High Medieval Music (1150-1300)

Ars Antiqua

De bloei van de Notre Dame school van polyfonie van rond 1150 tot 1250 kwam overeen met de al even indrukwekkende prestaties in de gotische architectuur: het centrum van de activiteit lag inderdaad in de kathedraal van Notre Dame zelf. De muziek uit deze periode wordt soms de Parijse school genoemd, of het Parijse organum, en vertegenwoordigt het begin van wat algemeen bekend staat als Ars antiqua. Dit was de periode waarin ritmische notatie voor het eerst verscheen in de westerse muziek, voornamelijk een op de context gebaseerde methode van ritmische notatie die bekend staat als de ritmische modi.

Dit was ook de periode waarin concepten van formele structuur werden ontwikkeld die aandacht hadden voor proportie, textuur, en architectonisch effect. Componisten uit deze periode wisselden floraal en discant organum af (meer noot-tegen-noot, in tegenstelling tot de opeenvolging van melismas met veel noten tegen lang aangehouden noten in het florale type), en creëerden verschillende nieuwe muzikale vormen:clausulae, dat waren melismatische gedeelten van organa waaraan nieuwe woorden werden toegevoegd en die verder muzikaal werden uitgewerkt; conductus, dat was een lied voor één of meer stemmen dat ritmisch werd gezongen, waarschijnlijk in een soort processie; en tropes, dat waren toevoegingen van nieuwe woorden en soms nieuwe muziek aan gedeelten van oudere gezangen. Op één na waren al deze genres gebaseerd op gezangen, d.w.z. één van de stemmen (meestal drie, soms vier), bijna altijd de laagste (de tenor op dit punt) zong een gezangenmelodie, zij het met vrij te componeren noten, waarover de andere stemmen organum zongen. De uitzondering op deze methode was de conductus, een tweestemmige compositie die in zijn geheel vrij gecomponeerd was.

Het motet, een van de belangrijkste muzikale vormen van de hoge Middeleeuwen en de Renaissance, ontwikkelde zich aanvankelijk tijdens de Notre Dame periode uit de clausula, met name de meerstemmige vorm zoals uitgewerkt door Pérotin, die de weg hiervoor in het bijzonder vrijmaakte door veel van de lange bloemrijke clausulae van zijn voorganger (als kanunnik van de kathedraal) Léonin te vervangen door substituten in een discantstijl. Geleidelijk aan ontstonden er hele boeken van deze vervangers, die in en uit de verschillende gezangen konden worden ingepast. Aangezien er in feite meer waren dan in de context gebruikt konden worden, is het waarschijnlijk dat de clausulae onafhankelijk werden uitgevoerd, hetzij in andere delen van de mis, hetzij in privé devoties. De clausulae, aldus beoefend, werden motetten met niet-liturgische woorden, en werden verder ontwikkeld tot een vorm van grote uitwerking, verfijning en subtiliteit in de veertiende eeuw, de periode van de Ars nova.

Vestaande manuscripten uit deze tijd zijn onder andere de Montpellier Codex, Bamberg Codex, en Las Huelgas Codex.

Componisten uit deze tijd zijn onder andere Léonin, Pérotin, W. de Wycombe, Adam de St. Victor, en Petrus de Cruce (Pierre de la Croix). Aan Petrus wordt de innovatie toegeschreven om meer dan drie semibreves te schrijven om de lengte van een breve aan te passen. Deze praktijk, die dateert van vóór de vernieuwing van de imperfecte tempus, luidde het tijdperk in van wat nu “Petroniaanse” motetten worden genoemd. Deze laat-13de-eeuwse werken bestaan uit drie tot vier delen en bevatten meerdere teksten die tegelijkertijd worden gezongen. Oorspronkelijk hield de tenorlijn (van het Latijnse tenere, “vasthouden”) een reeds bestaande liturgische gezangregel vast in het oorspronkelijke Latijn, terwijl de tekst van de één-, twee-, of zelfs driestemmige stemmen daarboven, de voces organales genaamd, commentaar leverden op het liturgische onderwerp, hetzij in het Latijn, hetzij in de volkstaal in het Frans. De ritmische waarden van de voces organales namen af naarmate de partijen zich vermenigvuldigden, waarbij het duplum (de partij boven de tenor) kleinere ritmische waarden had dan de tenor, het triplum (de regel boven het duplum) kleinere ritmische waarden had dan het duplum, enzovoorts. Naarmate de tijd verstreek, werden de teksten van de voces organales steeds meer wereldlijk van aard en hadden ze steeds minder openlijk verband met de liturgische tekst in de tenorregel.

