Theatrical wrestling: two-way actor-audience communication

17. Januar 2013, World Wrestling Entertainment (WWE)’s flagship Monday night spectacular RAW: the franchise’s most prominent heel CM Punk konfrontiert returning hero The Rock. Punk, der bei den „Smart Marks“ („Smarks“, d. h. jenen Fans, die sich erfreulicherweise bewusst sind, dass sich hinter den ausgefeilten Storylines Rivalitäten und Werbestrategien verbergen) beliebt ist, hat sich sowohl als Face („Goodie“) als auch als Heel („Baddie“) stets als „Stimme der Stimmlosen“ inszeniert, als ein aus Chicago stammender Mann, der in der Tradition der Legende „Stone Cold“ Steve Austin die Macht der Autoritäten zugunsten von Nonkonformismus ablehnt. Während Stone Cold ein bierschlürfender Rotschopf war, ist Punk ein alternativer Rocker und tätowierter Verfechter eines geradlinigen Lebensstils – drogen-, rauch- und alkoholfrei -, doch beide stellen sich als Rebellen dar, die größere Unternehmenssysteme herausfordern. Punks Promo beschimpft sowohl die Fans für ihr unstillbares Verlangen nach Unterhaltung als auch, gewürzt mit Wahrheit, die WWE-Geschäftsmaschinerie, in der „man nicht wahrgenommen wird, bis man ein paar T-Shirts bewegt hat.“ (WWE 7. Januar 2013) In Anlehnung an Punks eigenen Slogan antwortet der selbsternannte „People’s Champion“ The Rock: „Hier im WWE-Universum gibt es so etwas wie die Stimmlosen nicht.“ (ebd.) The Rock animiert das Publikum zu „Cookie Puss“, einer neuen Zeile in seiner langen Reihe von Mitmachparolen, während Punk das Publikum beschuldigt, „die Marionetten zu sein, die ihr seid.“ (ebd.) Die gesamte Szene ist durchdrungen von Kommentaren über das Publikum und seine Position in der professionellen Wrestling-Arena, was es uns einmal mehr ermöglicht, dieses beliebte, selbsternannte „Sportunterhaltungs“-Genre mit den Mitteln der Performance Studies zu lesen. Denn im Theater verschiebt sich die Beziehung zwischen Akteur und Publikum je nach Genre und räumlicher Anordnung der Arena; sie variiert zwischen der illusorischen Mimesis des Naturalismus, die das Publikum dazu zwingt, in stiller Dunkelheit einer linearen Geschichte zu folgen, und der Arbeit zeitgenössischer Performance-Künstler wie Marina Abramovic, deren The Artist is Present die Besucher dazu auffordert, sich ihr gegenüber an einen Tisch zu setzen, wobei sie sich als verletzlich und offen für Interaktion präsentiert. Wo auch immer eine Performance in diesem Spektrum angesiedelt ist, die Beziehung zwischen dem Schauspieler und dem Publikum im Theater ist immer ein zentrales Anliegen.

2 Mit der Verbindung von professionellem Wrestling und theatralischer Performance folge ich einem ausgetretenen Pfad. Roland Barthes bezeichnet das Wrestling als „Spektakel des Exzesses“, und viele Kritiker folgen seinem Beispiel. Beeinflusst von den Ideen Michail Bachtins in seinem Werk Rabelais und seine Welt betrachtet beispielsweise der Kulturkritiker John Fiske Wrestling eher als karnevaleskes Spektakel, als Aufführung des Grotesken denn als Sport im traditionellen Sinne. (1989, S. 80-3) Auch Sharon Mazer versteht in ihrem Buch Professional Wrestling: Sport und Spektakel das professionelle Ringen als Moralstück, Ballett, Volksdrama, Varieté und sogar als Beispiel für Artauds Theater der Grausamkeit. (1998, S. 16) Ob Mazers umfassende Aufzählung von Genres in vollem Umfang gerechtfertigt ist, bleibt zu diskutieren, aber der Vorwurf der Künstlichkeit, der dem professionellen Wrestling oft gemacht wird, wird dadurch entkräftet, dass es von vornherein als Performance gelesen wird, was die Form von diesen Vorwürfen befreit und sie für neue Interpretationen und Analysen frei macht.

