Ellsworth Kelly, der wegen seiner bahnbrechenden Arbeit in der minimalistischen Malerei und Bildhauerei als einer der großen amerikanischen Künstler des 20. Jahrhunderts gilt, starb am Sonntag im Alter von 92 Jahren in seinem Haus in Spencertown, New York. Kelly, der für seine lebendige Verwendung geometrischer Blöcke und intensiver Farben bekannt war, erwarb sich über sieben Jahrzehnte hinweg einen Ruf für farbenfrohe Abstraktion und Werke, die das Wesen ihrer Themen erforschten.

Seine frühesten Kunstwerke entstanden im Dienst der Vereinigten Staaten, als Teil einer speziellen Tarneinheit in Frankreich während des Zweiten Weltkriegs. Kelly und seine Künstlerkollegen hatten die Aufgabe, den Deutschen vorzugaukeln, dass die alliierten Truppen auf dem Schlachtfeld viel größer waren als sie in Wirklichkeit waren, indem sie Panzer und Lastwagen aus Gummi und Holz nachbauten. Obwohl dies eine unkonventionelle frühe Ausbildung für einen Künstler zu sein scheint, erwies sie sich für Kelly als passend.

„Er war in der Lage zu verstehen, dass es diese Realitäten gab, die für die meisten von uns getarnt sind“, sagt Virginia Mecklenburg, Chefkuratorin des Smithsonian American Art Museum. „Er beschwor diese Realitäten herauf – ein ausgeprägtes Gefühl der Schwerkraft oder der Physik von Gewicht und Schwung, über die wir selten in greifbaren Begriffen nachdenken. Nach seinem Dienst schrieb sich Kelly an der School of the Museum of Fine Arts in Boston ein und kehrte 1948 nach Paris zurück, wo er eine Reihe von Einflüssen aufnahm, darunter Picasso und Matisse, asiatische Kunst und romanische Kirchen. Er kehrte in die Vereinigten Staaten zurück und präsentierte 1956 seine erste Einzelausstellung. Drei Jahre später wurde Kellys Werk in die Ausstellung 16 Americans des Museum of Modern Art (MoMA) aufgenommen. Seine geometrisch-abstrakten Werke wurden 1959 von dem Kunsthistoriker Jules Langsner zusammen mit denen anderer amerikanischer Maler wie Ad Reinhardt und Brice Marden als „Hard-Edge-Malerei“ bezeichnet.

In den 1960er Jahren schuf er sich seine eigene Nische abseits der New Yorker und Pariser Kunstwelt. Mecklenburg sagt, was sie an seinem Werk bemerkenswert findet, ist die Art und Weise, wie er die Architektur, Bilder und andere visuelle Elemente, die er in der Welt und in der Kunst sah, reduzierte und sie in direkte, viszerale Abstraktionen verwandelte. Mit Grundfarben – Blau, Grün, Weiß, Schwarz – und einzelnen Leinwänden (später auch mit mehreren Leinwänden und Skulpturen) schuf er Aussagen, die „weniger beschreibend als evokativ“ waren, wie sie sagt.

„Man braucht Zeit, um sie zu betrachten, aber wenn man einen Schritt zurücktritt, merkt man, dass man etwas sieht, das man immer wieder gesehen hat“, sagt Mecklenburg und nennt als Beispiel das Gemälde „Blue on White“ aus dem Jahr 1961, das im American Art Museum ausgestellt ist und das ihrer Meinung nach an ein sich entfaltendes Blatt erinnert. „Plötzlich beginnt man zu verstehen, wie stark der visuelle Impuls in jedem Menschen ist, wenn man die erzählerischen Ideen loslöst.“

Er stellte 1966 auf der Biennale in Venedig aus (und in den folgenden Jahren auf drei weiteren), hatte 1973 seine erste amerikanische Retrospektive im MoMA und sechs Jahre später seine erste große europäische Retrospektive im Stedelijk Museum in Amsterdam.

„Ellsworth Kelly vollzog den Übergang von der geometrischen Abstraktion der Nachkriegszeit zur minimalistischen Bewegung, die in den frühen 1970er Jahren begann“, sagt Valerie Fletcher, leitende Kuratorin am Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, das 22 Werke Kellys besitzt, darunter „White Relief over Dark Blue“ von 2002, das im dritten Stock des Museums zu sehen ist, und eine unbetitelte Skulptur von 1986, die im Garten ausgestellt ist. „Wenn man seine Gemälde mit denen anderer Künstler seiner Generation vergleicht, sind sie viel schlichter.“

Einige dieser Werke haben eine „totemistische“ Qualität, wie Mecklenburg es beschreibt, und verweist auf „Memorial“, seine Wandskulptur aus vier weißen Platten im United States Holocaust Memorial Museum. „Wie kann man über etwas von diesem Ausmaß sprechen?“, fragt sie. „

Seine einfache, geometrische Herangehensweise hatte Einfluss auf die nächste Generation von Minimalisten – Frank Stella, Donald Judd und andere – mit Werken, die das Wesen von Ideen oder Emotionen auf greifbare und taktile Weise erforschten.

„Er hatte einen enormen Einfluss auf die Kunstwelt, aber das Werk spricht jeden an, der es betrachtet“, fügt Mecklenburg hinzu. „Ich muss sagen, dass viele seiner Arbeiten ein Gefühl der Freude und der Energie vermitteln. Man kehrt irgendwie ins Zentrum zurück, wenn man sie ansieht.“