Het Petroniaanse motet is een zeer complex genre, gezien de mengeling van verschillende semibreve breves met ritmische modi en soms (met toenemende frequentie) vervanging van wereldlijke liederen door gezang in de tenor. De steeds toenemende ritmische complexiteit zou inderdaad een fundamenteel kenmerk van de 14e eeuw worden, hoewel de muziek in Frankrijk, Italië en Engeland in die periode heel verschillende wegen zou bewandelen.

Cantigas de Santa Maria

De Cantigas de Santa Maria (“Canticles of Holy Mary”) zijn 420 gedichten met muzikale notatie, geschreven in het Galicisch-Portugees tijdens het bewind van Alfonso X El Sabio (1221-1284) en vaak aan hem toegeschreven.

Het is een van de grootste verzamelingen monofone (solo) liederen uit de Middeleeuwen en wordt gekenmerkt door de vermelding van de Maagd Maria in elk lied, terwijl elk tiende lied een hymne is.

De manuscripten zijn bewaard gebleven in vier codices: twee in El Escorial, een in de Nationale Bibliotheek van Madrid, en een in Florence, Italië. Sommige hebben gekleurde miniaturen met paren van muzikanten die een grote verscheidenheid van instrumenten bespelen.

Troubadours en Trouvères

De muziek van de troubadours en trouvères was een volkse traditie van monofone wereldlijke liederen, waarschijnlijk begeleid door instrumenten, gezongen door professionele, soms rondtrekkende, muzikanten die even bedreven waren als dichters als zij zangers en instrumentalisten waren. De taal van de troubadours was het Occitaans (ook bekend als de langue d’oc, of Provençaals); de taal van de trouvères was het Oudfrans (ook bekend als de langue d’oil). De periode van de troubadours viel samen met de bloei van het culturele leven in de Provence, die duurde van de twaalfde eeuw tot in het eerste decennium van de dertiende eeuw. Typische onderwerpen van de troubadourliederen waren oorlog, ridderlijkheid en hoofse liefde. De periode van de troubadours eindigde na de Albigenzen kruistocht, de verwoede campagne van paus Innocentius III om de Kathaarse ketterij uit te roeien (en de wens van de baronnen uit het noorden om zich de rijkdommen van het zuiden toe te eigenen). Overlevende troubadours trokken naar Portugal, Spanje, Noord-Italië of Noord-Frankrijk (waar de trouvère-traditie voortleefde), waar hun vaardigheden en technieken bijdroegen aan de latere ontwikkelingen van de wereldlijke muziekcultuur in die plaatsen.

De muziek van de trouvères was vergelijkbaar met die van de troubadours, maar kon overleven tot in de dertiende eeuw, onaangetast door de Albigenzen-kruistocht. De meeste van de meer dan tweeduizend overgeleverde trouvère-liederen bevatten muziek, en vertonen een verfijning die even groot is als die van de poëzie waarmee ze gepaard gaan.

De Minnezanger-traditie was de Germaanse tegenhanger van de activiteiten van de troubadours en trouvères in het westen. Helaas zijn er maar weinig bronnen uit die tijd bewaard gebleven; de bronnen van Minnesang zijn meestal van twee of drie eeuwen na het hoogtepunt van de beweging, wat tot enige controverse over hun nauwkeurigheid leidt. Onder de Minnesangers van wie muziek bewaard is gebleven zijn Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide, en Niedhart von Reuenthal.

Trovadorismo

In de Middeleeuwen was het Galicisch-Portugees de taal die in bijna heel Iberië voor lyrische poëzie werd gebruikt. Uit deze taal zijn zowel het moderne Galicisch als het Portugees voortgekomen. De Galicisch-Portugese school, die tot op zekere hoogte (vooral in bepaalde formele aspecten) werd beïnvloed door de Occitaanse troubadours, is voor het eerst gedocumenteerd aan het eind van de twaalfde eeuw en duurde tot het midden van de veertiende.

