Tutto sembra semplice nei primi gradi. Il beat è la pulsazione costante della musica e il ritmo è la durata variabile di ciò che viene cantato o suonato. Usando il movimento, gli studenti imparano la differenza tra battito e ritmo camminando il battito e battendo il ritmo. Poiché non stanno facendo la stessa cosa con i loro piedi e le loro mani, è facile capire che non sono la stessa cosa. La questione diventa più complicata quando gli studenti diventano più grandi. Intorno agli undici anni, sviluppano le proprie preferenze musicali e diventano più attaccati alla musica della cultura popolare. Con questo cambiamento nel modo in cui si relazionano con la musica e con i loro coetanei, gli studenti iniziano a parlare del ritmo in un modo diverso. Usano la parola per descrivere l’effetto ritmico complessivo che la musica ha su di loro; una comprensione più accuratamente descritta come groove. Groove è l’effetto combinato di ritmo e battito sul corpo; è una parola che descrive come il nostro corpo risponde alla musica con il movimento. Etichettare il groove come beat fa sorvolare sulla struttura ritmica della musica, rendendo quasi certo che la comprensione delle sue parti componenti, cioè ritmo, beat e metro, sarà trascurata.

Come insegnanti di musica, ci troviamo di fronte a un malinteso causato dall’uso comune ma fuorviante della parola beat. Parte della soluzione è essere sicuri che il nostro insegnamento vada oltre il vocabolario e includa l’applicazione e l’esperienza. Definire il ritmo come la pulsazione costante della musica è solo impegnare l’intelletto nell’apprendimento del concetto – non sviluppa la comprensione più profonda che viene dall’esperienza del ritmo mentre si è consapevoli di ciò che si sta sperimentando, e manipolando il ritmo con azioni creative e interpretative, che fornisce rilevanza e comprensione ancora più profonda. Ecco come questo potrebbe svolgersi in una classe. In primo luogo, l’insegnante ha insegnato agli studenti cosa sono il beat, il ritmo e il groove, in modo che possano definirli. Questa è la parte intellettuale dell’apprendimento di un concetto, e deve venire prima. Poi gli studenti potrebbero sentire l’insegnante di musica suonare un modello ritmico ripetuto, che è facilmente riconoscibile dagli studenti. Poi l’insegnante suona lo stesso schema ritmico ripetuto, ma ad un tempo diverso, e chiede agli studenti dei tre elementi, battito, ritmo e groove, quale o quali sono cambiati? L’attività viene poi ripetuta, ma con gli studenti che suonano il motivo con strumenti a percussione o ritmici. Quando cambia il battito o il ritmo, il groove ne sarà influenzato. Il groove non deve essere confuso con lo stile. Il funk è uno stile, non un groove. Il groove del funk è l’effetto dei ritmi caratteristici e del beat dello stile funk. Quell’effetto cambierà sempre quando si cambia il ritmo o il battito, quindi il groove può cambiare anche quando lo stile non cambia.

Quando uno studente dice che una canzone ha un ritmo che gli piace, molto probabilmente si riferisce al groove. Reindirizzare la conversazione al groove apre l’opportunità di scoprire quale combinazione di ritmo e battito ha creato il groove che piace allo studente, e presenta opportunità creative per gli studenti di esplorare la possibilità di armeggiare con il ritmo e il battito separatamente per alterare il groove. Gli studenti tendono ad essere profondamente radicati in un piccolo numero di ritmi che si ripetono nella musica che ascoltano, quindi creare nuovi ritmi che risultino nello stesso o simile groove aiuta ad ampliare il loro apprezzamento della musica, e li sposta dall’essere consumatori di musica a creatori di musica, un passo importante per diventare educati musicalmente. Gli studenti devono arrivare a capire che gli autori di canzoni e i compositori hanno a disposizione beat, ritmo e battito da manipolare in qualsiasi modo scelgano, e che il risultato di queste decisioni creative è un particolare groove e/o stile, ed è molto legato all’intento espressivo del creatore della musica.