Berry Gordy, Jr wie coś o artystach – przynajmniej tych muzycznych. Kiedy założyciel Motown nazwał legendę soulu Marvina Gaye’a „Najprawdziwszym artystą, jakiego kiedykolwiek znałem. I prawdopodobnie najtrudniejszym”, wiedział, o czym mówi. Gordy spędził najlepszą część dwóch dekad pracując z człowiekiem urodzonym 2 kwietnia 1939 roku jako Marvin Pentz Gay Jr.

Gordy był świadkiem, jak tworzył on jedne z najwspanialszych utworów soulowych, jakie kiedykolwiek zapisano na taśmie – i jedne z najbardziej zapalczywych. Widział, jak piosenkarz rozpadał się i składał na nowo po śmierci swojego największego partnera wokalnego, którego części składowe były obecne, ale niekoniecznie w tej samej konfiguracji. Widział, jak został jego szwagrem, a następnie obserwował, jak małżeństwo Gaye’a i Anny Gordy rozpada się w wyjątkowy sposób, wydając płytę piękną i tragiczną, prawdopodobnie pierwszy prawdziwy „album rozwodowy”. Patrzył, jak odchodzi z Motown, cierpiąc z powodu uzależnienia, być może mając nadzieję, że pewnego dnia powróci, by założyć swoją koronę jako największy męski artysta Motown – być może największy, w ogóle.

Można by się spodziewać, że w relacjach między najprawdziwszym artystą a najbardziej rozgarniętym szefem wytwórni będzie cierpienie, i tak było. Ale to, co z tego wynikło, było w najlepszym wypadku prawdziwe, nieugięte, szczere – i, tak, twarde i prawdziwe. Muzyka soulowa to niebo i piekło, i to właśnie dał nam Marvin Gaye. Więcej tego pierwszego niż drugiego, ale jeśli nie znasz piekła, nie rozpoznasz nieba, gdy je zobaczysz.

Słuchaj najlepszych utworów Marvina Gaye’a w Apple Music i Spotify.

W kontakcie ze swoją intymną naturą

Marvin cierpiał dla swojej sztuki, dla swojej duszy – i to było słychać. Nie wstydził się. Nie znał innego sposobu, który by działał. Marvin żył tym.

„Prawdziwość” Marvina Gaye’a była ciężko wypracowana. Ktoś, kto był tak bliski swojej intymnej natury i uczuć, prawdopodobnie nie miał miejsca na scenie. Mikrofon był jego konfesjonałem, kabina wokalna jego skrzynką zwierzeń: tak się czuję, właśnie tutaj, właśnie teraz.

Próba odtworzenia tego momentu na zamówienie w trasie mogła być wykonana, ponieważ był tak genialnym piosenkarzem. Ale to nie był naprawdę Marvin w jego szczytowym momencie, grzebiąc w swojej duszy i odkrywając, co tam było, aby to wypuścić. Występowanie to był inny proces. Trzeba było przedstawić jakąś wersję samego siebie. Ale Marvinowi nie chodziło o wersje, tylko o autentyczny moment. Znany był z tego, że nie był wspaniałym tancerzem i nie lubił występować na tyle, że cierpiał na tremę, ale akceptował swoją rolę, a jego występy wciąż stanowiły szczytowy punkt muzycznego życia jego fanów. Przez lata było wielu prawdziwych Marvinów, ale praca jako wykonawca oznaczała, że musiał nauczyć się wypuszczać tego prawdziwego w każdej chwili.

Uporczywy typ faceta

Marvin rozpoczął swoją karierę muzyczną śpiewając doo-wop. Pierwszą grupą, z którą współpracował był Harvey & The New Moonglows. Podpisał kontrakt z wytwórnią Motown na początku 1961 roku, a jego pierwsze wydawnictwa, wykonane w stylu wahającym się między R&B, swingiem i rodzącym się soulowym brzmieniem, nie sprzedawały się dobrze, choć wokalna werwa Gaye’a była widoczna od samego początku.

