Högmedeltida musik (1150-1300)

Ars Antiqua

Den blomstrande Notre Dame-skolan för polyfoni från omkring 1150 till 1250 motsvarade de lika imponerande framstegen inom gotisk arkitektur: Det är sant att centrum för verksamheten låg i själva katedralen Notre Dame. Ibland kallas musiken från denna period för den parisiska skolan, eller Parisian organum, och representerar början på det som konventionellt kallas Ars antiqua. Detta var den period under vilken rytmisk notation först dök upp i västerländsk musik, huvudsakligen en kontextbaserad metod för rytmisk notation känd som de rytmiska lägena.

Detta var också den period under vilken begrepp om formell struktur utvecklades som var uppmärksamma på proportioner, textur och arkitektonisk effekt. Periodens kompositörer alternerade florid och discant organum (mer not mot not, i motsats till den följd av melismer med många toner mot långvariga toner som återfinns i den florida typen), och skapade flera nya musikaliska former:clausulae, som var melismatiska avsnitt av organa som extraherats och försetts med nya ord och ytterligare musikalisk bearbetning, conductus, som var en sång för en eller flera röster som skulle sjungas rytmiskt, troligen i en procession av något slag, och tropes, som var tillägg av nya ord och ibland ny musik till avsnitt av äldre sånger. Alla dessa genrer utom en var baserade på sång, det vill säga att en av rösterna (vanligtvis tre, men ibland fyra), nästan alltid den lägsta (i detta fall tenoren) sjöng en sångmelodi, dock med fritt komponerade notlängder, över vilken de andra rösterna sjöng organum. Undantaget från denna metod var conductus, en tvåstämmig komposition som var fritt komponerad i sin helhet.

Motetten, en av de viktigaste musikaliska formerna under högmedeltiden och renässansen, utvecklades till en början under Notre Dame-perioden ur clausula, särskilt den form med flera röster som utarbetades av Pérotin, som banade väg för detta särskilt genom att ersätta många av sin föregångare (som kanoniker i katedralen) Léonins långa blommiga clausulae med ersättningar i diskantstil. Så småningom kom det att finnas hela böcker med dessa ersättningar, som kunde infogas i och utanför de olika sångerna. Eftersom det i själva verket fanns fler än vad som kan ha använts i sammanhanget, är det troligt att clausulae kom att framföras självständigt, antingen i andra delar av mässan eller i privata andakter. De clausulae som på detta sätt praktiserades blev till motetter när de var försedda med icke-liturgiska ord, och utvecklades vidare till en form som var mycket genomarbetad, sofistikerad och subtil under 1300-talet, Ars nova-perioden.

De överlevande manuskript från denna tid är Montpellier Codex, Bamberg Codex och Las Huelgas Codex.

Kompositörer från denna tid är Léonin, Pérotin, W. de Wycombe, Adam de St. Victor och Petrus de Cruce (Pierre de la Croix). Petrus tillskrivs innovationen att skriva mer än tre semibreves för att passa längden på en breve. Denna metod, som kom före innovationen med imperfekt tempus, inledde epoken för vad som nu kallas ”petroniska” motetter. Dessa verk från slutet av 1200-talet består av tre till fyra delar och har flera texter som sjungs samtidigt. Ursprungligen innehöll tenorlinjen (från latinets tenere, ”hålla”) en redan existerande liturgisk sånglinje på originallatin, medan texten i de en-, två- eller till och med trestämmiga överliggande rösterna, som kallas voces organales, kommenterade det liturgiska ämnet, antingen på latin eller på folkspråket franska. De rytmiska värdena i voces organales minskade i takt med att stämmorna multiplicerades, där duplum (stämman ovanför tenoren) hade mindre rytmiska värden än tenoren, triplum (linjen ovanför duplum) hade mindre rytmiska värden än duplum, och så vidare. Med tiden blev texterna i voces organales alltmer sekulära till sin karaktär och hade mindre och mindre öppen koppling till den liturgiska texten i tenorlinjen.

