W początkowych klasach wszystko wydaje się proste. Bicie to stały puls muzyki, a rytm to zmieniający się czas trwania tego, co jest śpiewane lub grane. Używając ruchu, uczniowie uczą się różnicy między rytmem a rytmem, chodząc w takt i klaszcząc w rytm. Ponieważ nie robią tego samego stopami i rękami, łatwo jest zauważyć, że nie są one takie same. Sprawa staje się bardziej skomplikowana, gdy uczniowie stają się starsi. Około jedenastego roku życia rozwijają oni swoje własne preferencje muzyczne i stają się bardziej przywiązani do muzyki kultury popularnej. Wraz ze zmianą stosunku do muzyki i do rówieśników, uczniowie zaczynają inaczej mówić o bicie. Używają tego słowa, by opisać ogólny rytmiczny wpływ, jaki wywiera na nich muzyka; zrozumienie, które dokładniej można opisać jako groove. Groove to połączony wpływ rytmu i uderzenia na ciało; to słowo, które opisuje, jak nasze ciało reaguje na muzykę ruchem. Etykietowanie groove’u jako beat’u pomija strukturę rytmiczną muzyki, czyniąc niemal pewnym, że zrozumienie jej części składowych, czyli rytmu, beat’u i metrum, zostanie przeoczone.

Jako nauczyciele muzyki, stajemy w obliczu nieporozumienia spowodowanego przez powszechne, ale mylące użycie słowa beat. Częścią rozwiązania tego problemu jest upewnienie się, że nasze nauczanie wykracza poza słownictwo, a obejmuje aplikację i doświadczenie. Definiowanie bitu jako stałego pulsu muzyki angażuje jedynie intelekt w naukę tego pojęcia – nie rozwija głębszego zrozumienia, które pochodzi z doświadczania bitu, będąc świadomym tego, co jest doświadczane, oraz manipulowania bitem poprzez kreatywne i interpretacyjne działania, co dostarcza znaczenia i jeszcze głębszego zrozumienia. Oto jak mogłoby to wyglądać w klasie. Po pierwsze, nauczyciel nauczył uczniów, czym jest beat, rytm i groove, tak by mogli zdefiniować każde z nich. Jest to intelektualna część nauki, która musi być najważniejsza. Następnie uczniowie mogą usłyszeć, jak nauczyciel muzyki gra powtarzający się wzór rytmu – taki, który jest łatwo rozpoznawalny przez uczniów. Następnie nauczyciel gra ten sam powtarzający się schemat rytmiczny, ale w innym tempie i pyta uczniów, który z trzech elementów: rytm, rytm, rytm i rowek uległ zmianie? Następnie ćwiczenie jest powtarzane, ale z uczniami grającymi wzór na instrumentach perkusyjnych lub rytmicznych. Kiedy zmienia się rytm lub beat, zmianie ulega również rowek. Groove nie powinien być mylony z stylem. Funk jest stylem, a nie groovem. Rowek w funku to wpływ charakterystycznych rytmów i uderzeń stylu funk. Ten afekt zawsze będzie się zmieniał, gdy rytm lub beat jest zmieniany, więc groove może się zmieniać nawet, gdy styl nie.

Gdy uczeń mówi, że piosenka ma beat, który lubi, najprawdopodobniej jest to groove, do którego się odnosi. Przekierowanie rozmowy na temat rytmu otwiera możliwość odkrycia, jaka kombinacja rytmu i rytmu stworzyła rytm, który podoba się uczniowi, a także stwarza możliwości twórczego majstrowania przy rytmie i rytmie osobno w celu zmiany rytmu. Uczniowie mają tendencję do głębokiego zakorzeniania się w niewielkiej liczbie rytmów, które powtarzają się w muzyce, której słuchają, więc tworzenie nowych rytmów, które skutkują tym samym lub podobnym rytmem, pomaga poszerzyć ich uznanie dla muzyki i sprawia, że z konsumentów muzyki stają się jej twórcami, co jest ważnym krokiem w edukacji muzycznej. Uczniowie muszą zrozumieć, że autorzy piosenek i kompozytorzy mają do dyspozycji rytm, rytm i rytm, którymi mogą manipulować w dowolny sposób, i że rezultatem tych kreatywnych decyzji jest szczególny groove i / lub styl, i jest bardzo związany z ekspresyjną intencją twórcy muzyki.