3 Indem ich meine Argumentation in diese Debatten über Wrestling und Performance einordne, möchte ich in diesem Artikel die sich verändernde Beziehung zwischen der Wrestling-Bühne und den Zuschauern (Akteuren und Publikum) aufzeigen. Dabei gehe ich nicht von einer Homogenität aus; das Wrestling-Publikum besteht aus einer Reihe unterschiedlicher Typen, die alle auf ihre eigene Art und Weise auf das Spektakel reagieren. Es gibt sogar bemerkenswerte Unterschiede zwischen den Zuschauern in den einzelnen Städten, wobei einige Gegenden (vor allem New York und das Vereinigte Königreich) als besonders „heißes“ (d. h. lautstarkes und intelligentes) Publikum gelten, das sich auf die Vorstellung einlässt. Im Laufe der Jahre hat sich das Publikum für diese Art von Wrestling erheblich verändert, von den irischen Exilarbeitern des Karnevals bis hin zu den T-Shirt-tragenden, multimedial versierten Kindern des 21. Jahrhunderts, die John Cena (das bekannteste WWE-Gesicht) sind.

4Auch wenn immer wieder versucht wird, die emotionale Reaktion des Publikums zu manipulieren, so ist es doch der Zuschauer/Konsument, der letztendlich entscheidet, wie er reagiert. Dies deckt sich mit den Schlussfolgerungen von Fiske:

Populäre Kultur ist immer Teil von Machtverhältnissen; sie trägt immer Spuren des ständigen Kampfes zwischen Herrschaft und Unterordnung, zwischen Macht und verschiedenen Formen des Widerstands gegen sie oder ihrer Umgehung, zwischen militärischer Strategie und Guerillataktik (1989, S. 19).

5Während die Autonomie des Zuschauers in der unabhängigen Wrestling-Szene eine Selbstverständlichkeit ist, wird dieser „ständige Kampf“ besonders unangenehm und faszinierend, wenn wir uns der WWE zuwenden, einer Promotion, die sich von anderen Wrestling-Unternehmen allein durch ihre Finanzkraft unterscheidet. Auf den ersten Blick scheint die Beziehung zwischen den Akteuren und dem Publikum einfach zu sein. Man könnte meinen, dass die Wrestler (im Namen des Besitzers Vince McMahon und des schattenhaften Vorstands) die dummen Zuschauer an der Nase herumführen, dass sie tatsächlich die „Marionetten“ sind, von denen CM Punk annimmt, dass sie es sind. Ausgehend von den Fragen, die die jüngsten Promos von CM Punk/The Rock aufgeworfen haben, wird dieser Artikel die Idee des stimmlosen Publikums untersuchen und Momente aufzeigen, in denen selbst der kapitalistische Moloch WWE nicht in der Lage ist, die Stimmen zu unterdrücken, was, wie ich behaupten werde, zu kurzen Momenten radikaler Demokratie führt, die das professionelle Wrestling überraschenderweise als einen der egalitärsten zeitgenössischen Aufführungsräume präsentieren.

Beeinflussung der Geschichte: das Publikum als Mitgestalter

6Die WWE verfügt über zahlreiche Instrumente, um das Zuschauererlebnis zu manipulieren (oder vielleicht besser zu „formen“). Das offensichtlichste ist die Kamera, da die meisten Zuschauer Wrestling hauptsächlich über Bildschirme konsumieren. Professionelles Wrestling fasziniert als ein Moment der Live-Performance im ständigen Bewusstsein des Fernsehpublikums. Das ist eine ganz andere Art von Zuschauer- (und Aufführungs-) Erfahrung als ein Besuch im Londoner Globe Theatre, um Hamlet zu sehen. In den letzten Jahren haben die Aufführungswissenschaften versucht, die Beziehung zwischen Live-Performance und Vermittlungsformen besser zu verstehen. In Wirklichkeit sind Live-Performance und Vermittlung weitaus stärker miteinander verbunden und wechselseitig aufeinander bezogen, als man auf den ersten Blick annehmen könnte. Nirgendwo wird dies deutlicher als in der Beziehung zwischen dem Live-Event und dem Fernsehen. In seinem 2012 erschienenen Buch Liveness stellt Philip Auslander die konventionelle Weisheit in Bezug auf das Live-Ereignis und das mediale Ereignis in Frage, indem er „die traditionelle Annahme in Frage stellt, dass das Live-Ereignis dem medialen Ereignis vorausgeht.“ (2012, S. 14) Wrestling ist ein Paradebeispiel für Auslanders Behauptung, denn oft scheint es, dass das Fernsehpublikum durch Nahaufnahmen und besondere „Spots“, die nur von einer gut platzierten Kamera aufgenommen werden können, stärker im Vordergrund steht als das Live-Publikum. In der Tat „ermöglicht die Anordnung mehrerer Kameras dem Fernsehbild, die Wahrnehmungskontinuität des Theaters nachzubilden.“ (Auslander 2012, S. 19) Das Happening wird durch das Fernsehen sogar noch theatralischer gestaltet. Das Fernsehen genießt, wie Auslander illustriert, die spezifischen Vorteile der „Unmittelbarkeit und Intimität“, zwei Elemente, die für die Gestaltung der Erfahrung des Publikums durch die WWE wesentlich sind.