Den petroniska motetten är en mycket komplex genre, med tanke på dess blandning av flera semibreve breves med rytmiska modus och ibland (med ökande frekvens) ersätts sång med sekulära sånger i tenorlinjen. Den ständigt ökande rytmiska komplexiteten skulle faktiskt bli ett grundläggande kännetecken för 1300-talet, även om musiken i Frankrike, Italien och England skulle ta helt olika vägar under denna tid.

Cantigas de Santa Maria

Cantigas de Santa Maria (”Heliga Marias lovsånger”) är 420 dikter med musikalisk notation, skrivna på galicisk-portugisiska under Alfonso X El Sabios regeringstid (1221-1284) och som ofta tillskrivs honom.

Det är en av de största samlingarna av monofoniska (solosånger) sånger från medeltiden och kännetecknas av att Jungfru Maria omnämns i varje sång, medan var tionde sång är en hymn.

Manuskriptet har överlevt i fyra kodices: två i El Escorial, en i Madrids nationalbibliotek och en i Florens, Italien. Vissa har färgade miniatyrer som visar par av musiker som spelar en mängd olika instrument.

Troubadours och Trouvères

Musiken hos troubadourerna och trouvères var en folklig tradition av monofonisk sekulär sång, troligen ackompanjerad av instrument, som sjöngs av professionella, ibland ambulerande, musiker som var lika skickliga som poeter som de var sångare och instrumentalister. Troubadourernas språk var occitanska (även känt som langue d’oc, eller provensalska); trouvères-språket var gammalfranska (även känt som langue d’oil). Troubadurernas tid motsvarar den blomstring av det kulturella livet i Provence som pågick under hela 1100-talet och in i det första decenniet av 1200-talet. Typiska ämnen för troubadursångerna var krig, ridderskap och kärlek vid hovet. Troubadourernas period avslutades efter det albigensiska korståget, påven Innocentius III:s våldsamma kampanj för att utrota katarernas kätteri (och de nordliga baronernas önskan att tillskansa sig rikedomarna i söder). De överlevande trubadurerna begav sig antingen till Portugal, Spanien, Norditalien eller Nordfrankrike (där trouvère-traditionen levde vidare), där deras kunskaper och tekniker bidrog till den senare utvecklingen av den sekulära musikkulturen på dessa platser.

Musiken från trouvères liknade trubadurernas musik, men kunde överleva in på trettonhundratalet utan att påverkas av det albigensiska korståget. De flesta av de mer än två tusen bevarade trouvèresångerna innehåller musik och visar på en lika stor sofistikering som den poesi som den ackompanjerar.

Minnesinger-traditionen var den germanska motsvarigheten till troubadurernas och trouvères verksamhet i väster. Tyvärr finns få källor kvar från den tiden; källorna till Minnesang är mestadels från två eller tre århundraden efter rörelsens höjdpunkt, vilket leder till en viss kontrovers om deras noggrannhet. Bland de Minnesångare med bevarad musik finns Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide och Niedhart von Reuenthal.

Trovadorismo

Under medeltiden var galicisk-portugisiskan det språk som användes i nästan hela Iberiska halvön för lyrik. Från detta språk härstammar både den moderna galiciskan och portugisiskan. Den galicisk-portugisiska skolan, som i viss mån påverkades (främst i vissa formella aspekter) av de occitanska trubadurerna, dokumenteras för första gången i slutet av 1100-talet och varade fram till mitten av 1300-talet.

Den tidigaste bevarade kompositionen inom denna skola brukar man enas om är Ora faz ost’ o senhor de Navarra av portugisen João Soares de Paiva, vanligen daterad strax före eller efter 1200. Troubadourerna i rörelsen, som inte ska förväxlas med de occitanska troubadourerna (som frekventerade hovstäderna i närliggande León och Kastilien), skrev nästan uteslutande cantigor. Dessa sånger, som också kallas cantares eller trovas, började troligen omkring mitten av 1200-talet sammanställas i samlingar som kallas cancioneiros (sångböcker). Tre sådana antologier är kända: Cancioneiro da Ajuda, Cancioneiro Colocci-Brancuti (eller Cancioneiro da Biblioteca Nacional de Lisboa) och Cancioneiro da Vaticana. Utöver dessa finns den ovärderliga samlingen av över 400 galicisk-portugisiska cantigas i Cantigas de Santa Maria, som enligt traditionen tillskrivs Alfonso X.