De vroegste overgebleven compositie in deze school wordt gewoonlijk Ora faz ost’ o senhor de Navarra van de Portugees João Soares de Paiva genoemd, meestal gedateerd net voor of na 1200. De troubadours van deze stroming, niet te verwarren met de Occitaanse troubadours (die de hoven in het nabijgelegen León en Castilië frequenteerden), schreven bijna uitsluitend cantigas. Waarschijnlijk vanaf het midden van de dertiende eeuw werden deze liederen, ook wel cantares of trovas genoemd, verzameld in verzamelingen die bekend staan als cancioneiros (liedboeken). Drie van dergelijke anthologieën zijn bekend: het Cancioneiro da Ajuda, het Cancioneiro Colocci-Brancuti (of Cancioneiro da Biblioteca Nacional de Lisboa), en het Cancioneiro da Vaticana. Daarnaast is er de onbetaalbare verzameling van meer dan 400 Galicisch-Portugese cantigas in de Cantigas de Santa Maria, die volgens de traditie aan Alfonso X wordt toegeschreven.

De Galicisch-Portugese cantigas kunnen worden onderverdeeld in drie basisgenres: door mannen gezongen liefdespoëzie, cantigas de amor (of cantigas d’amor) genoemd; door vrouwen gezongen liefdespoëzie, cantigas de amigo (cantigas d’amigo) genoemd; en poëzie van belediging en bespotting, cantigas d’escarnho e de mal dizer (cantigas d’escarnho e de mal dizer) genoemd. Alle drie zijn het lyrische genres in de technische zin dat het strofische liederen waren met muzikale begeleiding of inleiding op een snaarinstrument. Maar alle drie de genres hebben ook dramatische elementen, waardoor vroege geleerden ze karakteriseerden als lyrisch-dramatisch.

De oorsprong van de cantigas d’amor wordt gewoonlijk herleid tot de Provençaalse en Oudfranse lyrische poëzie, maar formeel en retorisch zijn ze heel verschillend. De cantigas d’amigo zijn waarschijnlijk geworteld in een inheemse liedtraditie, hoewel deze opvatting wordt betwist. De cantigas d’escarnho e maldizer kunnen (volgens Lang) ook diepe lokale wortels hebben. De laatste twee genres (in totaal ongeveer 900 teksten) maken de Galicisch-Portugese lyriek uniek in het hele panorama van de middeleeuwse Romaanse poëzie.

Troubadours met overgeleverde melodieën:

Aimeric de Belenoi Aimeric de Peguilhan Aires Nunes Albertet de Sestaro Arnaut Daniel Arnaut de Maruoill Beatritz de Dia Berenguier de Palazol Bernart de Ventadorn Bertran de Born Blacasset Cadenet

Daude de Pradas Denis van Portugal Folquet de Marselha Gaucelm Faidit Gui d’Ussel Guilhem Ademar Guilhem Augier Novella Guilhem Magret Guilhem de Saint Leidier Guiraut de Bornelh Guiraut d’Espanha

Guiraut Riquier Jaufre Rudel João Soares de Paiva João Zorro Jordan Bonel Marcabru Martín Codax Monge de Montaudon Peire d’Alvernhe Peire Cardenal Peire Raimon de Tolosa Peire Vidal Peirol Perdigon

Pistoleta Pons d’Ortaffa Pons de Capduoill Raimbaut d’Aurenga Raimbaut de Vaqueiras Raimon Jordan Raimon de Miraval Rigaut de Berbezilh Uc Brunet Uc de Saint Circ William IX van Aquitanië

Componisten uit de hoge en late Middeleeuwen:

Muziek uit de late Middeleeuwen (1300-1400)

Frankrijk: Ars Nova

Het begin van de Ars nova is een van de weinige zuivere chronologische scheidingen in de middeleeuwse muziek, aangezien het samenvalt met de publicatie van de Roman de Fauvel, een enorme compilatie van poëzie en muziek, in 1310 en 1314. De Roman de Fauvel is een satire op misstanden in de middeleeuwse kerk, en staat vol met middeleeuwse motetten, lais, rondeaux en andere nieuwe wereldlijke vormen. Hoewel de meeste muziek anoniem is, bevat het verschillende stukken van Philippe de Vitry, een van de eerste componisten van het isoritmische motet, een ontwikkeling die kenmerkend is voor de veertiende eeuw. Het isoritmische motet werd geperfectioneerd door Guillaume de Machaut, de beste componist van die tijd.

