Ellsworth Kelly, considerat unul dintre marii artiști americani ai secolului XX pentru munca sa de pionierat în pictura și sculptura minimalistă, a murit duminică în casa sa din Spencertown, New York, la vârsta de 92 de ani. Recunoscut pentru utilizarea vie a blocurilor geometrice și a culorilor intense, Kelly și-a construit de-a lungul a șapte decenii o reputație pentru abstracția colorată și pentru lucrările care explorau esența subiectelor lor.

Primele sale opere de artă au fost create în slujba Statelor Unite, ca parte a unei unități speciale de camuflaj în Franța, în timpul celui de-al Doilea Război Mondial. Kelly și colegii săi soldați-artiști au fost însărcinați să îi păcălească pe germani – folosind cauciuc și lemn pentru a construi tancuri și camioane false – să creadă că mulțimea de trupe aliate de pe câmpul de luptă era mult mai mare decât în realitate. Deși pare o pregătire timpurie neconvențională pentru un artist, aceasta s-a dovedit a fi una potrivită pentru Kelly.

„El a fost capabil să înțeleagă că existau aceste realități care pentru majoritatea dintre noi sunt camuflate”, spune Virginia Mecklenburg, curator șef la Smithsonian American Art Museum. „El evoca aceste realități – o senzație distinctă de gravitație, sau fizica greutății și a impulsului la care rareori ne gândim în termeni tangibili. Era capabil să transmită acest lucru.”

După serviciul militar, Kelly s-a înscris la Școala Muzeului de Arte Frumoase din Boston și s-a întors la Paris în 1948, absorbind o serie de influențe, inclusiv Picasso și Matisse, arta asiatică și bisericile romanice. S-a întors în Statele Unite și a prezentat prima sa expoziție personală în 1956. La trei ani după aceea, lucrările lui Kelly au fost incluse în expoziția „16 americani” a Muzeului de Artă Modernă (MoMA). Lucrările sale abstracte geometrice, alături de cele ale altor pictori americani, printre care Ad Reinhardt și Brice Marden, au fost numite „hard-edge painting” de către istoricul de artă Jules Langsner în 1959.

De-a lungul anilor 1960, Kelly și-a creat propria nișă, separat de lumea artei din New York și Paris. Mecklenburg spune că ceea ce i se pare remarcabil la lucrările sale a fost modul în care a redus arhitectura, imaginile și alte elemente vizuale pe care le-a văzut în lume și în artă, transformându-le în abstracțiuni directe, viscerale. Folosind culori de bază – albastru, verde, alb, negru – și pânze unice (trecând mai târziu la pânze multiple și sculptură), el a creat declarații care erau „mai puțin descriptive decât evocatoare”, după cum spune ea.

„Este nevoie de timp pentru a le privi, dar odată ce faci un pas înapoi, îți dai seama că te uiți la ceva ce ai văzut de nenumărate ori”, spune Mecklenburg, dând exemplul picturii „Albastru pe alb” din 1961, expusă la Muzeul de Artă Americană, despre care spune că evocă o frunză care se desface. „Dintr-o dată începi să înțelegi că, dacă disociezi ideile narative, cât de puternic este impulsul vizual în fiecare ființă umană.”

A expus la Bienala de la Veneția în 1966 (și avea să expună la alte trei expoziții în anii următori), a avut prima sa retrospectivă americană la MoMA în 1973 și prima sa retrospectivă europeană majoră la Muzeul Stedelijk din Amsterdam, șase ani mai târziu.

„Ellsworth Kelly a făcut tranziția de la abstracția geometrică postbelică la mișcarea minimalistă care a început la începutul anilor 1970”, spune Valerie Fletcher, curator senior la Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, care deține 22 de lucrări ale lui Kelly, inclusiv „White Relief over Dark Blue” din 2002, expusă la etajul al treilea al muzeului, și o sculptură fără titlu din 1986 expusă în grădină. „Dacă te uiți la picturile sale în comparație cu altele din generația sa, acestea sunt mult mai simple.”

Câteva dintre aceste lucrări capătă o calitate „totemică”, așa cum o descrie Mecklenburg, arătând spre „Memorial”, sculptura sa murală formată din patru panouri albe de la Muzeul Memorial al Holocaustului din Statele Unite. „Cum să vorbești despre ceva de o asemenea amploare?”, întreabă ea. „Există fie un milion de cuvinte, fie niciun cuvânt, iar el nu a ales niciun cuvânt.”

Abordarea sa simplă și geometrică a avut un impact asupra următoarei generații de minimaliști – Frank Stella, Donald Judd și alții – cu lucrări care explorau esența ideilor sau a emoțiilor în moduri tangibile și tactile.

„A avut un impact uriaș asupra lumii artei, dar lucrarea vorbește într-un mod visceral cu oricine o privește”, adaugă Mecklenburg. „Trebuie să spun că există un sentiment de bucurie și un sentiment de energie în atât de multe dintre lucrările sale. Te cam întorci în centru atunci când te uiți la ea.”

.