Jego skłonność do introspekcji podczas pracy doprowadziła do tego, że kazano mu śpiewać z otwartymi oczami na scenie. Jego uparta natura oznaczała, że zajęło mu trochę czasu, aby zdać sobie sprawę, że to była dobra rada, i w przeciwieństwie do innych artystów Motown, odmówił wzięcia lekcji w inscenizacji i jak się deportować. Jego czwarty singiel i pierwszy przebój, ʻStubborn Kind Of Fellow” z 1962 roku, miał w swoim tytule element prawdy. Być może uznał jego status przeboju za znak, że autentyczność działa na jego korzyść.

W Gaye’u od początku tkwiła pewna magia. Jego styl wokalny wydawał się natychmiast dojrzały na wczesnych hitach, takich jak „Hitch-Hike”, „Pride And Joy” i „Can I Get A Witness”, i choć jego głos nieco się rozwinął, fan starszego Marvina Gaye’a nigdy nie pomyliłby tych nagrań z nikim innym. Brzmiał tak samo olśniewająco w duecie, niezależnie od tego, czy było to ʻOnce Upon A Time” u boku Mary Wells, czy ʻWhat Good Am I Without You” z Kim Weston.

Odnajdywanie siebie, pragnienie więcej

Ale podczas gdy single pozostawały urzekające i niemal automatycznie wchodziły na listy przebojów w USA, albumy Marvina ujawniały piosenkarza, który nie był w pełni zadowolony z życia jako młoda gwiazda soulu. Marvin chciał więcej – Marvin zawsze chciał więcej – i starał się odnaleźć siebie na serii albumów, które, jeśli nie były całkowicie nieodpowiednie, to nie wykorzystywały jego mocnych stron. When I’m Alone I Cry i Hello Broadway (1964) oraz A Tribute To The Great Nat „King” Cole (1965) to albumy, na których piosenkarz szukał swojej niszy jako jazzowy, a nawet nieco średni wokalista, i choć nie są one pozbawione uroku, droga Gaye’a leżała gdzie indziej.

Żaden z tych albumów nie trafił na listy przebojów, natomiast jego soulowy album z tego samego okresu, How Sweet It Is To Be Loved By You, sprzedawał się dobrze i był pełen porywających kawałków, takich jak ʻTry It Baby’, ʻBaby Don’t You Do It’, ʻYou’re A Wonderful One’ i utwór tytułowy.

Dziś może się wydawać, że to oczywiste, w jakim kierunku powinien zmierzać Marvin, ale tak naprawdę te błędne albumy nie były całkowicie niespodziewane: soul był stosunkowo nową muzyką i nikt nie wiedział, jak długo potrwa. Wielu piosenkarzy uważało, że aby zarobić na życie, będą musieli pracować w nocnych klubach, więc wszechstronność będzie ich atutem. Motown popierało ten punkt widzenia i być może odetchnęło z ulgą, że bezkompromisowy Marvin chroni swoją przyszłość, kiedy już walczył o to, by nie stać się kolejną wyszkoloną gwiazdą gotową na showbusiness.

Kariera, która uczyni go legendą

Śpiewanie nie było jedyną struną w smyczku młodego Marvina. Potrafił grać na kilku instrumentach, a na udanych sesjach Motown grał na perkusji. Szybko okazał się utalentowanym – jeśli nie płodnym – pisarzem, współtworząc „Dancing In The Street” i „Beechwood 4-5789”, wielkie przeboje odpowiednio dla Marthy & The Vandellas i The Marvelettes, oraz swoje własne „Wherever I Lay My Hat (That’s My Home)”, „Pride And Joy” i „Stubborn Kind Of Fellow”. W 1965 r. zaczął otrzymywać kredyty jako producent, a w 1966 r. wyprodukował jedną stronę debiutanckiego singla Gladys Knight & The Pips w Motown, a następnie pracował z Chrisem Clarkiem i The Originals. To były podstawy kariery, która uczyniła go legendą.