Tijdens het Ars nova tijdperk kreeg de wereldlijke muziek een polyfone verfijning die voorheen alleen in de gewijde muziek te vinden was, een ontwikkeling die niet verwonderlijk is gezien het wereldlijke karakter van de vroege Renaissance (hoewel deze muziek gewoonlijk als “middeleeuws” wordt beschouwd, waren de sociale krachten die haar voortbrachten verantwoordelijk voor het begin van de literaire en artistieke Renaissance in Italië – het onderscheid tussen Middeleeuwen en Renaissance is vaag, vooral wanneer men kijkt naar kunsten die zo verschillend zijn als muziek en schilderkunst). De term “Ars nova” (nieuwe kunst, of nieuwe techniek) werd bedacht door Philippe de Vitry in zijn verhandeling met die naam (waarschijnlijk geschreven in 1322), om de praktijk te onderscheiden van de muziek van het onmiddellijk daaraan voorafgaande tijdperk.

Het dominante wereldlijke genre van de Ars Nova was het chanson, zoals dat in Frankrijk nog twee eeuwen lang zou blijven. Deze chansons werden gecomponeerd in muzikale vormen die overeenkwamen met de poëzie die zij verklankten, in de zogenaamde formes fixes van rondeau, ballade, en virelai. Deze vormen hebben een belangrijke invloed gehad op de ontwikkeling van de muzikale structuur op manieren die zelfs vandaag nog merkbaar zijn; het ouvert-clos rijmschema bijvoorbeeld, dat alle drie de vormen gemeen hebben, vereiste een muzikale realisatie die rechtstreeks heeft bijgedragen tot de moderne notie van antecedente en consequente frasen. Het was ook in deze periode dat de lange traditie begon van het toonzetten van de misgewoonte. Deze traditie begon rond het midden van de eeuw met geïsoleerde of gekoppelde zettingen van Kyries, Gloria’s, enz., maar Machaut componeerde wat men beschouwt als de eerste volledige mis die als één compositie is opgevat. De klankwereld van de Ars Nova muziek is er een van lineair primaat en ritmische complexiteit. “Rustende” intervallen zijn de kwint en het octaaf, waarbij tertsen en sexten als dissonanten worden beschouwd. Sprongen van meer dan een sext in afzonderlijke stemmen zijn niet ongewoon, wat leidt tot speculaties over instrumentale deelname, althans in de wereldlijke uitvoering.

Vestaande Franse manuscripten zijn onder meer de Ivrea Codex en de Apt Codex.

Italië: Trecento

De meeste muziek van de Ars nova was van Franse oorsprong; de term wordt echter vaak losjes toegepast op alle muziek van de veertiende eeuw, vooral om de wereldlijke muziek in Italië te omvatten. Daar werd deze periode vaak aangeduid als Trecento.

Italiaanse muziek is, naar het schijnt, altijd bekend geweest om haar lyrische of melodische karakter, en dit gaat in vele opzichten terug tot de veertiende eeuw. De Italiaanse wereldlijke muziek uit die tijd (de weinige overgeleverde liturgische muziek is, afgezien van een enigszins andere notatie, vergelijkbaar met de Franse) werd gekenmerkt door wat wel de cantalinastijl wordt genoemd, met een florissante bovenstem ondersteund door twee (of zelfs één; een groot deel van de Italiaanse Trecentomuziek is slechts tweestemmig) die regelmatiger zijn en langzamer bewegen. Dit type textuur bleef een kenmerk van de Italiaanse muziek in de populaire vijftiende- en zestiende-eeuwse wereldlijke genres, en was een belangrijke invloed op de uiteindelijke ontwikkeling van de trio textuur die een revolutie teweegbracht in de muziek in de zeventiende.

Er waren drie hoofdvormen voor wereldlijke werken in de Trecento. Een daarvan was het madrigaal, niet hetzelfde als dat van 150-250 jaar later, maar met een vers/refrein-achtige vorm. Drie-regelige strofen, elk met verschillende woorden, werden afgewisseld met een tweeregelig ritornello, met bij elke verschijning dezelfde tekst. Misschien zien we in dit ritornello de kiem van de latere laat-renaissance en barok; ook dit ritornello keert steeds weer terug, telkens herkenbaar, in contrast met de omringende ongelijksoortige delen. Een andere vorm, de caccia (“achtervolging”), werd geschreven voor twee stemmen in een canon op de unisono. Soms bevatte deze vorm ook een ritornello, die soms ook in canonstijl werd uitgevoerd. Meestal had de naam van dit genre een dubbele betekenis, want de teksten van caccia gingen vooral over jachten en aanverwante buitenactiviteiten, of op zijn minst over scènes vol actie. De derde hoofdvorm was de ballata, die ongeveer overeenkwam met de Franse virelai.

Overgebleven Italiaanse manuscripten zijn onder meer de Squarcialupi Codex en de Rossi Codex.