De galicisk-portugisiska cantigas kan delas in i tre grundläggande genrer: kärlekspoesi med manlig röst, kallad cantigas de amor (eller cantigas d’amor), kärlekspoesi med kvinnlig röst, kallad cantigas de amigo (cantigas d’amigo), och förolämpande och hånfull poesi, kallad cantigas d’escarnho e de mal dizer. Alla tre är lyriska genrer i den tekniska meningen att de var strofiska sånger med antingen musikaliskt ackompanjemang eller introduktion på ett stränginstrument. Men alla tre genrerna har också dramatiska inslag, vilket ledde till att tidiga forskare karaktäriserade dem som lyrisk-dramatiska.

Ursprunget till cantigas d’amor brukar spåras till provencalskt och gammalt franskt lyrisk poesi, men formellt och retoriskt är de helt olika. Cantigas d’amigo har troligen sina rötter i en inhemsk sångtradition, även om denna uppfattning har ifrågasatts. Cantigas d’escarnho e maldizer kan också (enligt Lang) ha djupa lokala rötter. De två sistnämnda genrerna (sammanlagt cirka 900 texter) gör den galicisk-portugisiska lyriken unik i hela panoramat av den medeltida romantiska poesin.

Troubadurer med bevarade melodier:

Aimeric de Belenoi Aimeric de Peguilhan Aires Nunes Albertet de Sestaro Arnaut Daniel Arnaut de Maruoill Beatritz de Dia Berenguier de Palazol Bernart de Ventadorn Bertran de Born Blacasset Cadenet

Daude de Pradas Denis av Portugal Folquet de Marselha Gaucelm Faidit Gui d’Ussel Guilhem Ademar Guilhem Augier Novella Guilhem Magret Guilhem de Saint Leidier Guiraut de Bornelh Guiraut d’Espanha

Guiraut Riquier Jaufre Rudel João Soares de Paiva João Zorro Jordan Bonel Marcabru Martín Codax Monge de Montaudon Peire d’Alvernhe Peire Cardenal Peire Raimon de Tolosa Peire Vidal Peirol Perdigon

Pistoleta Pons d’Ortaffa Pons de Capduoill Raimbaut d’Aurenga Raimbaut de Vaqueiras Raimon Jordan Raimon de Miraval Rigaut de Berbezilh Uc Brunet Uc de Saint Circ William IX av Akvitanien

Kompositörer från hög- och senmedeltiden:

Sena medeltida musik (1300-1400)

Frankrike: Ars Nova

Ars novas början är en av de få rena kronologiska indelningarna i den medeltida musiken, eftersom den motsvarar publiceringen av Roman de Fauvel, en enorm sammanställning av poesi och musik, 1310 och 1314. Roman de Fauvel är en satir över missförhållanden i den medeltida kyrkan och är fylld av medeltida motetter, lais, rondeaux och andra nya världsliga former. Även om den mesta musiken är anonym innehåller den flera stycken av Philippe de Vitry, en av de första kompositörerna av den isorytmiska motetten, en utveckling som utmärker 1300-talet. Den isorytmiska motetten fulländades av Guillaume de Machaut, tidens finaste kompositör.

Under Ars nova-eran fick den världsliga musiken en polyfonisk sofistikering som tidigare endast funnits i den heliga musiken, en utveckling som inte är förvånande med tanke på den tidiga renässansens sekulära karaktär (även om denna musik vanligen betraktas som ”medeltida” var de sociala krafter som producerade den ansvariga för början av den litterära och konstnärliga renässansen i Italien – distinktionen mellan medeltid och renässans är otydlig, särskilt när det gäller konstarter så olika som musik och måleri). Termen ”Ars nova” (ny konst eller ny teknik) myntades av Philippe de Vitry i hans avhandling med samma namn (troligen skriven 1322), för att särskilja utövandet från musiken i den omedelbart föregående tidsåldern.

