Det finns och fortsätter att finnas många musikstycken som inte kräver att sångaren sjunger ord alls. I stället kan kompositörerna beordra artisterna att producera alla möjliga ljud, från brummande till skrik och vansinnigt babblande. Detta skulle betraktas som ”utvidgad teknik” för vilken sångare som helst, men den italienske kompositören Luciano Berio skrev en helt fantastisk komposition för sin mycket begåvade hustru Cathy Berberian med titeln ”Sequenza III for Voice” (1966).

I denna komposition ombeds sopransolisten bokstavligen att framföra vad som helst, från att sjunga på normalt sätt till att skratta, mumla under andan och suckas. Du kan höra ett framförande av detta verk här och följa partituret också.

På en mer omedelbar nivå kan du tänka på hur många sånger du hör eller körstycken där sångarna bara nynnar eller kanske producerar ett ”ah”-, ”ooh”- eller ”ee”-ljud för att ackompanjera huvudrösterna. Användningen av ”bakgrundssångare” i populärmusik tillför inte bara stödackord till låten utan också en varm bakgrundsvägg av ljud som fyller ut mixen på ett sätt som är helt och hållet mer mänskligt. På 1950-talet tycktes man specialisera sig på att be bakgrundssångare att framföra ett brett spektrum av konstigheter, inklusive ”do-wop”, ”sho-be-do” och andra tidlösa tillägg som man kan höra på många hitskivor från den perioden av populärmusik. På senare tid har pojkbandet Hanson gjort en hit på listorna med sin låt ”MMMBop”. Även om den låten också innehöll ord, var refrängen i huvudsak ordlös.

Wordlös sång är vanlig inom jazzen. Här har tekniken ett namn som är ”scat singing”. Tanken bakom scat singing är att jazzsångaren efterliknar de ljud de hör spelas av instrumentalisterna i bandet. De kan inte bara härma instrumentalisternas ljud utan de improviserar ofta på precis samma sätt som en instrumentalist skulle göra. En av de mest framstående jazzscat-sångarna är Ella Fitzgerald vars sätt att improvisera är mycket slipat och sofistikerat. I den här versionen av ”Flying Home” gör Ella Fitzgerald ett bländande bra framförande.

Scat är inte förbehållet kvinnliga jazzsångare. Den berömde Mel Tormé ger ett utmärkt exempel på hur man gör scat över den klassiska jazzlåten ”Autumn Leaves”.

I den klassiska musikens värld kan ord ofta förlängas till vad som kallas ”melismer”. Tänk på att det är omöjligt att sjunga en konsonant, så det är både musikaliskt och fysiskt vettigt att förlänga den del av ordet som du sjunger: vokalen. Dessa melismer används ofta av kompositörer för att dra uppmärksamheten till ett visst ord och/eller för att betona dess betydelse. I stället för att sätta varje stavelse till en ton tar melismen en enskild vokal och drar ut den över en serie toner. William Byrd använder sig till exempel av denna teknik i många av sina heliga mässor. I slutdelen av hans Mass for Three, Voices förlänger Byrd det avslutande Amen över flera takter.

När man tänker på musik som sjungs utan ord, gör denna teknik att förståelsen av vissa ord och musikstycken handlar mer om ljudet än om det enskilda ordet. Här blir musiken nästan viktigare än de ord som sätts, även om detta i Byrds fall inte kunde ha legat längre bort från hans tanke.

Uttrycket ”vocalise” hänvisar i klassisk musik till en sång som regelbundet använder sig av en enda vokal för att utveckla en aspekt av sångteknik eller till och med bara ljud i motsats till ord. Den kanske mest kända av alla sånger från denna genre är Rachmaninovs ”Vocalise” Op. 34 från 1912.

Detta är en serie av fjorton sånger där inga specifika ord efterfrågas av kompositören. Istället instruerar Rachmaninov sångaren att välja sin egen vokal med vilken han ska sjunga hela stycket. Här är ett varmt och uttrycksfullt framförande av nummer 14, den berömda ”Vocalise”, här i en orkesteruppsättning snarare än dess ursprungliga pianoackompanjemang.

Rachmaninov är inte den enda kompositören som har utforskat användningen av en ordlös sång. Stravinskij, fortfarande under Rimskij-Korsakovs vakande blick, komponerade den förtjusande och kortfattade Pastorale för sopran, oboe, engelskhorn, klarinett och fagott.

I en större skala komponerar den franske impressionisten Claude Debussy en ordlös kvinnokör i sin suggestiva orkesterkomposition Sirenes (Nocturne No.3).).

Att använda ordlösa vokalister fortsätter att vara en stimulerande utmaning för kompositörer i dag. Den amerikanske kompositören Stephen Montague skrev ett stycke som han kallade ”Tigida Pipa” (1993) för vokalensemble och förinspelat band.

Med hjälp av en blandning av naturligt förekommande organiska ljud genererar bandet en texturell bakgrund mot vilken sångarna framför ett brett urval av toner, klick, pops och många andra vokalt producerade ljud. Det är ett mycket engagerande, rytmiskt stycke som är roligt att framföra och lika roligt att lyssna på.

Den texturella effekten av kören tillför djup och mystik till en redan färgstark och kreativ partitur. Den gör också styckets titel ännu tydligare.

I filmerna har den ordlösa sången gjort många framträdanden. Ett av de mest hyllade filmstyckena i detta sammanhang är Ennio Morricones öppningstema från ”Once Upon A Time In The West”.

Med all sannolikhet hämtade Morricone inspiration från Rachmaninov Vocalise, men den här låten sätter tonen för en av Sergio Leones mest briljanta westernfilmer.

För att återvända till populärmusikens värld vill jag lämna er med ytterligare ett par ordlösa låtar som gjorde ett bestående intryck på den lyssnande publiken. För det första bandet My Chemical Romance och deras låt ”Na, Na, Na, Na”.

Den här låten har visserligen ord i versen, men refrängen och bakgrundssången består bara av titelns ord. På samma sätt intar Police-låten ”Do, do, do, do” en liknande hållning när det gäller refrängen och med mer än en antydan till torr humor också.