Voor informatie over specifieke Italiaanse componisten die in de late middeleeuwen schreven, zie Francesco Landini, Gherardello da Firenze, Andrea da Firenze, Lorenzo da Firenze, Giovanni da Firenze (alias Giovanni da Cascia), Bartolino da Padova, Jacopo da Bologna, Donato da Cascia, Lorenzo Masini, Niccolò da Perugia, en Maestro Piero.

Duitsland: Geisslerlieder

De Geisslerlieder waren de liederen van rondtrekkende groepen flagellanten, die de toorn van een boze God trachtten te stillen door boetvaardige muziek, gepaard gaande met versterving van hun lichaam. Er waren twee afzonderlijke perioden van activiteit van het Geisslerlied: een rond het midden van de dertiende eeuw, waarvan helaas geen muziek bewaard is gebleven (wel talrijke liedteksten); en een andere vanaf 1349, waarvan zowel de woorden als de muziek intact zijn gebleven dankzij de aandacht van een enkele priester die over de beweging schreef en de muziek ervan opnam. Deze tweede periode valt samen met de verspreiding van de Zwarte Dood in Europa, en documenteert een van de meest verschrikkelijke gebeurtenissen in de Europese geschiedenis. Beide perioden van Geisslerlied activiteit vonden voornamelijk in Duitsland plaats.

Er werd in deze tijd ook door de Fransen beïnvloede polyfonie geschreven in Duitse gebieden, maar die was iets minder verfijnd dan haar voorbeelden. Eerlijkheidshalve moet gezegd worden dat de meeste manuscripten die bewaard zijn gebleven, met de grootste ondeskundigheid gekopieerd lijken te zijn, en vol fouten zitten die een grondige beoordeling van de kwaliteit van de muziek onmogelijk maken.

Mannerisme en Ars Subtilior

Zoals zo vaak aan het einde van een muzikaal tijdperk, wordt het einde van de middeleeuwen gekenmerkt door een zeer maniëristische stijl die bekend staat als Ars subtilior. In zekere zin was dit een poging om de Franse en Italiaanse stijlen te versmelten. Deze muziek was zeer gestileerd, met een ritmische complexiteit die tot de twintigste eeuw niet werd geëvenaard. In feite was niet alleen de ritmische complexiteit van dit repertoire gedurende vijf en een halve eeuw grotendeels ongeëvenaard, met extreme syncopen, mensurale kunstgrepen, en zelfs voorbeelden van augenmusik (zoals een chanson van Baude Cordier, uitgeschreven in handschrift in de vorm van een hart), maar ook het melodische materiaal was behoorlijk complex, vooral in de interactie met de ritmische structuren. Reeds besproken onder Ars Nova is de praktijk van het isoritme, die zich in de late eeuw bleef ontwikkelen en in feite pas aan het begin van de vijftiende eeuw haar hoogste graad van verfijning bereikte. In plaats van isoritmische technieken in één of twee stemmen te gebruiken, of ze tussen de stemmen uit te wisselen, kregen sommige werken een doordringende isoritmische textuur die het integrale serialisme van de twintigste eeuw evenaart in zijn systematische ordening van ritmische en tonale elementen. De term “maniërisme” werd door latere geleerden gebruikt, zoals vaak het geval is, om de indruk te wekken dat verfijning werd beoefend omwille van zichzelf, een ziekte die volgens sommige auteurs de Ars subtilior heeft geïnfecteerd.

Een van de belangrijkste overgebleven bronnen van Ars Subtilior-chansons is de Codex van Chantilly.

Voor informatie over specifieke componisten die muziek in Ars subtilior-stijl schreven, zie Anthonello de Caserta, Philippus de Caserta (alias Philipoctus de Caserta), Johannes Ciconia, Matteo da Perugia, Lorenzo da Firenze, Grimace, Jacob Senleches, en Baude Cordier.

Overgang naar de Renaissance

Het is moeilijk het einde van de Middeleeuwen en het begin van de Renaissance af te bakenen, wat de compositie van muziek betreft. Terwijl de muziek van de veertiende eeuw vrij duidelijk middeleeuws van opvatting is, wordt de muziek van de vroege vijftiende eeuw vaak opgevat als behorend tot een overgangsperiode, waarin niet alleen enkele idealen van het einde van de Middeleeuwen behouden zijn gebleven (zoals een soort polyfone schriftuur waarin de delen onderling sterk van karakter verschillen, omdat elk zijn specifieke texturale functie heeft), maar ook enkele van de karakteristieke trekken van de Renaissance vertoont (zoals de internationale stijl die zich ontwikkelt door de verspreiding van Frans-Vlaamse musici over heel Europa, en in termen van textuur een toenemende gelijkheid van partijen).

