1700-talRedigera
Under 1500-talet spreds commedia dell’arte från Italien över hela Europa, och på 1600-talet var anpassningar av dess karaktärer välkända i engelska pjäser. I de engelska versionerna skilde sig harlequinades i två viktiga avseenden från Commedias original. För det första blev Harlekin i stället för att vara en skurk den centrala figuren och den romantiska huvudrollen. För det andra talade karaktärerna inte; detta berodde på det stora antalet franska artister som spelade i London, efter det att otillåtna teatrar i Paris hade slagits ned. Även om denna begränsning bara var tillfällig förblev de engelska harlekinaderna främst visuella, även om viss dialog senare tilläts.
I början av 1700-talet presenterade ”italienska nattscener” versioner av Commedia-traditioner i välkända miljöer i London. Från dessa utvecklades den standardiserade engelska harlekinaden, som skildrar de genomströmmande älskarna Harlekin och Columbine, förföljda av flickans dåraktiga far, Pantaloon, och hans komiska tjänare. Den grundläggande handlingen förblev i stort sett densamma i mer än 150 år. Under århundradets två första decennier presenterade två rivaliserande teatrar i London, Lincoln’s Inn Fields Theatre och Theatre Royal, Drury Lane, produktioner som började seriöst med klassiska berättelser med inslag av opera och balett och avslutades med en komisk ”nattscen”. År 1716 presenterade John Weaver, dansmästare vid Drury Lane, ”The Loves of Mars and Venus – a new Entertainment in Dancing after the manner of the Antient Pantomimes”. Vid Lincoln’s Inn presenterade och uppträdde John Rich som Harlekin i liknande produktioner. Teaterhistorikern David Mayer förklarar användningen av ”batte” eller slapstick och ”förvandlingsscenen”:
Rich gav sin Harlekin makt att skapa scenmagi i samverkan med hantverkare utanför scenen som skötte trickscenerier. Beväpnad med ett magiskt svärd eller slagträ (egentligen en slapstick) behandlade Richs Harlekin sitt vapen som en trollstav och slog mot sceneriet för att upprätthålla illusionen av att byta miljö från en plats till en annan. Även föremål förvandlades av Harlekins magiska slagträ.
Richs föreställningar blev en succé, och andra producenter, som David Garrick, började producera sina egna pantomimer. Under resten av århundradet fortsatte detta mönster på Londons teatrar. När producenterna fick brist på intriger från grekisk eller romersk mytologi vände de sig till brittiska folksagor, populärlitteratur och, runt 1800, barnkammarberättelser. Men oavsett vilken berättelse som visades i den första delen av underhållningen förblev harlekinaden i stort sett densamma. I slutet av den första delen användes scenillusioner i en spektakulär förvandlingsscen, initierad av en fe, som förvandlade pantomimens karaktärer till Harlekin, Columbine och deras följeslagare.
1800-talet och senareRedigera
I början av 1800-talet förvandlade den populäre komikern Joseph Grimaldi rollen som clown från ”ett lantligt knäppskalle till stjärnan i storstadens pantomim”. Två utvecklingar under 1800, som båda involverade Grimaldi, förändrade pantomimkaraktärerna i hög grad: För pantomimen Peter Wilkins: or Harlequin in the Flying World infördes nya kostymkonstruktioner. Clownen bytte ut sin slitna tjänardräkt mot en flamboyant, färgglad dräkt. I Harlequin Amulet; or, The Magick of Mona, senare samma år, ändrades Harlequin och blev en alltmer stiliserad romantisk karaktär som överlät buset och kaoset till Grimaldis Clown.
Clownen uppträdde nu i en rad olika roller, från den rivaliserande friaren till hushållskocken eller sjuksköterskan. Grimaldis popularitet förändrade balansen i kvällens underhållning, där det första, relativt seriösa avsnittet snart minskade till vad Mayer kallar ”föga mer än en förevändning för att bestämma vilka karaktärer som skulle förvandlas till dem i harlekinaden”. På 1800-talet pågick teaterföreställningar vanligtvis i fyra timmar eller mer, med pantomim och harlekinad som avslutning på kvällen efter ett långt drama. Pantomimerna hade dubbla titlar som beskrev två historier som inte hade något samband med varandra, till exempel ”Little Miss Muffet och Little Boy Blue” eller ”Harlekin och Old Daddy Long-Legs”.”
I en utarbetad scen som inleddes av Harlekins ”slapstick”, förvandlade en älvdrottning eller älvemoder pantomimfigurerna till karaktärerna i harlekinaden, som sedan uppförde harlekinaden. Under hela 1800-talet, i takt med att scenmaskinerna och tekniken förbättrades, blev förvandlingen av kulisserna mer och mer spektakulär. När förvandlingen var klar skulle clownen tillkännage: ”Här är vi igen”. Scenografin var vanligen en gatuscen med flera scenfällor, trickdörrar och fönster. Clownen hoppade genom fönstren och dök upp igen genom falldörrar. Han stal korvar, kycklingar och annan rekvisita som han stoppade i sina fickor och senare delade upp dem orättvist med en medbrottsling. Han skulle smörja dörrtröskeln till en slakteributik med smör för att överlista sina förföljare. Vanligtvis var det inte mycket talad dialog, utan mycket affärer med en ”glödande poker”. Harlekin använde sin trollstav eller stav för att förvandla en hund till korv och en säng till ett hästtåg, till det sovande offrets förvåning. Clownen skulle dyka ner i en urtavla, som inte visade några tecken på att ha kommit in.
Harlekinaden förlorade i popularitet på 1880-talet, då music hall, viktoriansk burlesk, komisk opera och andra komiska underhållningar dominerade den brittiska komediscenen. I pantomimerna minskade kärleksscenerna mellan Harlekin och Columbine till korta uppvisningar av dans och akrobatik, sagoöppningen återfick sitt ursprungliga företräde, och i slutet av 1800-talet hade harlekinaden bara blivit en kort epilog till pantomimerna. Den fanns kvar i några decennier till men försvann slutligen helt i mitten av 1900-talet. Den sista harlekinaden spelades på Lyceum Theatre 1939.