Jednakże w połowie lat 60. nie było to w żadnym wypadku pewne. Muzyka soul była pełna talentów i choć jego gwiazdorstwo było oczywiste, Marvinowi daleko było do bycia jej największym nazwiskiem. Ale za granicą było o nim głośno, zdobył sobie spore grono kultowych fanów w Wielkiej Brytanii, Francji i Niemczech. Dla brytyjskich modsów posiadanie „Can I Get A Witness”, „Ain’t That Peculiar” (1965) i „One More Heartache” (1966), singli, które nie tyle zapraszały na parkiet, co praktycznie wciągały nań, kopiąc, krzycząc i robiąc przy tym podchody, było odznaką honoru.

It takes two

Ale to właśnie praca Marvina jako duetysty zaczęła cementować jego status jako uznanej gwiazdy. Sparing z Kim Weston w utworze „It Takes Two” przyniósł wielki przebój w 1966 roku, ale kiedy Weston odeszła z Motown w następnym roku, firma znalazła mu nową partnerkę wokalną, która okazała się inspirującym wyborem.

Tammi Terrell, była członkini rewii Jamesa Browna, wydała kilka słabo wypromowanych singli w Motown, ale rozkwitła pracując u boku Marvina. Ich pierwszy album, United (1967), został wyprodukowany przez Harvey’a Fuqua (Harvey z The Moonglows, z którym Marvin współpracował w latach poprzedzających Motown) i Johnny’ego Bristola. Marvin napisał skromnie udany singiel „If This World Were Mine”, który Tammi szczególnie lubiła, a producenci dali im „If I Could Build My Whole World Around You”, ale prawdziwe hity albumu zostały napisane przez nowy, gorący zespół kreatywny Motown, Nicka Ashforda i Valerie Simpson. Ich „Your Precious Love” był największym przebojem United, ale kolejny singiel okazał się zapierającym dech w piersiach szczytem muzyki soul: „Ain’t No Mountain High Enough”.

Praktycznie definicja soulu z ambicjami, „Ain’t No Mountain High Enough” czerpie z korzeni gospel i łączy je z wielkomiejskim nastawieniem, tworząc symfoniczną całość. Jeśli cię to nie poruszyło, to znaczy, że coś w tobie umarło. Jako wyznacznik przybycia Ashforda i Simpsona do Motown, był idealny. Jako dowód na to, że Marvin i Tammi mieli szczególną magię, jest bezdyskusyjna. Jako płyta, która pomogła umieścić Marvina wśród najwyższych sfer artystycznych osiągnięć, była historyczna.

Początkowo Marvin wzdrygał się na myśl o połączeniu go z trzecią śpiewającą kobietą, uważając to za bardziej reprezentatywne dla komercyjnego ukierunkowania Motown niż jego własne artystyczne imperatywy. Na początku Marvin i Tammi uczyli się i nagrywali piosenki oddzielnie. Dopiero kiedy zaczęli pracować razem nad utworami, Marvin zdał sobie sprawę, jak magiczna może być ich współpraca. Dogadywali się jak bliźniacy. Tammi, weteranka kilku koncertów w ciągu nocy z zespołem Jamesa Browna, była bardziej zrelaksowana i zręczniejsza na scenie niż jej nowy muzyczny partner. Marvin nie musiał już sam dźwigać za sobą publiczności, co sprawiło, że po raz pierwszy poczuł się swobodnie w świetle reflektorów. Sukces z Tammi uwolnił go jako artystę, a jego płyty solowe zaczęły obierać inny, głębszy kierunek.

You’re all I need to get by

Z Tammi, Marvin spędził większą część 1968 roku na listach przebojów, dzięki chwytającemu za serce ʻAin’t Nothing Like The Real Thing’, You’re All I Need To Get By” oraz „Keep On Lovin’ Me Honey”, wszystkie autorstwa Ashforda & Simpsona, który teraz zajmował się również produkcją. W tym ostatnim Marvin zawodzi „Oh Tammi”, dodając „Ain’t no good without ya, darlin'”. Wkrótce dowie się, jakie to uczucie, a ewentualna strata Tammi głęboko dotknie Marvina.