7Zusammen mit den Bildern auf dem Bildschirm fungiert das Kommentatorenteam als Erzähler. Traditionell besteht das Kommentatorenteam aus einem Play-by-Play-Anrufer, der einem traditionellen Sportansager ähnelt, und einem Farbkommentator, der häufig Kommentare über den Babyface-Wrestler abgibt. Obwohl diese Rollen in den letzten Jahren verschwommen sind, sind die Kommentatoren nach wie vor ein fester Bestandteil der mediatisierten Performance-Erfahrung. Im Gegensatz zu den traditionellen Sportkommentatoren sind die Wrestling-Caller weniger objektive Leser des Geschehens als vielmehr Akteure, die sogar, wie Jerry ‚The King‘ Lawler und Booker T, ihre Stiefel wieder in die Hand nehmen und tatsächlich in den Ring steigen.

8 Doch selbst in einer Promotion wie der WWE, die auf den ersten Blick die vollständige wirtschaftliche und kommunikative Kontrolle zu haben scheint, ist die Beziehung zwischen Akteur und Publikum von Spannungen und Komplexität geprägt, wobei das Publikum eine partizipative Rolle bei der Gestaltung der Aufführung spielt. Das aufkeimende Genre des „Reality“-Fernsehens, vor allem in den letzten beiden Jahrzehnten, hat die WWE dazu veranlasst, den Schwerpunkt auf das Publikum zu legen, insbesondere durch die Pay-per-View-Veranstaltung Taboo Tuesday (ab 2004 und später umbenannt in Cyber Sunday) und in jüngerer Zeit durch das X-Factor-ähnliche Tough Enough. Diese und andere Versuche, die „Du hast das Sagen“-Mentalität des Reality-Fernsehens nachzuahmen (insbesondere die jüngste Nutzung von Twitter und dem WWE-eigenen Videoformat Tout), sind jedoch auf eine lauwarme kritische Reaktion gestoßen, die häufig als abgeleitet und halbherzig angesehen wird.

9Im Gegensatz zu diesen Experimenten im Reality-Genre, die ein passives Publikum fördern, haben Momente in der WWE-Geschichte die Macht des Zuschauers deutlich verstärkt. Tatsächlich finden diese Momente in kleinem Rahmen ziemlich regelmäßig statt. Ein Beispiel: Im Theater ist Stille (im Allgemeinen, wenn auch nicht überall) eine Voraussetzung; im professionellen Wrestling ist Stille die schmerzhafteste Erfahrung für den Wrestler, gleich nach den „Langweiler“-Rufen. Mehr noch als beim Anfeuern oder „Popping“ zeigt das Publikum beim Wrestling seine wahre Macht, wenn seine Ausrufe eher negativ sind. Und dann sind da noch die Plakate im Publikum, die bei allen WWE-Veranstaltungen regelmäßig zu sehen sind. Es gibt die üblichen „Cenation“-Transparente, aber auch „Smark“-Schilder wie das „Anonymous RAW GM?“-Schild, das 2011 bei einer Aufzeichnung von RAW in Liverpool zu sehen war, als Reaktion auf eine WWE-Storyline, die ohne Lösung verschwunden war. Diese Plakate bieten kurze Momente der demokratischen Meinungsäußerung.