Muziekhistorici zijn het er niet over eens wanneer de Renaissance begon, maar de meeste historici zijn het erover eens dat Engeland in het begin van de vijftiende eeuw nog een middeleeuwse samenleving was (zie de periodisering van de Middeleeuwen). Hoewel er geen consensus bestaat, is 1400 een bruikbaar merkteken, omdat rond die tijd de Renaissance in Italië in volle gang kwam.

Het toenemende vertrouwen op het tertsinterval als consonantie is een van de meest uitgesproken kenmerken van de overgang naar de Renaissance. Polyfonie, in gebruik sinds de twaalfde eeuw, werd steeds uitgebreider met zeer onafhankelijke stemmen gedurende de veertiende eeuw. Met John Dunstaple en andere Engelse componisten, mede door de lokale techniek offaburden (een improvisatorisch proces waarbij een gezangenmelodie en een geschreven partij overwegend in parallelle sexten erboven worden geornamenteerd door een gezongen in reine kwarten eronder, en die later op het continent ingang vond als “fauxbordon”), komt het tertsinterval naar voren als een belangrijke muzikale ontwikkeling; Vanwege deze “Contenance Angloise” wordt de muziek van Engelse componisten vaak beschouwd als de eerste die minder echt bizar klinkt voor een modern, ongeschoold publiek. Engelse stilistische tendensen in dit opzicht waren al in de jaren 1420 tot bloei gekomen en begonnen continentale componisten te beïnvloeden, zoals te zien is in het werk van onder meer de jonge Dufay. Terwijl de Honderdjarige Oorlog voortduurde, reisden Engelse edelen, legers, hun kapellen en gevolg, en dus ook sommige van hun componisten, in Frankrijk en voerden daar hun muziek uit; men moet natuurlijk ook niet vergeten dat de Engelsen in deze tijd delen van Noord-Frankrijk controleerden.

Engelse manuscripten zijn onder andere de Worcester Fragments, het Old St. Andrews Music Book, het Old Hall Manuscript, en het Egerton Manuscript.

Voor informatie over specifieke componisten die als overgang tussen de Middeleeuwen en de Renaissance worden beschouwd, zie Zacara da Teramo, Paolo da Firenze, Giovanni Mazzuoli,Antonio da Cividale, Antonius Romanus, Bartolomeo da Bologna, Roy Henry, Arnold de Lantins, Leonel Power, en John Dunstaple.

Mis

De vroegste muzikale zettingen van de Mis zijn Gregoriaans. De verschillende delen van het Ordinarium kwamen op verschillende tijdstippen in de liturgie, waarbij het Kyrie waarschijnlijk het eerst aan bod kwam (misschien al in de zevende eeuw) en het Credo het laatst (het werd pas in 1014 onderdeel van de Romeinse mis).

In het begin van de veertiende eeuw begonnen componisten meerstemmige versies van de delen van het Ordinarium te schrijven. De reden voor deze toename in belangstelling is niet bekend, maar er is gesuggereerd dat er een tekort was aan nieuwe muziek omdat componisten zich steeds meer aangetrokken voelden tot wereldlijke muziek, en de belangstelling voor het schrijven van gewijde muziek in het algemeen een periode van verval was ingegaan. Het niet-veranderende deel van de mis, het Ordinaris, zou dan muziek hebben die altijd beschikbaar was voor uitvoering.

Twee manuscripten uit de veertiende eeuw, de Ivrea Codex en de Apt Codex, zijn de primaire bronnen voor polyfone zettingen van het Ordinaris. Stilistisch zijn deze zettingen vergelijkbaar met zowel motetten als wereldlijke muziek uit die tijd, met een driestemmige textuur gedomineerd door de hoogste partij. De meeste van deze muziek werd geschreven of samengesteld aan het pauselijk hof te Avignon.

Er zijn verschillende anonieme complete missen uit de veertiende eeuw bewaard gebleven, waaronder de Mis van Doornik; verschillen in stijl wijzen er echter op dat de delen van deze missen door verschillende componisten werden geschreven en later door kopiisten werden samengevoegd tot een enkele set. De eerste ons bekende complete mis waarvan de componist kan worden geïdentificeerd was de Messe de Nostre Dame (Mis van Onze-Lieve-Vrouw) van Guillaume de Machaut in de veertiende eeuw.