W październiku ’67, Tammi upadła w jego ramiona, gdy występowali w Virginii. Zdiagnozowano u niej złośliwego guza mózgu, ale walczyła dalej, wracając po pierwszej z kilku operacji, aby nagrać te potężne duety z 1968 roku. Ich wspaniały drugi album, You’re All I Need, ukazał się w tym samym roku, ale w ’69 schorowana Tammi wycofała się z występów na żywo.

Budowa trzeciego i ostatniego LP duetu razem, Easy, była niczym innym, z Valerie Simpson pomagającą na wokalu, gdy Tammi była zbyt chora, aby śpiewać. Poppy „The Onion Song” i porywający „California Soul” stały się ostatnimi dwoma wspólnymi przebojami Marvina i Tammi. Tammi odeszła w marcu 1970 roku, pozostawiając Marvina pogrążonego w żałobie.

Soulowe poszukiwania w mrocznych czasach

Związek z Tammi zapewnił Marvinowi stały poziom sukcesu, który zdjął z niego presję w jego karierze solowej – nie musiał się już tak bardzo starać, aby odnieść sukces. Ale jego single, teraz pod produkcyjnym nousem Normana Whitfielda, stały się mroczniejsze, ponieważ na jego nastrój wpływał zły stan zdrowia Tammi.

Jego wersja „I Heard It Through the Grapevine”, wydana w 1968 roku, była o wiele poważniejsza niż poprzednie kawałki Smokeya Robinsona & The Miracles, Gladys Knight & The Pips i Bobby’ego Taylora & The Vancouvers, i była numerem 1 po obu stronach Atlantyku. W „Too Busy Thinking About My Baby” Marvin brzmiał na autentycznie zahipnotyzowanego w swoim pożądaniu. Utwór „That’s The Way Love Is” nawiązuje do niespokojnego nastroju utworu „Grapevine”, a jego wersja protestacyjnego lamentu Dicka Hollera „Abraham, Martin And John” jest pięknie refleksyjna. To już nie był szybkostrzelny Marvin z połowy lat 60-tych, który dawał duszy brzęczenie; to był człowiek szukający swojej duszy na winylu. Jednorazowy singiel gospel, ʻHis Eye Is On The Sparrow”, nagrany w ’68 roku na potrzeby albumu hołdowniczego, In Loving Memory, miał w sobie tęsknotę za odkupieniem, która zapowiadała muzykę, jaką Marvin będzie tworzył na początku lat 70-tych.

To były mroczne dni dla Marvina, pomimo jego sukcesu. Nic dziwnego, że tak dobrze poradził sobie z piosenką napisaną przez Rodgera Penzabene’a, „The End Of Our Road”, singlem z 1970 roku; mogła ona odnosić się do utraty jego śpiewającego partnera. Penzabene napisał ją w 1967 roku, kiedy rozstawał się ze swoją żoną, i niestety odebrał sobie życie jeszcze w tym samym roku. Gaye mógł o tym wiedzieć. Ale nie poszedł tą samą drogą, kiedy Tammi zmarła. Zamiast tego, zatracił się w muzyce.

Co się dzieje?

Marvin miał zamiar na nowo odkryć swoją muzykę, i zajęło trochę czasu, aby to nowe brzmienie się ułożyło. Album, który powstał w wyniku długich sesji – i jeszcze dłuższej debaty z szefem Motown Berrym Gordy’m, czy warto go wydać – został uznany za zerwanie z tym, co było wcześniej, ale już od jakiegoś czasu istniały wskazówki co do What’s Going On. Solowe single Marvina od 1968 roku były coraz bardziej introspektywne, mimo że to nie on je napisał. Jego brat Frankie walczył na wojnie w Wietnamie, co naturalnie martwiło piosenkarza; Marvin zwrócił uwagę na protesty ruchu hipisowskiego przeciwko konfliktowi, w których „pikiety i niegodziwe znaki” spotykały się z brutalnymi obelgami. Jego wokal w utworze „Abraham, Martin And John” był najwyraźniej szczery, a występ w utworze „His Eye Is On The Sparrow” pokazał, że mógłby wydobyć z siebie tyle pasji na plastiku, gdyby tylko sobie na to pozwolił.

