Ellsworth Kelly, considerado um dos grandes artistas americanos do século XX pelo seu trabalho pioneiro na pintura e escultura minimalista, morreu domingo na sua casa em Spencertown, Nova Iorque, aos 92 anos de idade. Reconhecido por seu uso vívido de blocos geométricos e cores intensas, Kelly construiu ao longo de sete décadas uma reputação de abstração colorida e obras que exploraram a essência de seus súditos.

Suas primeiras obras de arte foram criadas a serviço dos Estados Unidos, como parte de uma unidade especial de camuflagem na França durante a Segunda Guerra Mundial. Kelly e seus colegas artistas-soldados foram encarregados de enganar os alemães – usando borracha e madeira para construir tanques e caminhões falsos – para pensar que as multidões de tropas aliadas no campo de batalha eram muito maiores do que a realidade. Embora isto pareça um treino precoce não convencional para um artista, provou ser apropriado para Kelly.

“Ele foi capaz de compreender que havia estas realidades que para a maioria de nós estão camufladas”, diz Virginia Mecklenburg, curadora chefe do Smithsonian American Art Museum. “Ele evocaria essas realidades – uma sensação distinta de gravidade, ou a física do peso e do impulso, que raramente pensamos em termos tangíveis. Ele foi capaz de fazer isso passar”

Após seu serviço, Kelly matriculou-se na Escola do Museu de Belas Artes de Boston e retornou a Paris em 1948, absorvendo uma série de influências, incluindo Picasso e Matisse, arte asiática e igrejas românicas. Voltou para os Estados Unidos e apresentou a sua primeira exposição individual em 1956. Três anos depois disso, o trabalho de Kelly foi incluído na exposição do Museu de Arte Moderna (MoMA) 16 americanos. Seus trabalhos abstratos geométricos, juntamente com os de outros pintores americanos, incluindo Ad Reinhardt e Brice Marden, foi apelidado de “pintura de ponta dura” pelo historiador de arte Jules Langsner em 1959.

Atrás dos anos 60, ele esculpiu seu próprio nicho separado do mundo da arte de Nova York e Paris. Mecklenburg diz que o que ela acha notável em seu trabalho foi a forma como ele desbastou a arquitetura, imagens e outros visuais que viu no mundo e na arte, transformando-os em abstrações diretas e viscerais. Usando cores básicas – azul, verde, branco, preto e telas simples (mais tarde se movendo em várias telas e esculturas) ele criou afirmações que eram “menos descritivas que evocativas”, como ela coloca.

“Elas levam tempo para olhar, mas uma vez que você dá um passo atrás, você percebe que está olhando para algo que viu várias vezes”, diz Mecklenburg, dando o exemplo da pintura “Blue on White” de 1961 em exposição no Museu de Arte Americano, que ela diz evocar um desenrolar da folha. “De repente você começa a entender que se você dissociar idéias narrativas, quão forte é o impulso visual em cada ser humano”.

Ele expôs na Bienal de Veneza em 1966 (e mostraria em mais três nos anos seguintes), teve sua primeira retrospectiva americana no MoMA em 1973, e sua primeira grande retrospectiva europeia no Museu Stedelijk em Amsterdã seis anos depois disso.

“Ellsworth Kelly fez a transição da abstração geométrica pós-guerra para o movimento Minimalista que começou no início dos anos 70”, diz Valerie Fletcher, curadora sênior do Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, que possui 22 obras de Kelly, incluindo “White Relief over Dark Blue” de 2002, em vista no terceiro andar do museu, e uma escultura sem título de 1986 exibida no jardim. “Se você olhar para suas pinturas em comparação com outras de sua geração, elas são muito mais simples”

algumas destas obras assumem uma qualidade “totemic”, como descreve Mecklenburg, apontando para “Memorial”, sua escultura de parede de quatro painéis brancos no Museu Memorial do Holocausto dos Estados Unidos. “Como se fala de algo dessa magnitude?”, pergunta ela. “Há um milhão de palavras ou nenhuma palavra, e ele não escolheu palavras”

A sua abordagem simples e geométrica teve um impacto na geração seguinte de Minimalistas – Frank Stella, Donald Judd e outros – com obras que exploraram a essência das ideias ou emoções de forma tangível e táctil.

“Ele teve um enorme impacto no mundo da arte, mas a obra fala de uma forma visceral a quem quer que olhe para ela”, acrescenta Mecklenburg. “Devo dizer que há uma sensação de alegria e uma sensação de energia para tanto do seu trabalho. Volta-se ao centro quando se olha para ele”.”