Ellsworth Kelly, som anses vara en av 1900-talets stora amerikanska konstnärer för sitt banbrytande arbete med minimalistiskt måleri och skulptur, avled i söndags i sitt hem i Spencertown, New York, vid 92 års ålder. Kelly, som är känd för sin livliga användning av geometriska block och intensiva färger, byggde under sju decennier upp ett rykte om färgstark abstraktion och verk som utforskade essensen av sina motiv.

Hans tidigaste konstverk skapades i USA:s tjänst, som en del av en speciell kamouflageenhet i Frankrike under andra världskriget. Kelly och hans konstnärssoldater hade till uppgift att lura tyskarna – med hjälp av gummi och trä för att konstruera falska stridsvagnar och lastbilar – att tro att de mängder av allierade trupper som fanns på slagfältet var mycket större än verkligheten. Även om detta verkar vara en okonventionell tidig träning för en konstnär, visade det sig vara en lämplig träning för Kelly.

”Han kunde förstå att det fanns dessa verkligheter som för de flesta av oss är kamouflerade”, säger Virginia Mecklenburg, chefsintendent vid Smithsonian American Art Museum. ”Han kunde frammana dessa realiteter – en tydlig känsla av gravitation, eller fysiken i vikt och rörelse som vi sällan tänker på i konkreta termer. Han kunde förmedla detta.”

Efter sin tjänstgöring skrev Kelly in sig på School of the Museum of Fine Arts i Boston och återvände till Paris 1948, där han tog till sig en mängd influenser, däribland Picasso och Matisse, asiatisk konst och romanska kyrkor. Han återvände till USA och presenterade sin första separatutställning 1956. Tre år senare ingick Kellys verk i Museum of Modern Arts (MoMA) utställning 16 Americans. Hans geometriska abstrakta verk, tillsammans med andra amerikanska målare som Ad Reinhardt och Brice Marden, kallades ”hard-edge painting” av konsthistorikern Jules Langsner 1959.

Under hela 1960-talet skapade han sig en egen nisch, skild från konstvärlden i New York och Paris. Mecklenburg säger att det hon finner anmärkningsvärt med hans arbete var det sätt på vilket han reducerade arkitekturen, bilderna och andra visuella objekt som han såg i världen och i konsten, och förvandlade dem till direkta, viscerala abstraktioner. Med hjälp av grundfärger – blått, grönt, vitt, svart – och enskilda dukar (senare övergick han till flera dukar och skulpturer) skapade han uttalanden som var ”mindre beskrivande än suggestiva”, som hon uttrycker det.

”Det tar tid att titta på dem, men när man väl har tagit ett steg tillbaka inser man att man tittar på något som man har sett om och om igen”, säger Mecklenburg och ger ett exempel på målningen ”Blue on White” från 1961, som är utställd på American Art Museum, och som enligt henne påminner om ett löv som vecklar ut sig. ”Helt plötsligt börjar man förstå hur stark den visuella impulsen är i varje människa, om man skiljer ut de narrativa idéerna.”

Han ställde ut på Venedigbiennalen 1966 (och skulle ställa ut på ytterligare tre under de följande åren), hade sin första amerikanska retrospektiva utställning på MoMA 1973 och sin första stora europeiska retrospektiva utställning på Stedelijk Museum i Amsterdam sex år senare.

”Ellsworth Kelly gjorde övergången från efterkrigstidens geometriska abstraktion till den minimalistiska rörelsen som började i början av 1970-talet”, säger Valerie Fletcher, senior curator vid Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, som har 22 av Kellys verk, bland annat ”White Relief over Dark Blue” från 2002, som visas på museets tredje våning, och en skulptur utan titel från 1986 som visas i trädgården. ”Om man tittar på hans målningar jämfört med andra i hans generation är de mycket enklare.”

Vissa av dessa verk har en ”totemisk” kvalitet, som Mecklenburg beskriver det och pekar på ”Memorial”, hans väggskulptur av fyra vita paneler på United States Holocaust Memorial Museum. ”Hur talar man om något av den omfattningen?” frågar hon. ”Det finns antingen en miljon ord eller inga ord, och han valde inga ord.”

Hans enkla, geometriska tillvägagångssätt påverkade nästa generation minimalistiska konstnärer – Frank Stella, Donald Judd och andra – med verk som utforskade essensen av idéer eller känslor på ett påtagligt och taktilt sätt.

”Han hade ett enormt inflytande på konstvärlden, men verken talar på ett inälvoraktigt sätt till den som tittar på dem”, tillägger Mecklenburg. ”Jag måste säga att det finns en känsla av glädje och en känsla av energi i så mycket av hans verk. Man kommer liksom tillbaka till centrum när man tittar på det.”