Marvin zaczął realizować niektóre ze swoich muzycznych pomysłów podczas produkcji jednej z niezasłużenie drugorzędnych grup Motown. The Originals śpiewali jako back-up na wielu sesjach dla Motown, w tym niektórych Marvina, i pomimo braku przebojów w swoim własnym dorobku, byli naprawdę najwyższej jakości zespołem wokalnym z więcej niż odrobiną doo-wopu w swoim DNA. Marvin był współautorem ich singla z 1968 r. „You’re The One”, a jego subtelna, lekko meandrująca melodia zawierała wskazówki dotyczące muzyki, którą miał stworzyć trzy lata później. Marvin przejął stery produkcji singla The Originals z 1969 r. „Baby I’m For Real”, a także utworów z 1970 r. „The Bells”/”I’ll Wait For You” i „We Can Make It Baby”. Wszystkie są absolutnie piękne, a wiele elementów What’s Going On czai się w warstwowych wokalach, marzycielskiej atmosferze, niespiesznym groovie, melodii „get-there-eventually” i chrzęszczących gitarach. Na tych płytach Marvin pracował z kilkoma postaciami, które wkrótce miały pomóc w wydaniu jego definitywnych albumów z początku lat 70-tych, w tym ze współautorem Jamesem Nyxem i aranżerem Davidem Van DePitte.

Kolejnym, i być może mniej prawdopodobnym, wpływem na nowy kierunek Marvina był Renaldo „Obie” Benson, jeden z Four Tops, którego singiel z 1970 roku „Still Water (Love)”, napisany wspólnie przez Smokeya Robinsona i jego producenta Franka Wilsona, nosił wiele dźwiękowych, a nawet lirycznych znamion What’s Going On. Benson, do tej pory nieznany jako autor tekstów, udał się do Marvina z pomysłami, które dzięki jego współpracy stały się utworem tytułowym What’s Going On oraz dwoma kolejnymi istotnymi utworami, ʻSave The Children’ i ʻWholy Holy’.

Marvin powoli tworzył swój przełomowy album i pomimo wątpliwości Berry’ego Gordy’ego, który uważał go za zbyt jazzowy, rozwlekły i niekomercyjny, ukazał się on w maju 1971 roku. What’s Going On spotkał się z trwałym uznaniem krytyków, współczesną aprobatą w licznych coverach kilku piosenek, a co ważne dla Marvina, ponieważ udowodnił, że jego wizja może być sprzedana, album trafił do Top 10 w USA.

Wygłosił w końcu swoje pełne, niezakłamane oświadczenie, pisząc, produkując i ustanawiając siebie jako poważnego artystę, który nadal sprzedawał płyty. What’s Going On dostarczył trzy znaczące przebojowe single. Wątpliwości? Gordy był szczęśliwy, że udowodniono mu, iż się mylił.

You’re the man

Ale ścieżka prawdziwego talentu nigdy nie biegnie gładko. Pierwszy singiel Marvina z jego kolejnego projektu, „You’re The Man”, był wspaniały – ale nie komercyjny, i zatrzymał się na pozycji nr 50 na liście Billboard Hot 100. Czując presję, aby dostarczyć płytę na równi ze swoim arcydziełem, zrezygnowano z bardzo upolitycznionego albumu o tym samym tytule. (Wydany 47 lat później You’re The Man to „zaginiony” album z outtakes i rozproszonymi sesjami, który ujawnił, że rok 1972 był fascynującym okresem przejściowym w karierze Gaye’a.)

