Ellsworth Kelly, considerado uno de los grandes artistas americanos del siglo XX por su trabajo pionero en la pintura y la escultura minimalista, murió el domingo en su casa de Spencertown, Nueva York, a la edad de 92 años. Reconocido por su vívido uso de bloques geométricos y colores intensos, Kelly se forjó durante siete décadas una reputación de abstracción colorista y obras que exploraban la esencia de sus temas.

Sus primeras obras de arte fueron creadas al servicio de Estados Unidos, como parte de una unidad especial de camuflaje en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. Kelly y sus compañeros soldados artistas tenían la tarea de engañar a los alemanes -utilizando goma y madera para construir tanques y camiones falsos- haciéndoles creer que las multitudes de tropas aliadas en el campo de batalla eran mucho más grandes que la realidad. Aunque parece una formación poco convencional para un artista, resultó ser una formación adecuada para Kelly.

«Fue capaz de entender que existían estas realidades que para la mayoría de nosotros están camufladas», dice Virginia Mecklenburg, conservadora jefe del Smithsonian American Art Museum. «Evocaba esas realidades, como la sensación de gravedad o la física del peso y el impulso, que rara vez consideramos en términos tangibles. Después de su servicio, Kelly se matriculó en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston y regresó a París en 1948, donde absorbió toda una serie de influencias, como Picasso y Matisse, el arte asiático y las iglesias románicas. Volvió a Estados Unidos y presentó su primera exposición individual en 1956. Tres años después, la obra de Kelly fue incluida en la exposición 16 Americans del Museo de Arte Moderno (MoMA). Sus obras geométricas abstractas, junto con las de otros pintores estadounidenses como Ad Reinhardt y Brice Marden, fueron denominadas «hard-edge painting» por el historiador del arte Jules Langsner en 1959.

A lo largo de la década de 1960, se hizo su propio hueco al margen del mundo artístico de Nueva York y París. Según Mecklenburg, lo que más destaca de su obra es el modo en que redujo la arquitectura, las imágenes y otros elementos visuales que veía en el mundo y en el arte, convirtiéndolos en abstracciones directas y viscerales. Utilizando colores básicos -azul, verde, blanco, negro- y lienzos individuales (más tarde pasó a los lienzos múltiples y a la escultura), creaba declaraciones que eran «menos descriptivas que evocadoras», como dice ella.

«Lleva tiempo mirarlas, pero una vez que das un paso atrás, te das cuenta de que estás viendo algo que has visto una y otra vez», dice Mecklenburg, poniendo como ejemplo el cuadro de 1961 «Azul sobre blanco», expuesto en el Museo de Arte Americano, que, según ella, evoca una hoja desplegándose. «De repente empiezas a entender que si disocias las ideas narrativas, lo fuerte que es el impulso visual en todo ser humano».

Exhibió en la Bienal de Venecia en 1966 (y expondría en tres más en los años siguientes), tuvo su primera retrospectiva americana en el MoMA en 1973, y su primera gran retrospectiva europea en el Stedelijk Museum de Ámsterdam seis años después.

«Ellsworth Kelly hizo la transición de la abstracción geométrica de la posguerra al movimiento minimalista que comenzó a principios de la década de 1970», dice Valerie Fletcher, conservadora principal del Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, que posee 22 obras de Kelly, entre ellas «White Relief over Dark Blue» (Relieve blanco sobre azul oscuro) de 2002, expuesta en la tercera planta del museo, y una escultura sin título de 1986 expuesta en el jardín. «Si se observan sus cuadros en comparación con los de otros de su generación, son mucho más sencillos»

Algunas de estas obras adquieren un carácter «totémico», como lo describe Mecklenburg, señalando «Memorial», su escultura mural de cuatro paneles blancos en el Museo Conmemorativo del Holocausto de Estados Unidos. «¿Cómo se habla de algo de esa magnitud?», se pregunta. «Hay un millón de palabras o ninguna, y él eligió ninguna».

Su enfoque sencillo y geométrico tuvo un impacto en la siguiente generación de minimalistas -Frank Stella, Donald Judd y otros- con obras que exploraban la esencia de las ideas o las emociones de forma tangible y táctil.

«Tuvo un gran impacto en el mundo del arte, pero la obra habla de forma visceral a quien la mira», añade Mecklenburg. «Tengo que decir que hay una sensación de alegría y energía en gran parte de su obra. Es como si volvieras al centro cuando la miras».