10Es gibt jedoch noch andere, bedeutendere Momente, die die gut geölte WWE-Maschine unterbrechen und ungewollt die Macht von den Veranstaltern auf interessante Weise auf das Publikum übertragen. Dies ist, so behaupte ich, einer der markantesten und einzigartigsten Aspekte der Wrestling-Performance. Live-Performances basieren, wie uns Auslander mitteilt, häufig auf der wechselseitigen Beziehung zwischen Akteur und Publikum. Doch „so glücklich Darsteller und Zuschauer im Allgemeinen darüber sind, in der Gegenwart des jeweils anderen zu sein, ist es nicht unbedingt der Fall, dass die Aufführung selbst offen dafür ist, vom Publikum beeinflusst zu werden, wenn das Publikum diese Verantwortung übernehmen will.“ (2012, S. 66) Sicherlich ist an Auslanders Behauptung etwas Wahres dran. Und doch finden wir im professionellen Wrestling, einer Form, die oft als leeres, illusorisches Opium für die Massen angesehen wird, eine theatralische Form, die vor potenziellen Störungen zwischen Akteuren und Publikum zittert. Zwei Kämpfe, die als Beispiel dienen sollen, fanden 2002 und 2004 bei der wichtigsten Veranstaltung der WWE (und des gesamten professionellen Wrestling), Wrestlemania, statt und zwangen die beteiligten Hauptdarsteller, ihre Darbietung anzupassen, um den ausdrücklichen Vorlieben und Erwartungen des Publikums gerecht zu werden. Dass diese beiden Beispiele auf der größten Bühne stattfanden, ist sicherlich kein Zufall – einzigartig hohe Ticketpreise für alle außer den entlegensten Plätzen und eine nostalgisch angehauchte Werbung ziehen oft ein im Allgemeinen älteres, sachkundigeres Publikum an, als es bei regulären Veranstaltungen zu finden wäre.

112002 bei Wrestlemania XVIII trat The Rock gegen den kürzlich zurückgekehrten Veteranen Hulk Hogan an (WWE 2002). Im Vorfeld der Veranstaltung versuchte Hogan zunächst, seine verächtliche, egoistische Persönlichkeit wieder aufleben zu lassen, die er in seiner Zeit bei WCW (World Championship Wrestling), der alternativen Promotion von Ted Turner und Eric Bishoff, erfolgreich eingesetzt hatte, die einige Jahre lang die WWE in den Einschaltquoten zu übertreffen schien, aber schließlich nach einer Reihe von Fehlern scheiterte (Reynolds und Alvarez 2005). Hogans Wandlung vom langjährigen Helden zum Bösewicht gilt als einer der schockierendsten und rückblickend gut gelungensten Momente in der Geschichte des professionellen Wrestling. Sein „Heel Turn“ war an sich eine Reaktion auf die Publikumsreaktionen. Seine „Real American Hero“-Persönlichkeit war ziemlich abgestanden, was durch zahlreiche Fälle bestätigt wurde, in denen das Publikum ihn in den 90er Jahren als Gesicht ausbuhte; der Royal Rumble 1992 (bei dem Sid Justice Hogan eliminierte, indem er sich von hinten an ihn heranschlich, was dazu führte, dass das Publikum trotz Justices abtrünniger Taktik jubelte) und, nach seinem Wechsel zu WCW, die Nitro-Sendung vom 20. November 1995 (bei der die Menge seinem Konkurrenten Sting zujubelte) sind zwei Beispiele dafür. Es war klar, dass er einen Wechsel in seiner Rolle brauchte. Nach einer fast zweijährigen Fernsehpause (und einer fast zehnjährigen Pause von der WWE) lehnte das Publikum Hogan als Heel jedoch ab und reagierte selbst dann mit Jubel, als seine Gang, die New World Order, im März 2002 im Vorfeld von Wrestlemania XVIII ahnungslose Gesichter verprügelte. Trotz zunehmend verzweifelter Versuche der WWE-Autoren, seine Feigheit zu betonen (normalerweise ein entscheidendes Merkmal eines Wrestling-Bösewichts), wie z. B., dass er wiederholt einen Sattelschlepper in einen Krankenwagen fuhr, in dem sich angeblich The Rock befand (WWE 18. April 2002), zeigte das Publikum weiterhin weitgehend seine Bewunderung.

12Und nun zum Match selbst. The Rock war der populärste Star, der in letzter Zeit aus der WWE hervorging, und seine Karriere als Filmstar stand kurz davor, erfolgreicher zu werden als alle anderen vor ihm, darunter ironischerweise auch „Hollywood Hogan“, dessen abtrünnige Rolle darin bestand, haarsträubende Behauptungen über den Erfolg seiner Kinokarriere aufzustellen. In der Folge wollte die WWE die heroische Stellung des Mannes, von dem sie sich erhoffte, dass er durch seinen Erfolg als Actionstar zu einem weltweiten Werbeträger für das Unternehmen werden würde, das ihn geschaffen hatte, nicht wesentlich schwächen oder untergraben. Die WWE neigt dazu, den Ansatz zu verfolgen, dass jede Mainstream-Werbung, die ihre Künstler durch ihre anderen Talente anziehen können, zu fördern ist, auch wenn dies, wo immer möglich, innerhalb der starren Grenzen der WWE-Verträge geschieht. Dies hat sich in jüngster Zeit bei der Förderung von John Cenas Musik durch das WWE-eigene Plattenlabel und bei der Produktion des WWE-eigenen Filmstudios gezeigt, in dem WWE-Superstars eine wichtige Rolle spielen. In den Wochen vor der Veranstaltung wurden zwar einige Zugeständnisse in Bezug auf Hogans Charakter gemacht (z. B. riet er seinen Stallgefährten, sich nicht in den Ausgang des Kampfes einzumischen, um einen fairen Sieg zu erringen), aber The Rock blieb das klare Gesicht, das gegen Hogan antrat.