Den dominerande sekulära genren i Ars nova var chansen, vilket den skulle fortsätta att vara i Frankrike i ytterligare två århundraden. Dessa chansoner var komponerade i musikaliska former som motsvarade den poesi de satte upp, som var i de så kallade formes fixes rondeau, ballad och virelai. Dessa former påverkade i hög grad utvecklingen av den musikaliska strukturen på ett sätt som är märkbart än idag; till exempel krävde det ouvert-clos-rytmschema som alla tre har gemensamt en musikalisk realisering som direkt bidrog till den moderna uppfattningen om antecedent och consequent fraser. Det var också under den här perioden som den långa traditionen med att tonsätta den vanliga mässan inleddes. Denna tradition började runt mitten av århundradet med isolerade eller parvisa tonsättningar av Kyries, Glorias etc., men Machaut komponerade vad som anses vara den första kompletta mässan som utformades som en enda komposition. Ars Nova-musikens ljudvärld är i hög grad präglad av linjärt företräde och rytmisk komplexitet. ”Vilande” intervall är kvint och oktav, medan tertialer och sexor betraktas som dissonanser. Språng på mer än en sjätte i enskilda röster är inte ovanliga, vilket leder till spekulationer om instrumentalt deltagande åtminstone i sekulära framföranden.

De franska manuskript som finns kvar är Ivrea Codex och Apt Codex.

Italien: Trecento

Det mesta av musiken i Ars nova hade franskt ursprung, men termen används ofta löst för all musik från 1300-talet, särskilt för att inkludera den världsliga musiken i Italien. Där kallades denna period ofta för Trecento.

Den italienska musiken har alltid, tycks det, varit känd för sin lyriska eller melodiska karaktär, och detta går i många avseenden tillbaka till fjortonhundratalet. Den italienska sekulära musiken från den här tiden (den lilla liturgiska musik som finns bevarad liknar den franska med undantag för en något annorlunda notation) hade vad som har kallats cantalina-stilen, med en blommig toppröst som stöds av två (eller till och med en; en stor del av den italienska Trecento-musiken är för endast två röster) som är mer regelbundna och långsammare i rörelsen. Denna typ av textur förblev ett kännetecken för italiensk musik även i de populära sekulära genrerna på femton- och sextonhundratalen, och var ett viktigt inflytande på den slutliga utvecklingen av triostrukturen som revolutionerade musiken på sjuttonhundratalet.

Det fanns tre huvudformer för sekulära verk under Trecento. Den ena var madrigalen, inte densamma som 150-250 år senare, men med en vers/refrängliknande form. Treradiga strofer, var och en med olika ord, alternerade med en tvåradig ritornello, med samma text vid varje framträdande. Kanske kan vi se fröna till den senare ritornellan från senrenässansen och barocken i detta arrangemang; även den återkommer om och om igen, igenkännbar varje gång, i kontrast till de omgivande disparata avsnitten. En annan form, caccia (”jakt”), skrevs för två röster i en kanon på unisono. Ibland innehöll denna form också en ritornello, som ibland också var i kanonisk stil. Vanligtvis gav namnet på denna genre en dubbel innebörd, eftersom texterna i caccia främst handlade om jakter och relaterade utomhusaktiviteter, eller åtminstone actionfyllda scener. Den tredje huvudformen var ballata, som ungefär motsvarade den franska virelai.

De italienska manuskript som finns bevarade är Squarcialupi Codex och Rossi Codex.

