>
イタリア音楽は常に叙情的、旋律的な性格で知られているようですが、これは多くの点で14世紀にさかのぼります。 この時代のイタリアの世俗音楽（現存する典礼音楽は少ないが、表記法が多少異なる以外はフランスと同様）は、カンタリーナ様式と呼ばれる、華やかな上声部を、より規則的でゆっくりとした動きの2声（あるいは1声、イタリアのトレチェント音楽のかなりの部分は2声のみ）が支えるというスタイルを特徴とした。 このようなテクスチュアは、15～16世紀の世俗音楽のジャンルにおいてもイタリア音楽の特徴として残り、17世紀に音楽を革新したトリオテクスチュアの最終的な発展にも重要な影響を及ぼしました。 ひとつはマドリガルで、150～250年後のそれとは異なり、詩・リフレインのような形式であった。 それぞれ異なる言葉を使った3行のスタンザと、2行のリトルネッロが交互に登場し、それぞれの登場時に同じテキストが使われた。 このリトネルは何度も繰り返し登場し、その都度、周囲のバラバラな部分と対比して認識することができるのだ。 もうひとつの形式、カッチャは、ユニゾンでカノンを奏でる2声のために書かれたものである。 この形式にはリトルネッロもあり、これもカノン形式であることがある。 カッチャのテキストは主に狩猟や野外活動、あるいは少なくともアクションに満ちた場面であったため、通常、このジャンルの名称には二重の意味があります。
現存するイタリア語の写本には、Squarcialupi CodexとRossi Codexがある。
中世後期に書かれた特定のイタリアの作曲家については、Francesco Landini、Gherardello da Firenze、Andrea da Firenze、Lorenzo da Firenze、Giovanni da Firenze（別名：Giovanni da Cascia）、Bartolino da Padova、Jacopo da Bologna、Donato da Cascia、Lorenzo Masini、Niccolò da Perugia、および Maestro Pierroを参照して下さい
Germany: Geisslerlieder
Geisslerliederは、放浪する旗本たちの歌であり、彼らは怒れる神の怒りを鎮めるために、肉体の消耗を伴う懺悔の音楽によって、怒りを鎮めようとしたのです。 13世紀中頃には、残念ながら音楽は残っていないが（歌詞は多数残っている）、1349年からは、一人の司祭がこの運動について書き、音楽を記録したため、歌詞も音楽もそのまま残ったのである。 この第2期は、ヨーロッパで黒死病が蔓延した時期に相当し、ヨーロッパの歴史上、最も恐ろしい出来事のひとつを記録している。 ガイスラーリートの活動期は、いずれもドイツが中心であった。
この時期には、フランスの影響を受けたポリフォニーもドイツ地域で書かれていたが、そのモデルに比べると、やや洗練されたものではない。 しかし、このレパートリーのほとんどが無名の作曲家であるため、現存する写本のほとんどは、極めて無能に写されたと思われ、音楽の質を真に評価することは不可能なほど誤りに満ちている。
マニエリスムとArs Subtilior
Baude CordierのシャンソンBelle, bonne, sage,
音楽の時代の終わりによく見られるように、中世の終わりはArs subtiliorと呼ばれる非常に作法的なスタイルが特徴的であった。 これはある意味で、フランスとイタリアの様式を融合させる試みであった。 この音楽は高度に様式化されており、リズムの複雑さは20世紀まで比類がなかった。 実際、このレパートリーのリズムの複雑さは、5世紀半にわたってほとんど比類がなかっただけでなく、極端なシンコペーション、メンソレータリー、さらにはオーゲンムジークの例（ボード・コルディエのシャンソンがハート型に書き出されたことなど）、メロディー素材も、特にリズムの構造との相互関係において非常に複雑であった。 アルス・ノーヴァの項ですでに述べたように、アイソリズムの実践は世紀後半まで続き、実際、最も洗練された状態になったのは15世紀初頭であった。 アイソリズムの技法は、1声または2声での使用や、声部間での交換ではなく、いくつかの作品は、リズムと調性の要素の体系的な順序付けにおいて、20世紀のインテグラル・シリアリズムに匹敵する、浸透したアイソリズムのテクスチャーを特徴とするようになった。 8198>