13Im Laufe des Matches machte jedoch die überwältigende Reaktion der Fans im Toronto Skydome den Versuch, diese Persönlichkeiten aufrechtzuerhalten, überflüssig. Hogan reflektierte: „Es schien keine Rolle zu spielen, was ich sagte oder tat, oder wie schlecht ich sie behandelte. Sie jubelten immer noch für mich und buhten meinen Gegner aus.“ (2002, S. 3) Seine regelmäßigen Offensivaktionen führten eher zu Hohngebrüll als zu normalem Beifall. The Rock begann, sich mit dem Publikum auseinanderzusetzen, zunächst indem er seinen Schock visuell zum Ausdruck brachte (was Hogan widerspiegelte), dann seinen Ärger über den Verrat der Fans. Schließlich begann er, die Taktiken seines Gegners zu übernehmen, indem er ihm mehrere Messerstiche versetzte und sogar so weit ging, Hogan (illegal) mit seinem eigenen Gewichthebergürtel zu peitschen. Selbst in der Ära des Anti-Helden (eine Rolle, die von Steve Austin verkörpert wurde und die The Rock zu keiner Zeit fest übernommen hatte) war dies das Verhalten eines Schurken. Hogan wiederum begann, sich die Rolle des Fan-Lieblings zu eigen zu machen, indem er die Fans mit Posen zum Jubeln animierte und The Rock aufforderte, „auf die Fans zu hören“. Trotz seines Status als Kult-Veteran gab Hogan zu, dass die „Rocky sucks“-Sprechchöre ihn verunsicherten: „Ich hatte Angst. Es war nicht einfach, das zu beheben, aber ich musste es tun – und ich hatte nicht viel Zeit. Wir konnten nicht aus dem Ring gehen, ohne dass die Leute The Rock anfeuerten.“ (2002, S. 329) In der Tat verlangte das Publikum, dass das Match einen bestimmten Verlauf nahm, und die Wrestler spielten die Rollen als Antwort darauf. Der vorher festgelegte Ausgang des Kampfes (ein hart erkämpfter Sieg von The Rock) wurde praktisch zur Nebensache; Hogan erhielt stürmischen Beifall und wurde einmal mehr als Fan-Liebling bestätigt, und um die Veränderungen, die während des Kampfes stattgefunden hatten, zu unterstreichen, oblag es Hogan, den Arm seines siegreichen Gegners zu heben und damit die Glaubwürdigkeit von The Rock wiederherzustellen. Am Ende dieses Matches versuchte die WWE (oder zumindest die Darsteller selbst), die Kontrolle wiederzuerlangen, indem sie direkt auf die Forderungen des Publikums einging.

14Wenn die Ereignisse rund um das Rock-Hogan-Match die Fähigkeit des Publikums demonstrieren, direkt Einfluss auf das zu nehmen, was aufgeführt wird (und gegenüber den Akteuren, ihre Leistung zu modifizieren, um diese Erwartungen zu erfüllen), dann zeigen die Ereignisse bei Wrestlemania XX im Jahr 2004 und insbesondere das Match zwischen Brock Lesnar und Bill Goldberg, wie die Zuschauer die offizielle Geschichte rundheraus ablehnen können und werden, wenn sie ihnen nicht gefällt.