För information om specifika italienska kompositörer som skrev under senmedeltiden, se Francesco Landini, Gherardello da Firenze, Andrea da Firenze, Lorenzo da Firenze, Giovanni da Firenze (även kallad Giovanni da Cascia), Bartolino da Padova, Jacopo da Bologna, Donato da Cascia, Lorenzo Masini, Niccolò da Perugia och Maestro Piero.

Tyskland: Geisslerlieder

Geisslerliederna var sånger från vandrande grupper av flagellanter, som försökte lugna en arg Guds vrede genom botgöringsmusik tillsammans med avtrubbning av sina kroppar. Det fanns två separata perioder då Geisslerlied var aktiva: en vid mitten av 1200-talet, från vilken det tyvärr inte finns någon musik kvar (även om det finns många texter), och en annan från 1349, för vilken både ord och musik har överlevt intakt tack vare uppmärksamheten från en enskild präst som skrev om rörelsen och spelade in dess musik. Denna andra period motsvarar spridningen av den svarta döden i Europa och dokumenterar en av de mest fruktansvärda händelserna i Europas historia. Båda perioderna av Geisslerlied-aktivitet fanns huvudsakligen i Tyskland.

Det fanns också franskinfluerad polyfoni skriven i tyska områden vid denna tid, men den var något mindre sofistikerad än sina förebilder. För att vara rättvis mot de mestadels anonyma kompositörerna av denna repertoar, verkar dock de flesta av de överlevande manuskripten ha kopierats med extrem inkompetens, och är fyllda av fel som gör en verkligt grundlig utvärdering av musikens kvalitet omöjlig.

Manuarism och Ars Subtilior

Som ofta ses i slutet av en musikalisk epok markeras slutet av medeltiden av en mycket manieristisk stil som kallas Ars subtilior. På sätt och vis var detta ett försök att smälta samman den franska och italienska stilen. Denna musik var mycket stiliserad, med en rytmisk komplexitet som inte motsvarades förrän på 1900-talet. I själva verket var det inte bara den rytmiska komplexiteten i denna repertoar i stort sett oöverträffad under fem och ett halvt århundrade, med extrema synkoper, mensurala knep och till och med exempel på augenmusik (t.ex. en chanson av Baude Cordier som är skriven i manuskriptet i form av ett hjärta), utan även det melodiska materialet var ganska komplext, särskilt när det gällde samspelet med de rytmiska strukturerna. Under Ars Nova har man redan diskuterat isorytmen, som fortsatte att utvecklas under slutet av århundradet och i själva verket inte uppnådde sin högsta grad av sofistikering förrän i början av femtonhundratalet. Istället för att använda isorytmiska tekniker i en eller två röster, eller byta ut dem mellan rösterna, kom vissa verk att ha en genomgående isorytmisk textur som konkurrerar med 1900-talets integrala serialism i sin systematiska ordnande av rytmiska och tonala element. Termen ”manérism” användes av senare forskare, vilket den ofta gör, som svar på ett intryck av att sofistikering utövas för sin egen skull, en sjukdom som vissa författare har ansett att Ars subtilior var infekterad av.

En av de viktigaste bevarade källorna till Ars Subtilior-chansoner är Chantilly-kodexen.

För information om specifika kompositörer som skrev musik i Ars subtilior-stil, se Anthonello de Caserta, Philippus de Caserta (alias Philipoctus de Caserta), Johannes Ciconia, Matteo da Perugia, Lorenzo da Firenze, Grimace, Jacob Senleches och Baude Cordier.

Övergången till renässansen

Det är svårt att avgränsa slutet av medeltiden och början av renässansen när det gäller komposition av musik. Medan musiken från fjortonhundratalet är ganska uppenbart medeltida till sin utformning, uppfattas musiken från det tidiga femtonhundratalet ofta som tillhörande en övergångsperiod, där man inte bara behåller några av idealen från slutet av medeltiden (t.ex. en typ av polyfoniskt skrivande där stämmorna skiljer sig mycket från varandra till sin karaktär, eftersom var och en har sin specifika texturella funktion), utan även uppvisar några av renässansens karakteristiska drag (t.ex. den internationella stil som utvecklas genom spridning av fransk-flamländska musiker över hela Europa, och när det gäller textur en ökande jämlikhet mellan delarna).