Zanim rok się skończył, Marvin rozpoczął pracę nad świetnym soundtrackiem do filmu blaxploitation, Trouble Man, wydanym w listopadzie tego samego roku. Do czasu ukazania się pełnego albumu wokalnego Marvina Gaye’a, atmosfera w soulu nieco się zmieniła, a piosenkarz skupił się teraz na poświęceniu intymnym sprawom takiej intensywnej uwagi, jaką wcześniej kierował na stan świata.

Let’s Get It On

Let’s Get It On (1973) był kolejnym arcydziełem, bujnym, osobistym, zachwycającym – nawet brudnym – i początkowo sprzedawał się lepiej nawet niż What’s Going On, pozostając na amerykańskiej liście przebojów przez dwa lata. Dwa klasyczne albumy w ciągu trzech lat, do tego bardzo wiarygodny soundtrack: Korona Marvina pozostała na swoim miejscu.

Jednak był rozproszony. Dwa miesiące po wydaniu Let’s Get It On, w sierpniu ’73, pojawił się kolejny album sygnowany jego nazwiskiem: Diana & Marvin, spotkanie komercyjnych gigantów Motown z początku lat 70. i ostatni album duetowy Marvina. Po śmierci Tammi Terrell niechętnie podchodził do nagrywania z kolejną partnerką, uważając takie projekty za przeklęte, ponieważ dwie z jego poprzednich partnerek odeszły z firmy wkrótce po zakończeniu współpracy, a Terrell opuściła sferę ziemską. Marvin jednak ustąpił, czując, że dzięki temu jego wizerunek wzrośnie. W efekcie powstała ciepła, bardzo uduchowiona płyta. Nie mogło być inaczej.

Nie było kolejnych albumów studyjnych Marvina aż do 1976 roku. Nie był pewien, w którym kierunku powinien podążać, co nie poprawiło się z powodu ilości marihuany, którą palił i rozpadu jego małżeństwa z Anną Gordy Gaye, przyspieszonego przez pojawienie się nowej miłości w jego życiu, Janis Hunter, która była jeszcze nastolatką. Lukę wypełnił wydany w 1974 roku album Marvin Gaye Live! (co może być zaskakujące, gdyż po śmierci Terrella piosenkarza dopadła trema), który zawierał wymowny utwór „Jan” oraz zachwycającą wersję „Let’s Get It On”, która stała się hitem Top 20 w USA. Jego stosunek do przeszłości ujawnił się w wersji niektórych przebojów z lat 60-tych, którą zatytułował „Fossil Medley”.

Gaye w końcu zabrał się za nagrywanie nowego albumu, wyprodukowanego przez Leona Ware’a I Want You, lubieżnego śpiewnika z odami do Janis, które były tak samo częścią poświęcenia Ware’a dla jednoznacznie erotycznego soulu, jak i krokiem na artystycznej ścieżce Gaye’a. Z funkowo-dyskotekowym klimatem, album wciąż brzmi świetnie, choć jego głębokie, buduarowe groove’y nigdy nie dorównały dwóm poprzednim studyjnym albumom Ware’a pod względem radykalności oddziaływania. Od drugiego singla z albumu, „After The Dance”, do seksownej elektroniki z powrotu Gaye’a z lat 80. można poprowadzić prostą linię, która łączy go z „Sexual Healing”.

Got to give it up

W 1978 roku Marvin wydał Here, My Dear, odwrotną stronę do I Want You, ponieważ była ona dedykowana jego zrażonej żonie, z którą prowadził skomplikowane spory o alimenty, na które najwyraźniej nie było go stać. Zgodził się przekazać połowę swoich tantiem za Here, My Dear kobiecie, która była teraz byłą panią Gaye. Na nieszczęście dla niej, album nie sprzedał się szczególnie dobrze. Marvin początkowo postanowił nie wkładać w nią zbyt wiele wysiłku, ponieważ postrzegał ją jako zobowiązanie umowne, ale prawdziwy artysta w nim znów się ujawnił i to, co stało się podwójnym albumem, okazało się czymś w rodzaju tour de force, ponieważ wyrzucił z siebie agonię i radość związku – od pierwszego spotkania do osobistej katastrofy. Marvin brzmi miejscami trochę nieskoncentrowany, ale jego głos jest w pięknej formie, a łagodny funkowy klimat dobrze się sprawdza. Nawet eskapistyczna fantazja ʻA Funky Space Reincarnation’ okazała się klejnotem.