15Als eines der Hauptereignisse des Pay-per-Views war das Match zwischen Lesnar und Goldberg erneut ein stark beworbenes Aufeinandertreffen, das sich über mehrere Wochen hinzog, wobei ersterer seinen Titel nach einer illegalen Einmischung durch letzteren an einen Rivalen verlor. Beide Kämpfer, Athleten mit einer illustren Amateursportkarriere und ähnlichem Aussehen, entzogen sich den konventionellen Identitäten von Fersen und Gesichtern im professionellen Wrestling und übernahmen stattdessen die moralisch zweideutigen Rollen von „Tweenern“ wie in „Inbetweeners“. Das bedeutete zwar, dass die Fans das Match mit Spannung erwarteten (was durch den Jubel der Zuschauer bei den vorangegangenen Pay-per-View-Veranstaltungen Royal Rumble und No Way Out im selben Jahr bestätigt wurde, als die beiden kurz aufeinander trafen), doch die Besucher von Wrestlemania XX wussten, dass dies für beide Männer wahrscheinlich ihr letztes professionelles Wrestling-Match sein würde, vielleicht für immer. Obwohl er im WWE-Programm offiziell nicht anerkannt wurde, war allgemein bekannt, dass Goldbergs Vertrag nach der Veranstaltung auslaufen würde, während Lesnar seinen Wunsch geäußert hatte, eine Karriere im American Football zu verfolgen. Dass ein Großteil des Publikums über diese beiden Situationen Bescheid wusste, war vor allem der aufkeimenden Online-Wrestling-Community zu verdanken, auf die wir gleich zurückkommen werden.

16Der Kampf zwischen Goldberg und Lesnar, wie er in den WWE-Programmen vor Wrestlemania XX propagiert wurde, wurde nur von einem kleinen Teil der (meist sehr jungen) Fans als legitim angesehen. Die Frage „Wer wird gewinnen?“ ist für den Fan, der sich fragt, „wen werden die Autoren übertrumpfen?“, ebenso interessant wie für den naiven Fan, der sich fragt, wer den legitimen sportlichen Wettkampf gewinnen wird. Keiner der beiden Künstler hat jedoch mit der Reaktion des Publikums im Madison Square Garden gerechnet. Zur sichtlichen Erregung der beiden wurde ihr Match nicht mit Buhrufen und Jubel begrüßt, sondern mit langsamem Händeklatschen und Sprechchören wie „You sold out“, „This match sucks“ und „Goodbye“. (WWE 2004) Als der Kampf zu Ende ging, war es Aufgabe des Special Guest Ringrichters Steve Austin, dem Sieger und dem Verlierer die entscheidenden Schläge (seinen patentierten „Stunner“) zu verpassen, um die Demütigung durch das Publikum zu bestätigen und den Fans ein zufriedenstellendes Ergebnis zu liefern. Es ist kaum vorstellbar, dass eine solche Wendung der Geschichte in einem anderen Live-Aufführungsmedium stattfinden könnte. Doch es gibt noch einen weiteren schattenhaften Aspekt dieses Ereignisses. Obwohl dies von der WWE nie bestätigt wurde, wird in vielen Fan-Podcasts, Websites und Foren behauptet, dass Vince McMahons Sohn Shane in der Menge war und sich den Sprechchören anschloss. Bedeutet dies, dass das WWE-Management die Reaktion des Publikums inszeniert hat? Oder war Shane einfach nur ein Zuschauer? Oder reagierte er nur auf die allgemeine Atmosphäre um ihn herum?

17Was verbindet diese beiden unterschiedlichen Momente? Erstens gibt es Unstimmigkeiten zwischen der Geschichte, die die WWE erfinden wollte, und der Geschichte, die sie aufgrund der Reaktion des Publikums präsentieren musste. In beiden Fällen geriet das Verhältnis zwischen fiktionaler Erzählung und tatsächlicher Realität durcheinander: der Fokus auf die Filmkarrieren von The Rock und Hulk, die tatsächlichen Vertragsprobleme von Lesnar und Goldberg. Ich behaupte, dass die denkwürdigsten Momente in der Geschichte der WWE (zumindest für die Fans) diese schwierige Grenze zwischen Fantasie und Realität überschreiten. Und in beiden Fällen erzwang das Publikum eine Lösung, obwohl umstritten bleibt, ob der WWE-Riese auf die Situationen reagiert, sie choreografiert oder einfach ausgenutzt hat. Wie dem auch sei, die WWE rühmt sich oft damit, dass RAW das am längsten laufende Serienprogramm im amerikanischen Fernsehen ist, doch es wäre sicherlich richtig, zu behaupten, dass die Seifenopern, mit denen wir sie vergleichen könnten, ein ganz anderes Verhältnis zwischen Akteuren und Publikum haben.