Musikhistoriker är inte överens om när renässansen började, men de flesta historiker är överens om att England fortfarande var ett medeltida samhälle i början av 1400-talet (se periodiseringsfrågor om medeltiden). Även om det inte råder konsensus är 1400 en användbar markör, eftersom det var runt den tiden som renässansen kom i full gång i Italien.

Det ökande beroendet av tertialintervallet som konsonans är ett av de mest uttalade kännetecknen för övergången till renässansen. Polyfoni, som använts sedan 1100-talet, blev alltmer genomarbetad med mycket självständiga röster under hela 1300-talet. Med John Dunstaple och andra engelska kompositörer, delvis genom den lokala tekniken offaburden (en improvisatorisk process där en sångmelodi och en skriven del som huvudsakligen är i parallella sexter ovanför den ornamenteras av en del som sjungs i perfekta fjärdedelar nedanför den sistnämnda, och som senare fick fotfäste på kontinenten som ”fauxbordon”), framstår tertialens intervall som en viktig musikalisk utveckling; På grund av denna Contenance Angloise (”engelsk countenance”) anses engelska kompositörers musik ofta vara den första som låter mindre verkligt bisarrt för en modern, oskolad publik. Engelska stilistiska tendenser i det här avseendet hade kommit till sin rätt och började påverka kontinentala kompositörer redan på 1420-talet, vilket bland annat kan ses i verk av den unge Dufay. Medan hundraårskriget pågick reste engelska adelsmän, arméer, deras kapell och följeslagare, och därmed en del av deras kompositörer, till Frankrike och framförde sin musik där; man måste naturligtvis också komma ihåg att engelsmännen kontrollerade delar av Nordfrankrike vid den här tiden.

De engelska manuskript som finns är bland annat Worcesterfragmenten, Old St. Andrews Music Book, Old Hall Manuscript och Egerton Manuscript.

För information om specifika kompositörer som anses vara övergående mellan medeltiden och renässansen, se Zacara da Teramo, Paolo da Firenze, Giovanni Mazzuoli,Antonio da Cividale, Antonius Romanus, Bartolomeo da Bologna, Roy Henry, Arnold de Lantins, Leonel Power och John Dunstaple.

Mässa

De tidigaste musikaliska tonsättningarna av mässan är gregoriansk sång. De olika delarna av Ordinarius kom in i liturgin vid olika tidpunkter, där Kyrie troligen var först (kanske redan på 700-talet) och Credo sist (det blev inte en del av den romerska mässan förrän 1014).

I början av fjortonhundratalet började kompositörer skriva polyfoniska versioner av delarna av Ordinarius. Orsaken till detta uppsving i intresset är inte känd, men det har föreslagits att det rådde brist på ny musik eftersom kompositörerna i allt högre grad lockades av den världsliga musiken, och det allmänna intresset för att skriva sakral musik hade gått in i en period av nedgång. Den icke-föränderliga delen av mässan, Ordinarius, skulle då ha musik som var tillgänglig för uppförande hela tiden.

Två manuskript från 1300-talet, Ivrea Codex och Apt Codex, är de främsta källorna till polyfona tonsättningar av Ordinarius. Stilistiskt liknar dessa tonsättningar både motetter och världslig musik från den tiden, med en trestämmig textur som domineras av den högsta delen. Det mesta av denna musik skrevs eller sammanställdes vid det påvliga hovet i Avignon.

Flera anonyma kompletta mässor från 1400-talet finns bevarade, bland annat mässan från Tournai; avvikelser i stilen tyder dock på att satserna i dessa mässor skrevs av flera kompositörer och senare sammanställdes av skriftlärda till en enda uppsättning. Den första kompletta mässa vi känner till vars kompositör kan identifieras var Messe de Nostre Dame (Vår Fruas mässa) av Guillaume de Machaut på fjortonhundratalet.