Poprzednio, wydany w 1977 roku Live At The London Palladium był przyzwoitym albumem, podwójnym zestawem zakwaszonym przez jeden utwór studyjny, 11-minutowy ʻGot To Give It Up’, który osiągnął pozycję nr 1 w USA i był tak dyskotekowy, jak tylko Gaye był w stanie. Wciąż jest to utwór, który wypełnia parkiet. Inny singiel z 1979 roku, „Ego Tripping Out”, nie był ani do końca funkowy, ani dyskotekowy i okazał się względną klapą; Marvin dopracowywał go przez wiele miesięcy, ale potem porzucił album, na którym miał się znaleźć, ku niezadowoleniu Motown. Jego ostatni album dla wytwórni, In Our Lifetime, zawierał więcej materiału zainspirowanego nieudanym związkiem, tym razem małżeństwem z Janis. Motown, urażone niedostarczeniem przez Marva jego poprzedniego albumu, przerobiło niektóre z utworów na In Our Lifetime i wypuściło go w pośpiechu, zanim Marvin zdążył go ukończyć. Nie należy jednak zakładać, że jest to album poniżej normy: mówimy tu o albumie Marvina Gaye’a. Przynajmniej częściowo pomyślany jako filozoficzny i religijny traktat, jest wciągającym, funkowym i soulowym romansem. Zwłaszcza „Praise” i „Heavy Love Affair” to utwory najwyższej klasy.

Marvin Gaye był muzyką duszy

Na poziomie osobistym, Marvinowi zaczęły odbijać się koła. Ścigano go za miliony dolarów niezapłaconych podatków. Miał problem z narkotykami i przeprowadził się na Hawaje, do Londynu i Ostendy w Belgii, aby pozbyć się finansowych prześladowców i swoich demonów. Po odejściu z Motown, podpisał kontrakt z Columbia, uporządkował swoje sprawy i rozpoczął pracę nad utworami w swoim mieszkaniu w Ostendzie z klawiszowcem Odellem Brownem, który nagrał sześć albumów jako organista jazzowy. Rezultatem był całkowicie elektroniczny singiel „Sexual Healing”, wydany we wrześniu 1982 roku, który stał się światowym hitem. Album „Midnight Love” został dobrze przyjęty, a Marvin wyruszył w trasę koncertową. Po powrocie do domu, jego zażywanie kokainy wzrosło i pod koniec trasy chory, zmęczony piosenkarz zamieszkał u swoich rodziców w Los Angeles.

1 kwietnia 1984 roku, po rodzinnej kłótni, Marvin został zastrzelony przez swojego ojca, co było szokującym końcem dla każdego, ale szczególnie dla piosenkarza, który zawsze śpiewał o miłości, często o pokoju, o duchowości i zmysłowości, i który z całych sił starał się trzymać swojej artystycznej misji nawet wtedy, gdy wiedział, że nie spełnia ideałów, których sam pragnął.

Najprawdziwszy artysta? Tych rzeczy nie da się wyrazić ilościowo. Ale kiedy słyszy się najlepsze z jego utworów, wiadomo, że Marvin Gaye poważnie podchodził do tego, co robił, i że wyrażanie swoich prawdziwych uczuć i natury było jedynym sposobem, w jaki mógł funkcjonować jako artysta. Co więcej, nawet najgorsze z jego utworów uświadamiają, że wciąż starał się przekazać to, co było w samym sercu jego istoty. To jest prawdziwy artyzm. To jest muzyka duszy. Marvin Gaye był muzyką duszy.

Zaginiony album Marvina Gaye, You’re The Man, można kupić tutaj.

.