18Diese beiden Beispiele zeigen also nicht das Bild des Wrestling-Fans als eines düpierten, unwissenden Trottels, sondern den mitunter tiefgreifenden Einfluss, den das Publikum auf die Aufführung haben kann, und zwar nicht nur, weil die WWE zwangsläufig den Forderungen der Zuschauer nach Einschaltquoten nachgibt, sondern auch, weil diese Aufführungserfahrung von Natur aus auf Gegenseitigkeit beruht. Trotz der fast hegemonialen Macht der WWE kann diese diskursive Gegenseitigkeit zuweilen unkontrollierbar sein. Ohne zu übertreiben, kann das professionelle Wrestling (auch die WWE) zumindest in diesem Sinne als ein demokratisches Forum angesehen werden. (Sehmby 2002, S. 11)

Schlussfolgerung: Die Internet-Wrestling-Community und neue Interaktionen zwischen Akteuren und Publikum

19Der Zuschauer und der Darsteller stehen eindeutig in einer aktiven, transformativen Beziehung zueinander, sei es in den teuren Arenen der WWE oder in den kleineren Gemeinschaften in den Hinterhöfen. Diese Beziehung erhielt in den 1980er Jahren mit dem Aufkommen der „Insider“-Wrestling-Newsletter oder „Dirt Sheets“ neuen Auftrieb, angeführt von Fans wie Dave Meltzer mit seinem Wrestling Observer und Wade Kellers Pro Wrestling Torch. Diese Veröffentlichungen waren ein Warnschuss an die alte Garde der Wrestling-Promotion; eine Generation von Fans, die mit dem Wrestling aufgewachsen war, wusste, dass das, was sie sahen, nicht „echt“ war, aber der Appetit darauf blieb, und nun wuchs bei vielen der Wunsch, mehr darüber zu erfahren, was sie wirklich sahen. Newsletter, die anfangs in Schlafzimmern für eine Handvoll Leser produziert wurden, sich aber in einigen Fällen schnell zu landesweit verbreiteten Publikationen entwickelten, boten diesen Einblick unter Verwendung von (oft anonymen) Insider-Quellen. Aus dieser neuen Dimension der Wrestling-Analyse und -Berichterstattung entstand ein neues Vokabular und eine neue Art von Fan: der informierte Kommentator. Sie konzentrierten sich weniger auf die Ergebnisse als auf den Prozess und veröffentlichten – in direkter Verbindung zu meiner Studie über wechselseitige theatralische Beziehungen – Rezensionen, die den Leser darüber informierten, was im Verlauf eines Kampfes geschah. Angesichts der wachsenden Popularität des Wrestlings in vielen Ländern ist es interessant zu beobachten, wie die verschiedenen Medienmärkte unterschiedliche Ansätze für die Berichterstattung über den Ringkampf gewählt haben. Einige Zeitungen, wie z. B. The Sun im Vereinigten Königreich, nehmen Wrestling-Berichte in ihren Sportteil auf, wenn auch getrennt vom „normalen“ Sport. Andere nehmen Berichte über lokale Wrestling-Veranstaltungen in ihre Unterhaltungsrubrik auf, neben Theater- und Konzertberichten. Was das Fernsehen betrifft, so werden Skandale wie der Selbstmord des WWE-Ringers Chris Benoit von der breiten Öffentlichkeit aufgegriffen, aber im Sportprogramm wird nur selten, wenn überhaupt, über Wrestling berichtet, wobei Japan, wo Wrestling seit jeher als legitimer sportlicher Wettkampf angesehen wird, eine bemerkenswerte Ausnahme darstellt.

20Die Kriterien der „Dirt-Sheets“ für ein ein-, drei- oder fünf-Sterne-Match erweisen sich als eine faszinierende Studie. Die Kritiker scheinen sich auf die im Match gezeigten athletischen Fähigkeiten zu konzentrieren. Alles, was „unecht“ aussieht, wie z. B. die freie Luft zwischen den Schlägen oder die sichtbare Unterstützung des Gegners bei der Ausführung einer Bewegung, wird missbilligt. Doch spektakuläre Bewegungen sind nicht der einzige Maßstab. Die psychologischen Aspekte eines Ringkampfes werden als ebenso wichtig erachtet wie die physischen; die Kämpfe sollten eine logische Geschichte erzählen und interessanterweise einen starken Sinn für Realismus haben. Wenn also ein Wettkämpfer einen verletzten linken Arm hat (und aus Gründen der Konsistenz ist es in der Regel der linke Arm), sollte sich der Gegner weiterhin auf diese Schwachstelle konzentrieren und nicht plötzlich auf einen völlig anderen Bereich abzielen oder ihn ganz ignorieren. In gleicher Weise sollte ein kleinerer, leichterer Gegner seine Schnelligkeit und Beweglichkeit nutzen, um den inhärenten physischen Nachteil zu minimieren, und ein Ringer, der ansonsten unterlegen ist und von dem das Publikum erwarten würde, dass er leicht verliert, sollte (vielleicht durch unehrliche Mittel oder einen Glücksfall) einen Fuß fassen, der das Publikum davon überzeugt, dass er tatsächlich eine Chance auf den Sieg hat.