Ars Subtiliorのシャンソンの現存する最も重要な資料のひとつは、Chantilly Codexである。
特定の作曲家が書いたArs Subtilior様式の音楽については、Anthonello de Caserta, Philippus de Caserta（別名 Philipoctus de Caserta）, Johannes Ciconia, Matteo da Perugia, Lorenzo da Firenze, Grimace, Jacob Senleches, Baude Cordierを参照されたい。
ルネサンスへの移行
音楽の作曲に関して、中世の終わりとルネサンスの始まりを明確にすることは困難である。 14世紀の音楽が明らかに中世的であるのに対し、15世紀初頭の音楽は過渡期に属すると考えられ、中世末の理想（例えば、各パートが互いに大きく異なる性格を持つ多声部音楽のタイプ）を保持しているだけでなく、ルネサンスに属すると考えられていることが多いのです。 また、ルネサンス期の特徴（フランコ・フランドル系の音楽家がヨーロッパに普及し、国際的な様式が形成されたこと、テクスチャーの面では各パートの平等性が高まったこと）も見られる。）
ルネサンス時代がいつ始まったかについては音楽史家たちの間でも意見が分かれているが、15世紀初頭のイギリスがまだ中世社会であったことはほとんどの歴史家が認めている（「中世の時代区分問題」を参照）。 8198>
子音として第 3 音程への依存が高まったことは、ルネサンスへの移行の最も顕著な特徴の 1 つである。 12世紀から使用されていたポリフォニーは、14世紀を通じて、独立性の高い声部によってますます精巧に作られるようになりました。 John Dunstapleをはじめとするイギリスの作曲家たちは、現地の技法であるoffaburden（聖歌の旋律とその上の平行六度音程で書かれたパートを、その下の完全四度音程で歌うもので装飾する即興プロセスで、後に大陸で「fauxbordon」として定着した）により、第三の音程が重要な音楽の展開として浮上した。 このContenance Angloise（「イギリスの顔」）のために、イギリスの作曲家の音楽は、現代の不勉強な聴衆にとって、あまり奇妙に聞こえない最初の音楽と見なされることが多い。 このようなイギリスの様式的傾向は、若いデュファイなどの作品に見られるように、1420年代にはすでに結実し、大陸の作曲家たちに影響を与え始めていたのである。 百年戦争が続く間、イギリスの貴族、軍隊、礼拝堂、従者、そして作曲家の一部はフランスを訪れ、そこで音楽を演奏した。
イギリスの写本には、Worcester Fragments, Old St.
中世とルネサンスの過渡期とされる特定の作曲家については、Zacara da Teramo, Paolo da Firenze, Giovanni Mazzuoli, Antonio da Cividale, Antonius Romanus, Bartolomeo da Bologna, Roy Henry, Arnold de Lantins, Leonel Power, and John Dunstaple参照。
Mass
Massの初期の音楽設定は、グレゴリオ聖歌である。 キリエが最初（おそらく7世紀）で、クレドが最後（1014年までローマのミサの一部とならなかった）である。
14世紀初頭に、作曲家たちは普通歌の各部をポリフォニックに書き始めた。 その理由は定かではないが、作曲家たちが世俗的な音楽に惹かれるようになり、聖楽への関心が低下していたため、新しい音楽が不足したためと考えられている。
14 世紀の二つの写本、Ivrea Codex と Apt Codex は、Ordinary のポリフォニックな旋律の主要な資料である。 これらの曲は、モテットや当時の世俗音楽に類似しており、最高部を中心とした3声のテクスチュアを用いています。
14世紀には、トゥルネーのミサをはじめ、いくつかの匿名のミサ曲全曲が残っていますが、スタイルの相違から、これらのミサ曲は複数の作曲家によって書かれ、後に書記によって一つのセットにまとめられたと考えられています。 作曲者が特定できる完全なミサ曲は、14世紀のギョーム・ド・マショーによる『聖母のミサ』（Messe de Nostre Dame）が最初とされている
。