XVIII wiekEdit
W XVI wieku commedia dell’arte rozprzestrzeniła się z Włoch na całą Europę, a w XVII wieku adaptacje jej postaci były już znane w sztukach angielskich. W wersjach angielskich harlequinady różniły się od commediowego pierwowzoru pod dwoma ważnymi względami. Po pierwsze, zamiast być łotrzykiem, Harlequin stał się centralną postacią i romantycznym przywódcą. Po drugie, bohaterowie nie mówili; było to spowodowane dużą liczbą francuskich wykonawców, którzy grali w Londynie, po tym jak w Paryżu zlikwidowano nielicencjonowane teatry. Chociaż to ograniczenie było tylko tymczasowe, angielskie harlequinady pozostały głównie wizualne, chociaż niektóre dialogi zostały później dopuszczone.
Do wczesnych lat 18 wieku, „włoskie sceny nocne” przedstawiały wersje tradycji Commedia w znanych londyńskich sceneriach. Z nich rozwinęła się standardowa angielska harlequinada, przedstawiająca uciekających kochanków, Harlequina i Columbine, ściganych przez głupiego ojca dziewczyny, Pantalona, i jego komiczne sługi. Podstawowa fabuła pozostała zasadniczo taka sama przez ponad 150 lat. W pierwszych dwóch dekadach wieku, dwa rywalizujące ze sobą londyńskie teatry, Lincoln’s Inn Fields Theatre i Theatre Royal, Drury Lane, prezentowały produkcje, które zaczynały się poważnie od klasycznych historii z elementami opery i baletu, a kończyły komiczną „sceną nocną”. W 1716 roku John Weaver, mistrz tańca w Drury Lane, zaprezentował „The Loves of Mars and Venus – a new Entertainment in Dancing after the manner of the Antient Pantomimes”. W Lincoln’s Inn, John Rich prezentował i występował jako Harlequin w podobnych produkcjach. Historyk teatru David Mayer wyjaśnia użycie „batte” lub slapstick i „sceny transformacji”:
Rich dał swojemu Harlequinowi moc tworzenia magii scenicznej w lidze z rzemieślnikami spoza sceny, którzy obsługiwali sztuczną scenografię. Uzbrojony w magiczny miecz lub kij (właściwie slapstick), Harlequin Richa traktował swoją broń jak różdżkę, uderzając w scenografię, aby podtrzymać iluzję zmiany scenerii z jednego miejsca na drugie. Przedmioty również były przekształcane przez magiczny kij Harlequina.
Produkcje Richa były hitem i inni producenci, jak David Garrick, zaczęli produkować własne pantomimy. Ten schemat utrzymywał się w teatrach londyńskich przez resztę wieku. Gdy producentom zabrakło wątków z mitologii greckiej lub rzymskiej, sięgnęli po brytyjskie opowieści ludowe, literaturę popularną, a do 1800 roku także po bajki dla dzieci. Jednak bez względu na to, jaka historia została przedstawiona w pierwszej części przedstawienia, harlequinada pozostawała zasadniczo taka sama. Pod koniec pierwszej części, iluzje sceniczne zostały wykorzystane w spektakularnej scenie transformacji, zainicjowanej przez wróżkę, zmieniającą postacie pantomimiczne w Harlequina, Columbine i ich kolegów.
XIX wiek i późniejEdit
Na początku XIX wieku popularny komik Joseph Grimaldi przekształcił rolę Klauna z „rustykalnego cycka w gwiazdę wielkomiejskiej pantomimy”. Dwa wydarzenia w 1800 roku, oba z udziałem Grimaldiego, znacznie zmieniły postaci pantomimiczne: Do pantomimy Peter Wilkins: lub Harlequin w latającym świecie, wprowadzono nowe projekty kostiumów. Błazen zamienił swój sfatygowany strój służącego na krzykliwy, kolorowy kostium. W Amulecie Harlequin; lub, Magia Mona, później w tym samym roku, Harlequin został zmodyfikowany, stając się coraz bardziej stylizowane romantyczny charakter pozostawiając psoty i chaos do Grimaldi’s Clown.
Clown teraz pojawił się w różnych rolach, od rywala zalotnik do domu kucharz lub pielęgniarka. Popularność Grimaldiego zmieniła równowagę w rozrywce wieczoru, z pierwszą, stosunkowo poważną częścią, która wkrótce zmniejszyła się do tego, co Mayer nazywa „niewiele więcej niż pretekstem do określenia postaci, które miały zostać przekształcone w te z harlequinady.” W XIX wieku przedstawienia teatralne trwały zazwyczaj cztery lub więcej godzin, a pantomima i harlequinada kończyły wieczór po długim dramacie. Pantomimy miały podwójne tytuły, opisujące dwie niepowiązane ze sobą historie, takie jak „Mała Miss Muffet i Mały Chłopiec Blue, lub Harlequin i Stary Tata Długonogi.”
W rozbudowanej scenie zainicjowanej „slapstickiem” Harlequina, Wróżka Królowa lub Wróżka Matka Chrzestna przemieniała postacie z pantomimy w bohaterów harlequinady, którzy następnie odgrywali harlequinadę. Przez cały XIX wiek, wraz z udoskonalaniem maszyn scenicznych i technologii, transformacja scenografii stawała się coraz bardziej spektakularna. Kiedy transformacja była już zakończona, Clown ogłaszał: „Here We Are Again”. Scenerią była zazwyczaj scena uliczna zawierająca kilka pułapek scenicznych, drzwi i okien. Clown wyskakiwał przez okna i pojawiał się ponownie przez drzwi pułapki. Kradł kiełbasy, kurczaki i inne rekwizyty, które upychał w kieszeniach, dzieląc je później niesprawiedliwie ze wspólnikiem. Smarował masłem próg sklepu mięsnego, aby przechytrzyć swoich prześladowców. Zazwyczaj nie było zbyt wielu dialogów słownych, za to dużo interesów z „rozgrzanym pogrzebaczem”. Harlequin za pomocą swojej magicznej różdżki lub laski zamieniał psa w kiełbasę, a łóżko w końskie koryto, ku zaskoczeniu śpiącej ofiary. Clown nurkowałby w tarczy zegara, która nie wykazywałaby żadnych oznak wejścia.
Harlequinada straciła popularność w latach osiemdziesiątych XIX wieku, kiedy music hall, wiktoriańska burleska, opera komiczna i inne komiczne rozrywki zdominowały brytyjską scenę komediową. W pantomimie sceny miłosne pomiędzy Harlequinem i Columbine skurczyły się do krótkich pokazów tańca i akrobatyki, baśniowe otwarcie zostało przywrócone do pierwotnej rangi, a pod koniec XIX wieku harlequinada stała się jedynie krótkim epilogiem do pantomimy. Utrzymywała się jeszcze przez kilka dziesięcioleci, ale w połowie XX wieku całkowicie zanikła. Ostatnia harlequinada została zagrana w Lyceum Theatre w 1939 roku.