21Natürlich wäre es falsch zu behaupten, dass sich alle Fans in gleichem Maße kritisch mit dem Wrestling auseinandersetzen, auch wenn das Aufkommen des Internets es den Schlafzimmer-Newsletter-Redakteuren der 1980er Jahre ermöglicht hat, zu den professionellen Web-Unternehmern des einundzwanzigsten Jahrhunderts zu werden, mit einer ständig wachsenden weltweiten Leserschaft und (zahlenden) Abonnenten. Für jeden Fan, der sich eine Folge von RAW auf einem Bildschirm ansieht, während er auf einem anderen die in Echtzeit aktualisierte Analyse von Wade Keller liest, schalten viele andere ein, nur um zu sehen, ob ihr Lieblingswrestler gewinnen wird oder ob ein geschädigter Protagonist aus der vorherigen Folge sich rächen wird. Nichtsdestotrotz hat sich die „Internet Wrestling Community“ (IWC) als eigenständige Klassifizierung herauskristallisiert, die von der Wrestling-Industrie als eine Art Priorität erkannt wurde (was angesichts der überwiegend männlichen Zielgruppe der 18- bis 30-Jährigen, die in der Unterhaltungsindustrie als eine der lukrativsten gilt, nicht überrascht). Die Smark-Gemeinschaft, die ursprünglich in Papierform entstand, hat sich zu einer Sammlung von Social-Media-Ausgaben, Podcasts und Online-Pinnwänden entwickelt.

22Das professionelle Wrestling und insbesondere die WWE als theatralisches Spektakel zu lesen, ermöglicht daher neue Interpretationen, insbesondere in Bezug auf den darstellenden Körper des Wrestlers, die Kunst des Drehbuchschreibens oder, wie in diesem Artikel, die Beziehung zwischen Schauspieler und Publikum. Das professionelle Wrestling, das als legitimer Sport oder akzeptables Theater abgelehnt wird, besetzt eine bedeutende Lücke, einen marginalen Raum, der mit den Abgrenzungen des Genres und der Übertragung von Bildern vom „Arbeiter“ (d.h. dem Wrestler) zum Publikum und zurück konfrontiert ist. Trotz der diktatorischen Systeme, die die WWE-Promotion bestimmen und die in hegemoniale kapitalistische Konstrukte eingebettet sind, gibt es, wie in allen Diktaturen, immer Momente der Rebellion, der Revolte oder des Aufstands, die unter der choreografierten Pyrotechnik und Cenas „Hustle, Loyalität, Respekt“-Schlagworten schwelen.

23In der Nacht nach Wrestlemania XXIX von 2013 kam RAW aus dem IZOD Centre in New Jersey. Allgemeiner Konsens war, dass dieses RAW die Flaggschiff-Show des Vorabends übertraf. Der Erfolg war nicht nur auf den Auftritt des Undertakers oder die Rückeroberung des Intercontinental Titels durch Wade Barrett zurückzuführen, sondern auch auf den längst überfälligen Sieg von Dolph Ziggler, der den World Heavyweight Title gewann. Hauptsächlich lag es an der „heißen“ Menge, die völlig unabhängig von der organisierten Maschinerie zu agieren schien und ein Match zwischen zwei Babyfaces (Sheamus und Randy Orton) völlig ignorierte, um stattdessen die Titelmelodie eines der neuesten WWE-Talente, Fandango, mitzusingen und die Namen der Kommentatoren zu rufen. (WWE 8. April 2013) Ein Online-Rückblick nach der RAW betitelte seinen Artikel „WWE Raw: New Jersey entreißt Wrestlemania-Moment dem Todesgriff von Vince McMahon“. (Big Nasty 2013) Es scheint, dass selbst wenn die WWE jede Szene und jeden Handlungsstrang inszeniert, das Publikum weiterhin eine unvorhersehbare und potenziell gefährliche Herausforderung darstellen wird.